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Cannes - Page 10

  • Présentation de « La Piel que habito » (La Peau que j’habite) de Pedro Almodovar – Compétition officielle du Festival de Cannes 2011

                                       piel9.jpgAprès « Le Gamin au vélo » de Jean-Pierre et Luc Dardenne et « The Tree of life » de Terrence Malick, aujourd’hui gros plan sur « La Piel que habito » de Pedro Almodovar avec Antonio Banderas,  Elena Anaya, Marisa Paredes (qui avait d’ailleurs évoqué ce film et son travail avec Pedro Almodovar lorsque je l’avais rencontré pour la sortie du film « Les Yeux de sa mère » de Thierry Klifa) et qui avait alors évoqué ce film comme « plus complexe » que les précédents du cinéaste.

    Il s’agit d’une adaptation de « Mygale » de Thierry Jonquet, paru en 1995 (une adaptation très libre néanmoins). Un film dont la cruauté le placerait aux frontières du film d’horreur et qui a bien failli ne pas être sélectionné,  en raison essentiellement du perfectionnisme du cinéaste.

    Pedro Almodovar revient donc à Cannes en compétition deux ans après le très beau « Etreintes brisées » (voir ma critique ci-dessous) pour lequel il était reparti bredouille. Cette année,  il présentera son 18ème long-métrage avec pour objectif la palme d’or qu’il regrettait parait-il de ne pas avoir obtenu pour « Volver ». Le tournage a duré trois mois et a emmené l’équipe du film à Madrid, Pazo de Oca et Tolède.

    Alors, Pedro Almodovar créera-t-il le choc de l’édition 2011 avec son 4ème film en compétition annoncé comme dérangeant, cruel et sombre et obtiendra-t-il « enfin » la palme d’or, après le prix de la mise en scène pour « Tout sur ma mère » en 1999, le prix du scénario pour « Volver » en 2006 (sans oublier le prix d’interprétation collectif pour ses actrices) ? Réponse dans trois semaines…

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    Durée : 2 heures

    Synopsis : Depuis que sa femme est morte carbonisée dans un accident de voiture, le docteur Robert Ledgard, éminent chirurgien esthétique, se consacre à la création d’une nouvelle peau, grâce à laquelle il aurait pu sauver son épouse. Douze ans après le drame, il réussit dans son laboratoire privé à cultiver cette peau : sensible aux caresses, elle constitue néanmoins une véritable cuirasse contre toute agression, tant externe qu’interne, dont est victime l’organe le plus étendu de notre corps. Pour y parvenir, le chirurgien a recours aux possibilités qu’offre la thérapie cellulaire.  Outre les années de recherche et d’expérimentation, il faut aussi à Robert une femme cobaye, un complice et une absence totale de scrupules. De toute façon, les scrupules ne l’ont jamais étouffé, il en est tout simplement dénué. Marilia, la femme qui s’est occupée de Robert depuis le jour où il est né, est la plus fidèle des complices. Quant à la femme cobaye…  Au fil des ans, des dizaines de jeunes gens disparaissent de chez eux, souvent de leur plein gré. L’un d’eux se retrouve à partager avec Robert et Marilia la splendide demeure d’El Cigarral. Et ce, contre sa volonté…

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     Films déjà présentés à Cannes par Pedro Almodovar

     2009 - LOS ABRAZOS ROTOS (ETREINTES BRISEES) - En Compétition Réalisation, Scénario & Dialogues

    2006 - VOLVER - En Compétition Réalisation, Scénario & Dialogues

    2004 - LA MALA EDUCACIÓN (LA MAUVAISE EDUCATION) - Hors Compétition Réalisation, Scénario & Dialogues

    1999 - TODO SOBRE MI MADRE (TOUT SUR MA MERE) - En Compétition Réalisation, Scénario & Dialogues

     Le Palmarès de Pedro Almodovar à Cannes

     2006 - Prix du scénario - VOLVER - Long métrage

    1999 - Prix de la mise en scène - TODO SOBRE MI MADRE (TOUT SUR MA MERE) - Long métrage

    Membre du Jury

    1992 - Sélection officielle – Membre

     Filmographie de Pedro Almodovar :

     1978 : Salome (court métrage)

    1978 : Folle, folle, folleme Tim ! (court-métrage)

    1980 : Pepi, Luci, Bom et autres filles du quartier (Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón)

    1982 : Le Labyrinthe des passions (Laberinto de pasiones)

    1983 : Dans les ténèbres (Entre tinieblas)

    1984 : Qu'est-ce que j'ai fait pour mériter ça ? (¿Qué he hecho yo para merecer esto?)

    1986 : Matador

    1987 : La Loi du désir (La ley del deseo)

    1988 : Femmes au bord de la crise de nerfs (Mujeres al borde de un ataque de nervios)

    1989 : Attache-moi ! (¡Átame!)

    1991 : Talons aiguilles (Tacones lejanos)

    1993 : Kika

    1995 : La Fleur de mon secret (La flor de mi secreto)

    1997 : En chair et en os (Carne trémula)

    1999 : Tout sur ma mère (Todo sobre mi madre)

    2002 : Parle avec elle (Hable con ella)

    2004 : La Mauvaise Éducation (La mala educación)

    2006 : Volver

    2009 : Étreintes brisées (Los abrazos rotos)

    2009 : La Conseillère anthropophage (La Concejala antrópofaga) (court-métrage)

    2011 : La Peau que j'habite (La piel que habito)

    Critique d' "Etreintes brisées" de Pedro Almodovar

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    Lorsque vous voyez un film dans l’effervescence du Grand Théâtre Lumière, dans l’euphorie cannoise, de surcroît à côté de l’équipe du film, votre avis est forcément vicié et imprégné de cette atmosphère excessive, c’est pourquoi j’ai tenu à retourner voir « Les Etreintes brisées » quelques jours après l’avoir vu sur la Croisette. Inutile de spécifier à quel point c’est étrange de voir un film dans une salle quasiment vide, qui ne réagit donc pas,  après l’avoir vu quelques jours auparavant en présence de l’équipe du film avec un public particulièrement réactif. Alors ? Alors, même loin de l’agitation cannoise, certes « Les Etreintes brisées » n’est pas le film le plus fou, le plus extravagant, le plus délirant de Pedro Almodovar mais il n’en demeure pas moins remarquable à de nombreux points de vue… et l’un de ses meilleurs films, peut-être même le plus maîtrisé. En tout cas, l’un de mes favoris de cette compétition cannoise 2009 avec, notamment « Inglourious Basterds » de Quentin Tarantino (que Pedro Almodovar, en cinéphile, est d’ailleurs allé voir en séance du lendemain).

     

    Synopsis : Il y a 14 ans, dans un violent accident de voiture dans l’île de Lanzarote, un homme (Lluis Homar) a perdu la vue mais aussi la femme de sa vie, Lena (Penelope Cruz). Sa vie se partage alors en deux parties à l’image de ses deux noms : Harry Caine, pseudonyme ludique sous lequel il signe ses travaux littéraires, ses récits et scénarios ; et Mateo Blanco, qui est sonnom de baptême sous lequel il vit et signe les films qu’il réalise. Après l’accident, il n’est alors plus que son pseudonyme : Harry Caine. Dans la mesure où il ne peut plus faire de films, il s’impose de survivre avec l’idée que Mateo Blanco est mort à Lanzarote aux côtés de Lena.

     

    Pedro Almodovar, habitué de la Croisette et de la compétition cannoise (juré en 1992, en compétition pour « Tout sur ma mère » en 1999- prix de la mise en scène -, pour « La mauvaise éducation » en 2004 –présenté hors compétition- ; pour « Volver » en 2006 –prix du scénario et d’interprétation collectif-) est, cette année reparti bredouille pour un film dont la mise en scène d’une impressionnante beauté et maîtrise,  le scénario impeccable et l’interprétation remarquable de Penelope Cruz auraient pourtant pu lui permettre de figurer au palmarès, à ces différents titres.

     

    Aussi invraisemblable que cela puisse paraître certains cinéastes ne sont pas des cinéphiles (j’aurais bien des exemples mais je m’abstiendrai) mais au même titre que Picasso maîtrisait parfaitement l’histoire de la peinture, condition sine qua non au renouvellement de son art, il me semble qu’un cinéaste se doit de connaître et d’être imprégné de l’histoire du cinéma, comme Pedro Almodovar qui, dans ce film, en plus de témoigner de sa cinéphilie livre une véritable déclaration d’amour au cinéma (il rend notamment hommage à Hitchcock, Antonioni, Malle, Rossellini… ).  Et à Penelope Cruz qu’il sublime comme jamais, en femme fatale, brisée et forte, à la fois Marylin Monroe, lumineuse et mélancolique, et Audrey Hepburn, gracile et déterminée.

     

    « Les Etreintes brisées » est un film labyrinthique d’une grande richesse : un film sur l’amour fou, le cinéma, la fatalité, la jalousie, la trahison, la passion, l’art. Un film dans lequel,  à l’image du festival de Cannes, cinéma et réalité se répondent, s’imbriquent, se confondent.

     

    La mise en abyme, à l’image de tout ce film, est double : il y a d’une part le film que réalise Harry Caine mais aussi le making of de son film.  Harry Caine est lui-même double puisque c’est le pseudonyme de Mateo Blanco. Il meurt doublement : il perd la vue, la cécité étant la mort pour un cinéaste ; il perd la femme qu’il aime, une étreinte brisée qui représente la mort pour l’homme amoureux qu’il est aussi. Un film morcelé à l’image de ces photos en mille morceaux de Lena, d’une beauté tragique.

     

    Et puis que dire de la réalisation… Flamboyante comme ce rouge immédiatement reconnaissable comme celui d’un film de Pedro Almodovar.  D’un graphique époustouflant comme ce film que Mateo Blanco réalise. Sensuelle comme ces mains qui caressent langoureusement une image à jamais évanouie. Son scénario joue avec les temporalités et les genres (film noir, comédie, thriller, drame) avec une apparente facilité admirable.

     

    Peut-être la gravité mélancolique a-t-elle désarçonnée les aficionados du cinéaste qui n’en oublie pourtant pas pour autant sa folie jubilatoire comme dans ce film dans le film « Filles et valises », hommage irrésistible à « Femmes au bord de la crise de nerfs ».

     

    Un film gigogne d’une narration à la fois complexe et limpide, romantique et cruel, qui porte la poésie langoureuse, la beauté mélancolique et fragile de son titre, un film qui nous emporte dans ses méandres passionnées, un film pour les amoureux, du cinéma. Un film qui a la beauté, fatale et languissante, d’un amour brisé en plein vol… Un film qui a la gravité sensuelle de la voix de Jeanne Moreau, la beauté incandescente d’une étreinte éternelle comme  dans « Voyage en Italie » de Rossellini, la tristesse lancinante de Romy Schneider auxquels il se réfère.

     

    Penelope Cruz, d’une mélancolie resplendissante, pour cette quatrième collaboration,  aurait de nouveau mérité le prix d’interprétation et sa prestation (mais aussi celles de tous ses acteurs et surtout actrices auxquels il rend ici hommage, parfois juste le temps d’une scène comme pour Rossy de Palma)  prouve à nouveau quel directeur d’acteurs est Pedro Almodovar qui sait aussi, en un plan, nous embraser et embrasser dans son univers, immédiatement identifiable, la marque, rare, des grands cinéastes.

     

    Un film empreint de dualité sur l’amour fou par un (et pour les) amoureux fous du cinéma… le cinéma qui survit à la mort, à l’aveuglement, qui sublime l’existence et la mort, le cinéma qui reconstitue les étreintes brisées, le cinéma paré de toutes les vertus. Même celle de l’immortalité… Un film par lequel je vous recommande vivement de vous laisser charmer et enlacer…

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  • "Belmondo, du rêve à la réalité": le parcours de Jeff Domenech dans un livre disponible le 18 mai

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    Je vous en ai déjà parlé, le 17 mai, le Festival de Cannes rendra hommage à Jean-Paul Belmondo (et j'essaierai bien entendu d'y être pour vous en parler).

     Retrouvez à cette occasion mes critiques de "La Sirène du Mississipi" de François Truffaut et de "Borsalino" de Jacques Deray.

     Le documentaire diffusé le 17 mai est écrit et co-produit par Jeff Domenech et est co-produit et réalisé par Vincent Perrot. Ce documentaire sera également diffusé en prime time sur France 2 le 17 mai. Jeff Domenech raconte son parcours étonnant et atypique dans un livre à paraître le 18 mai aux Editions Democratic Books. Le livre est préfacé par Georges Lautner. Et comme j'aime les parcours atypiques comme celui-ci et évidemment Belmondo, je vous ferai prochainement un compte rendu du livre en question. En attendant, voici le communiqué de presse:

    C’est l’histoire d’un gamin de Marseille qui réalise son rêve à quarante ans.

    C’est l’histoire d’un fan qui entre dans le cercle intime de l’une des plus grandes stars du cinéma français.

    C’est l’histoire d’un ancien serveur dans une chaine de fast-food qui devient auteur et produc­teur d’un documentaire diffusé en prime-time sur France 2.

    Jeff Domenech est depuis toujours incondition­nel de Jean-Paul Belmondo. Il aime autant sa décontraction insolente dans À bout de souffle que son goût des cascades dans Peur sur la ville ou son tempérament comique dans L’as des as. Il a toujours rêvé de le rencontrer. Il va faire mieux : le convaincre de participer à un film retraçant sa carrière.

    Rien ne le prédisposait pourtant à pareille réussite : entré comme serveur chez Mc Donald’s, devenu directeur de la succursale de Grasse, dans les Alpes Maritimes, il n’avait aucun rapport avec le monde du cinéma. Mais Jeff Domenech est de ces hommes qui savent saisir les opportunités : il deviendra ami avec le réalisateur Georges Lautner qui lui présentera son légendaire interprète de Flic ou voyou.

    Comment devient-on ami avec une star ? Comment vit Jean-Paul Belmondo au quotidien ? Quel homme est-il ? Comment réussit-on à convaincre les plus grands stars françaises de participer à un tel projet ? A travers les coulisses d’un documentaire exceptionnel, ce livre est une manière de découvrir Jean-Paul Belmondo dans son intimité et sa simplicité chaleureuse. Une manière aussi pour Jeff Domenech de dire : tout est possible, il suffit d’y croire.

    L’auteur

    Entré comme serveur en 1989 au Mc Donald’s de Marseille, Jeff Domenech a gravit tout les échelons de responsabilités de la chaîne internationale de restauration rapide jusquà diriger le restaurant de Grasse qu’il quittera en Janvier 2011 pour se consacrer exclusivement à l’écriture et à la production audiovisuelle.

    Son premier documentaire en tant qu’auteur et producteur avec Vincent Perrot qui en est aussi le réalisateur, Belmondo, Itinéraire est projeté au Festival de Cannes, dans le cadre d’un hommage à Jean-Paul Belmondo, le mardi 17 mai et diffusé le même jour en prime time dans le cadre d’une soirée spéciale Jean-Paul Belmondo sur France 2.

    Catégories : HOMMAGES DU FESTIVAL Lien permanent 0 commentaire Pin it! Imprimer
  • Présentation de « The Tree of life » de Terrence Malick – Compétition officielle du Festival de Cannes 2011

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    Après « Le gamin au vélo » des frères Dardenne, je poursuis aujourd’hui mes présentations des films de la sélection officielle avec un des films le plus attendus de cette édition 2011, et en tout cas celui qui aura suscité le plus de rumeurs : « The Tree of life » de Terrence Malick dont la sortie a été plusieurs fois repoussée. Comme toujours, ne délivrant que très peu d’informations sur son nouveau film, Terrence Malick a suscité ainsi de multiples rumeurs. La bannde-annonce reprend des formules de journaux le qualifiant déjà de "film le plus attendu de l'année", de  "récit follement ambitieux" et de "chef d'oeuvre" ("Seul un chef d'oeuvre pouvait réunir Brad Pitt et Sean Penn").

    On parlait ainsi de sa sortie dès 2009 avant que ne soit évoquée une sélection déjà au Festival de Cannes 2010. Thierry Frémaux lui-même l’avait d’ailleurs évoquée mais Terrence Malick, perfectionniste, n’étant pas satisfait de son film, avait repoussé l’échéance. Rien d’étonnant lorsqu’on sait que « The Tree of life » est seulement son cinquième film en presque quarante ans.

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     Comme toujours dans son cinéma, la musique jouera un rôle primordial. La partie originale de la nouvelle bande sonore est ainsi composée par le français Alexandre Desplat dont on ne compte plus les grands films auxquels il a collaboré à commencer par le dernier multi primé « The Ghost writer » de Roman Polanski, y compris pour la musique qui a reçu le César en 2011. Dans la bande-annonce du film, la première musique utilisée est « La Moldau de Smetana » de Bedřich Smetana qui est consacrée à la rivière qui traverse Prague, dont on suit le cours depuis le ruisseau d'origine jusqu'au moment où elle se jette dans l'Elbe. « The Tree of Life » relate ainsi la vie d'un homme et de celle du cosmos depuis aussi son origine. Le morceau suivant est une marche funéraire du compositeur contemporain Patrick Cassidy.

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    Mike Fink, responsable des effets spéciaux sur le film, a révélé  qu'il y aurait des dinosaures dans « The Tree of life » pour montrer l'évolution de la vie depuis le big bang en passant par l'ère secondaire . Ainsi, début 2009, ce dernier annonçait : " On travaille sur l’animation de dinosaures, mais ce n’est pas Jurassic Park. L’idée est de faire comme si une caméra était remontée dans le temps, quand les dinosaures se baladaient sur la planète et que les premières créatures commençaient à sortir de l’eau, quand les premiers mammifères apparaissaient. Notre travail sur ces créatures s’appuie sur des recherches très sérieuses."

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    Habitué des récompenses (un Oscar et un prix de la mise en scène en 1979 pour « Les Moissons du ciel », Ours d’or à Berlin pour « La ligne rouge » en 1999, notamment), Terrence Malick devra néanmoins affronter des habitués du palmarès cannois comme les frères Dardenne ou Pedro Almodovar.

    Le film sortira en salles le mardi 17 mai 2011 en France. Des avant-premières auront lieu le 16 mai à 20H (date et heure de projection cannoise, vous pourrez ainsi le découvrir en même temps que les festivaliers) . Il sortira le 27 mai aux Etats-Unis et est distribué en France par Europacorp.

    "The Tree of life" devrait donc être un des évènements de cette édition 2011, en raison de l’attente suscitée, de l’aura de son réalisateur et de son palmarès mais aussi de son casting avec deux habitués de la Croisette dans les rôles principaux : Brad Pitt et Sean Penn. Retrouvez ma critique en direct de Cannes très bientôt…

    Synopsis : Jack grandit entre un père autoritaire et une mère aimante, qui lui donne foi en la vie. La naissance de ses deux frères l'oblige bientôt à partager cet amour inconditionnel, alors qu'il affronte l'individualisme forcené d'un père obsédé par la réussite de ses enfants. Jusqu'au jour où un tragique événement vient troubler cet équilibre précaire...

    Distribution: Brad Pitt, Sean Penn, Jessica Chastain, Fiona Shaw…

    Films déjà présentés à Cannes par Terrence Malick :

    1979 - DAYS OF HEAVEN (LES MOISSONS DU CIEL) - En Compétition Réalisation, Scénario & Dialogues

    Le Palmarès

    1979 - Prix de la mise en scène - DAYS OF HEAVEN (LES MOISSONS DU CIEL) - Long métrage

    Filmographie de Terrence Malick :

    1969 : Lanton Mills (court métrage)

    1973 : La Balade sauvage (Badlands)

    1978 : Les Moissons du ciel (Days of Heaven)

    1998 : La Ligne rouge (The Thin Red Line)

    2005 : Le Nouveau Monde (The New World)

    2011 : The Tree of Life

    2012 : The Burial (post-production)

    Projets

    2014 : Untitled Jerry Lee Lewis Project

     

     

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  • Compétition officielle Cannes 2011 - "Le gamin au vélo" de Jean-Pierre et Luc Dardenne - Présentation

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    Photo inthemoodforcannes (Festival de Cannes 2009, leçon de cinéma à Cannes)

    Chaque jour, jusqu’à mon départ pour Cannes, le 11 mai, je vous ferai partager toutes les informations dont je dispose sur un film en sélection officielle avant que vous en retrouviez ici ma critique, en direct de Cannes. Je commence avec des cinéastes qui figurent dans la catégorie des « habitués » de Cannes pour reprendre le terme employé par Thierry Frémaux lors de la conférence de presse, avec rien de moins que deux palmes d’or pour ces derniers  (pour « Rosetta » en 1999, également récompensé d’un prix d’interprétation féminine,  et pour « L’Enfant », en 2005), un prix du scénario (pour « Le silence de Lorna » en 2008), sans oublier leur leçon de cinéma lors de la 62ème édition du festival (dont vous pouvez retrouver mon compte rendu, ici) …sachant que « Le gamin au vélo » est seulement leur 8ème long-métrage. Vous aurez bien entendu reconnu les frères Jean-Pierre et Luc Dardenne.

    Des cinéastes qui ne cessent de me surprendre et m’éblouir et j’avoue que la bande-annonce me donne déjà des frissons.  Les Dardenne sont pour moi avant tout des directeurs d’acteurs exceptionnels (j’en veux pour preuve les deux prix d’interprétations reçus à Cannes par des acteurs de leurs films, Emilie Dequenne qu’ils révélèrent dans « Rosetta » en 1999, et pour Olivier Gourmet « Le Fils », en 2002) qui,  forts de leur expérience du documentaire, recréent une réalité  forte et crédible avec des êtres blessés par la vie dont les souffrances se heurtent, se rencontrent, s’aimantent.  Pour eux un acteur doit en savoir le moins possible et aussi en faire le moins possible: "moins tu en dis, plus le spectateur pourra investir les choses". Il faut "toujours contredire l'acteur pour qu'il soit toujours en déséquilibre et ne s'enferme jamais  dans une image de son personnage."avaient-il ainsi spécifié lors de leur leçon de cinéma, à Cannes, en 2009.

     Un cinéma réaliste, humaniste, social sans être revendicatif mais au contraire nous plongeant dans l’intimité des personnages  comme dans « le Silence de Lorna », plus parlant que n’importe quel discours politique et qui dépeint magnifiquement une douloureuse histoire d’amour entre des être au bord du gouffre, sur le fil, une histoire d’amour qui ne dit pas et ne peut dire son nom et qui n’en est que plus poignante.

     Les Dardenne restent les meilleurs cinéastes de l’instant, à la fois de l’intime et de l’universel dans lequel tout peut basculer en une précieuse et douloureuse seconde. Ils sont les maîtres d’œuvre de thrillers intimes.

    Les Dardenne sont donc cette année à nouveau en compétition (pour la 5ème fois !)  pour « Le gamin au vélo », un film d’1H27 avec Cécile de France, Jérémie Rénier, Thomas Doret, Olivier Gourmet.

    Les Dardenne qui choisissent rarement des acteurs connus mais plus souvent des non professionnels qu’ils révèlent bien souvent (comme dans « Rosetta ») ont cette fois dérogé à ce principe en faisant tourner leur compatriote belge Cécile de France.

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    Synopsis :

    Cyril, bientôt 12 ans, n'a qu'une idée en tête : retrouver son père qui l'a placé provisoirement dans un foyer pour enfants. Il rencontre par hasard Samantha, qui tient un salon de coiffure et qui accepte de l'accueillir chez elle pendant les week-ends. Mais Cyril ne voit pas encore l'amour que Samantha lui porte, cet amour dont il a pourtant besoin pour apaiser sa colère ...

    Date de sortie en salles : 18 mai 2011

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    Films déjà présentés à Cannes:

    2008 - LE SILENCE DE LORNA - En Compétition Réalisation, Scénario & Dialogues

    2007 - CHACUN SON CINÉMA - Hors Compétition Réalisation

    2005 - L'ENFANT - En Compétition Réalisation, Scénario & Dialogues

    2002 - LE FILS - En Compétition Réalisation, Réalisation, Scénario & Dialogues, Scénario & Dialogues

    1999 - ROSETTA - En Compétition Réalisation, Réalisation, Scénario & Dialogues, Scénario & Dialogues

    1996 - LA PROMESSE - Section parallèle Réalisation, Réalisation

    1987 - FALSCH - Section parallèle Réalisation, Réalisation

    Leur Palmarès cannois  (sans compter les prix d'interprétation évoqués plus haut):

    2008 - Prix du scénario - LE SILENCE DE LORNA - Long métrage

    2005 - Palme d'Or - L'ENFANT - Long métrage

    1999 - Palme d'Or - ROSETTA - Long métrage

    Membres du Jury:

    2006 - Caméra d’Or - Présidents

    2000 - Courts métrages – Président

     Filmographie (longs-métrages de fiction):

     1987 : Falsch

    1992 : Je pense à vous

    1996 : La Promesse

    1999 : Rosetta

    2002 : Le Fils

    2005 : L'Enfant

    2008 : Le Silence de Lorna

    2011 : Le Gamin au vélo

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  • Critique de "Borsalino" de Jacques Deray avec Jean-Paul Belmondo et Alain Delon

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    Dans le cadre de l'hommage du Festival de Cannes 2011 à Jean-Paul Belmondo, dont je vous parlais hier, ici, je vous propose aujourd'hui la critique de "Borsalino" de Jacques Deray.

    Voilà. C'était en 1970. 4, 7 millions de spectateurs avaient alors vu ce film produit par Alain Delon. Un film alors très médiatisé. Et pour cause : deux mythes du cinéma s'y retrouvaient pour la première fois, 28 ans avant que Patrice Leconte les réunisse à nouveau pour « Une chance sur deux ». Belmondo avait d'ailleurs reproché à Delon d'être deux fois sur l'affiche, en tant que producteur et en tant qu'acteur. Ce jeu et cette apparente concurrence entre les deux acteurs avaient même conduit Jacques Deray à s'arranger pour qu'ils aient exactement le même nombre de plans et il est vrai que les deux acteurs y sont autant l'un que l'autre à leur avantage...

    Basé sur le roman « Bandits à Marseille » d'Eugène Saccomano, « Borsalino » est inspiré de l'histoire des bandits Carbone et Spirito   dont les noms avaient finalement été remplacés en raison de leurs rôles pendant l'Occupation. On y retrouve, outre Delon et Belmondo,  Nicole Calfan, Françoise Christophe, Corinne Marchand, Mireille Darc (qui fait une apparition remarquée) mais aussi Michel Bouquet, Julien Guiomar, Mario David, Laura Adani. Les dialogues sont signés Jean-Claude Carrière, co-scénariste avec Claude Sautet, Jacques Deray, Jean Cau. Rien de moins !

    Début des années 30 à Marseille. Roch Siffredi (Alain Delon) sort de prison. Venu retrouver son amie Lola (Catherine Rouvel) il rencontre par la même occasion son nouvel amant François Capella (Jean-Paul Belmondo). S'ensuit une bagarre entre les deux rivaux, elle scellera le début d'une indéfectible amitié.  Capella cherche à se faire une place dans la pègre marseillaise. Les deux truands vont ainsi se trouver et  se respecter. De cette réunion va naître une association de malfaiteurs florissante puis une amitié à la vie, à la mort qui va leur permettre de gravir les échelons de la Pègre marseillaise !

    D'un côté, Capella/Belmondo séducteur, désinvolte, bon vivant,  aux goûts clinquants et aux manières cavalières. De l'autre Siffredi/Belmondo élégant, ambitieux, taciturne, froid, implacable, presque inquiétant. Deux mythes du cinéma face à face, côte à côte qui jouent avec leurs images. Parfois avec dérision (ah la scène de la baignade, ah la bagarre...), démontrant ainsi d'ailleurs l'humour dont ils savaient et savent faire preuve même celui dont ses détracteurs l'accusaient à tort d'en être dépourvu, même si dans le DVD on reconnaît plus volontiers cette qualité à Jean-Paul Belmondo et à Delon... sa générosité. Jouant avec leur image encore lorsqu'ils deviennent des gangsters stars sur le passage desquels on se  détourne, et applaudis par la foule, comme ils le sont en tant qu'acteurs.

    C'est aussi un hommage aux films de gangsters américains, aux films de genre, avec leurs voitures rutilantes,  leurs tenues élégantes parfois aussi clinquantes (dont le fameux Borsalino qui inspira le titre du film), leurs femmes fatales mystérieuses ou provocantes, leurs lieux aussi folkloriques et hauts en couleurs que les personnages qui les occupent. En toile de fond la pittoresque Marseille, Marseille des années 30,  sorte de Chicago française, Marseille luxueusement reconstituée que Deray filme avec minutie, chaleur, avec l'allégresse qui illumine son film influencé par l'atmosphère ensoleillée et chaleureuse de Marseille. Sa caméra est alerte et virevoltante et elle accompagne avec une belle légèreté et application quelques scènes d'anthologie comme celle de la fusillade dans la boucherie. Tout cela donne au film une vraie « gueule d'atmosphère » qui n'appartient qu'à lui. Et s'il n'y a pas réellement de suspense, Deray nous fait suivre et vivre l'action sans penser à la suivante, à l'image de Siffredi et Capella qui vivent au jour le jour;  il  ne nous embarque pas moins avec vivacité dans cette ballade réjouissante, autant teintée d'humour et de second degré (dans de nombreuses scènes mais aussi dans les dialogues, savoureux) que de nostalgie, voire de mélancolie suscitée par la solitude du personnage de Delon dont la majesté de fauve, parfois la violence, semblent être les masques de la fragilité. Et dont la solitude fait écho à celle de l'acteur, auréolé d'un séduisant mystère. Celui d'un fauve blessé.

    Un film que ses deux acteurs principaux font entrer dans la mythologie de l'Histoire  du cinéma, et qui joue intelligemment avec cette mythologie, ce film étant par ailleurs  avant tout un hymne à l'amitié incarnée par deux prétendus rivaux de cinéma.  Ce sont évidemment deux rôles sur mesure pour eux mais c'est aussi toute  une galerie de portraits et de personnages aussi pittoresques que la ville dans laquelle ils évoluent qui constitue d'ailleurs  un véritable personnage (parmi lesquels le personnage de l'avocat magistralement interprété par Michel Bouquet). Un film avec un cadre, une ambiance, un ton, un décor, deux acteurs uniques. Et puis il y a l'inoubliable musique de Claude Bolling avec ses notes métalliques parfois teintées d'humour et de violence, de second degré et de nostalgie, d'allégresse et de mélancolie,  de comédie et de polar entre lesquels alterne ce film inclassable.

    « Borsalino » fut nommé aux Golden Globes et à l'ours d'or. Quatre ans plus tard Jacques Deray réalisera Borsalino and co, de nouveau avec Alain Delon, sans connaître le même succès auprès du public et de la critique. Reste un film qui, 40 ans après, n'a rien perdu de son aspect jubilatoire et semble même aujourd'hui encore, pour son habile mélange des genres, en avoir inspiré beaucoup d'autres. Imité, rarement égalé. En tout cas inimitable pour ses deux personnages principaux que ses deux acteurs mythiques ont rendu à leurs tours mythiques, les faisant entrer dans la légende, et dans nos souvenirs inoubliables, inégalables et attendris de cinéphiles.

    Retrouvez "Borsalino" en DVD.borsalino1.jpg

     DVD 2 : Plus de 2 heures de suppléments inédits - Bonus réalisés par Agnès vincent Deray et Pierre-Henri Gibert : reportage sur le tournage du film en 1969, interviews des acteurs à la sortie du film en 1970, Jean-Paul Belmondo et Alain Delon racontent leurs personnages, les Parisiennes chantent le thème de Borsalino, la Genèse du film (témoignages de Jean-Claude Carrière et Eugène Saccomano), les secrets du tournage (témoignages de Michel Bouquet, Nicole Calfan, Françoise Christophe, Corinne Marchand et Catherine Rouvel), la musique de Claude Bolling: un thème universel (Témoignages de Claude Bolling et Stéphane Lerouge), témoignages de Michel Drucker et Agnès Vincent Deray, avec la participation exceptionnelle d'Alain Delon.

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  • Critique de "La Sirène du Mississipi" de François Truffaut (hommage du Festival de Cannes 2011 à Jean-Paul Belmondo)

    Dans le cadre de l'hommage du Festival de Cannes 2011 à Jean-Paul Belmondo, dont je vous parlais hier, ici, je vous propose aujourd'hui la critique de "La Sirène du Mississipi" de François Truffaut.

    "La Sirène du Mississipi" de François Truffaut (1969): entre joie et souffrance...

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    Après « Baisers volés » (1969) et « La Femme d’à côté » (1981), pour cet hommage à Jean-Paul Belmo,do, je poursuis également le cycle consacré à François Truffaut sur inthemoodforcinema.com, en remontant un peu dans le temps, avec « La Sirène du Mississipi », un film sorti en 1969. Dédié à Jean Renoir, adapté, scénarisé et dialogué par Truffaut d’après un roman de William Irish intitulé « Waltz into Darkness » (pour acquérir les droits François Truffaut dut emprunter à Jeanne Moreau, Claude Lelouch et Claude Berri), c’est davantage vers le cinéma d’Alfred Hitchcock, que lorgne pourtant ce film-ci, lequel Hitchcock s’était d’ailleurs lui-même inspiré d’une nouvelle de William Irish pour « Fenêtre sur cour ». Truffaut avait lui-même  aussi déjà adapté William Irish pour « La mariée était en noir », en 1968.

     

    Synopsis : Louis Mahé (Jean-Paul Belmondo) est fabriquant de cigarettes à La Réunion.  Il doit épouser Julie Roussel qu’il a rencontrée par petite annonce et dont il doit faire la connaissance le jour du mariage. Lorsqu’elle débarque  à La Réunion, d’une beauté aussi froide que ravageuse, elle ressemble peu à la photo qu’il possédait d’elle. Elle lui affirme ainsi lui avoir envoyé un faux portrait, par méfiance.  Peu de temps après le mariage, l’énigmatique Julie s’enfuit avec la fortune de Louis. Louis engage alors le solitaire et pointilleux détective Comolli (Michel Bouquet) pour la rechercher, et il rentre en France. Après une cure de sommeil à Nice, il retrouve Julie qui se nomme en réalité Marion (Catherine Deneuve) par hasard, elle travaille désormais comme hôtesse dans une discothèque. Il est déterminé à la tuer mais elle l’apitoie en évoquant son enfance malheureuse et ses sentiments pour lui qui l’aime d’ailleurs toujours… Commence alors une vie clandestine pour ce singulier couple.

     

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    Ce film connut un échec public et critique à sa sortie. Truffaut expliqua ainsi cet échec : « Il est aisé d’imaginer ce qui a choqué le monde occidental. La Sirène du Mississipi montre un homme faible (en dépit de son allure), envoûté par une femme forte (en dépit de ses apparences) ». Voir ainsi  Belmondo ravagé par la passion qui lui sacrifie tout explique pour Truffaut l’échec du film. C’est vrai que ce film peut dérouter après « Baisers volés », quintessence du style Nouvelle Vague.  Son romantisme échevelé, sombre, voire désespéré (même si Doinel était déjà un personnage romantique) mais aussi son mélange des genres (comédie, drame, film d’aventures, film noir, policier) ont également pu dérouter ceux qui voyaient avant tout en Truffaut un des éminents représentants de la Nouvelle Vague.

     

     Comme chacun de ses films « La Sirène du Mississipi » n’en révèle pas moins une maîtrise impressionnante de la réalisation et du sens de la narration, des scènes et des dialogues marquants, des références (cinématographiques mais aussi littéraires) intelligemment distillées et le touchant témoignage d’un triple amour fou : de Louis pour Marion, de Truffaut pour Catherine Deneuve, de Truffaut pour le cinéma d’Hitchcock.

                           

     Truffaut traite ainsi de nouveau d’un de ses thèmes de prédilections : l’amour fou, dévastateur, destructeur. Malgré la trahison de la femme qu’il aime, Louis tue pour elle et la suit au péril de sa propre existence… Après les premières scènes, véritable ode à l’île de La Réunion qui nous laisse penser que Truffaut va signer là son premier film d’aventures, exotique, le film se recentre sur leur couple, la troublante et trouble Marion, et l’amour aveugle qu’elle inspire à Louis. Truffaut traitera ce thème de manière plus tragique, plus subtile, plus précise encore dans « L’Histoire d’Adèle.H », dans « La Peau douce » (réalisé avant « La Sirène du Mississipi)  notamment ou, comme nous l’avons vu, dans « La Femme d’à côté », où, là aussi, Bernard (Gérard Depardieu) emporté par la passion perd ses repères sociaux, professionnels, aime à en perdre la raison avec un mélange détonant de douceur et de douleur, de sensualité et de violence, de joie et de souffrance dont « La sirène du Mississipi » porte déjà les prémisses.

     

    Bien qu’imprégné du style inimitable de Truffaut, ce film est donc aussi une déclaration d’amour au cinéma d’Hitchcock, leurs entretiens restant le livre de référence sur le cinéma hitchcockien (si vous ne l’avez pas encore, je vous le conseille vivement, il se lit et relit indéfiniment, et c’est sans doute une des meilleures leçons de cinéma qui soit). « Les Oiseaux », « Pas de printemps pour Marnie », « Sueurs froides», « Psychose », autant de films du maître du suspense auxquels se réfère « La Sirène du Mississipi ». Et puis évidemment le personnage même de Marion interprétée par Catherine Deneuve, femme fatale ambivalente, d’une beauté troublante et mystérieuse, d’une blondeur et d’une froideur implacables, tantôt cruelle, tantôt fragile, empreinte beaucoup aux héroïnes hitchcockiennes, à la fois à Tippie Hedren dans « Pas de printemps pour Marnie » ou à Kim Novak dans « Sueurs froides » notamment pour la double identité du personnage  dont les deux prénoms (Marion et Julie) commencent d’ailleurs comme ceux de Kim Novak dans le film d’Hitchcock- Madeleine et Judy-.

     

     A Deneuve, qui vient d'accepter le film, Truffaut écrivit : « Avec La Sirène, je compte bien montrer un nouveau tandem prestigieux et fort : Jean-Paul, aussi vivant et fragile qu'un héros stendhalien, et vous, la sirène blonde dont le chant aurait inspiré Giraudoux. » Et il est vrai qu’émane de ce couple, une beauté ambivalente et tragique, un charme tantôt léger tantôt empreint de gravité. On retrouve Catherine Deneuve et Jean-Paul Belmondo dans des contre-emplois dans lesquels ils ne sont pas moins remarquables. Elle en femme fatale, vénale, manipulatrice, sirène envoûtante mais néanmoins touchante dont on ne sait jamais vraiment si elle aime ou agit par intérêt. Lui en homme réservé, follement amoureux, prêt à tout par amour, même à tuer.

     

     A l’image de l’Antiquaire qui avait prévenu Raphaël de Valentin dans « La Peau de chagrin » à laquelle Truffaut se réfère d’ailleurs, Louis tombant par hasard sur le roman en question dans une cabane où ils se réfugient ( faisant donc de nouveau référence à Balzac après cette scène mémorable se référant au « Lys dans la vallée » dans « Baisers volés »), et alors que la fortune se réduit comme une peau de chagrin,  Marion aurait pu dire à Louis : «  Si tu me possèdes, tu possèderas tout, mais ta vie m'appartiendra ».

     

    Enfin  ce film est une déclaration d’amour de Louis à Marion mais aussi et surtout, à travers eux, de Truffaut  à Catherine Deneuve comme dans cette scène au coin du feu où Louis décrit son visage comme un paysage, où l’acteur semble alors être le porte-parole du cinéaste. Le personnage insaisissable, mystérieux de Catherine Deneuve contribue largement à l’intérêt du film, si bien qu’on imagine difficilement quelqu’un d’autre interprétant son rôle.

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    Comme souvent, Truffaut manie l’ellipse avec brio, joue de nouveau avec les temporalités pour imposer un rythme soutenu. Il cultive de nouveau le hasard comme dans « Baisers volés » où il était le principal allié de Doinel, pour accélérer l’intrigue.

     

    Alors, même si ce film n’est pas cité comme l’un des meilleurs de Truffaut, il n’en demeure pas moins fiévreux, rythmé, marqué par cette passion, joliment douloureuse, qui fait l’éloge des grands silences et que symbolise si bien le magnifique couple incarné par Deneuve et Belmondo. Avec « La Sirène du Mississipi » qui passe brillamment de la légèreté au drame et qui dissèque cet amour qui fait mal, à la fois joie et souffrance, Truffaut signe le film d’un cinéaste et d’un cinéphile comme récemment Pedro Almodovar avec « Les Etreintes brisées ».

     

     « La Sirène du Mississipi » s’achève par un plan dans la neige immaculée qui laisse ce couple troublant partir vers son destin, un nouveau départ, et nous avec le souvenir ému de cet amour fou dont Truffaut est sans doute le meilleur cinéaste.

     

    Dix ans plus tard, Catherine Deneuve interprétera de nouveau une Marion dans un film de Truffaut « Le dernier métro », et sera de nouveau la destinataire d’ une des plus célèbres et des plus belles répliques de Truffaut, et du cinéma, que Belmondo lui adresse déjà dans « La Sirène du Mississipi »:

     

     « - Quand je te regarde, c'est une souffrance.

    - Pourtant hier, tu disais que c'était une joie.

    - C'est une joie et une souffrance.''

     

    Sans doute une des meilleures définitions de l’amour, en tout cas de l’amour dans le cinéma de Truffaut… que nous continuerons à analyser prochainement avec « L’Histoire d’Adèle.H ». En attendant je vous laisse méditer sur cette citation et sur le chant ensorcelant et parfois déroutant de cette insaisissable « Sirène du Mississipi ». 

     

    Bonus: le trailer de "La Sirène du Mississipi"

     

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  • Les premières images de "Minuit à Paris" de Woody Allen, film d'ouverture du Festival de Cannes 2011

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    Synopsis: "Un jeune couple d’américains dont le mariage est prévu à l’automne se rend pour quelques jours à Paris.
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    Photographer - Roger Arpajou © 2011 Mediapro, Versátil, & Gravier Productions


     

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    Cliquez ici pour retrouver mon dossier consacré à Woody Allen

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  • L'affiche définitive de "Tree of life" de Terrence Malick avec Brad Pitt, Sean Penn...

    Je vous parlais il y a quelques jours de "Tree of life" de Terrence Malick dont nous ne saurons que le 14 avril s'il est sélectionné ou non dans le cadre de ce 64ème Festival de Cannes. En attendant découvrez son affiche définitive.

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  • Les affiches des 50 ans de la Semaine de la Critique (Festival de Cannes 2011)

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    La Semaine de la Critique célèbrera sa 50ème édition lors du prochain Festival de Cannes.
    A cette occasion, l’agence "Les Bons Faiseurs", avec laquelle la Semaine collabore pour la septième fois, a imaginé une déclinaison d’affiches rendant hommages à différents auteurs révélés par la Semaine.  5 affiches, 5 films, 5 univers nous racontent 50 ans de premières fois. De Bernardo Bertolucci à Alejandro González Iñárritu, de Barbet Schroeder à Jacques Audiard en passant par Wong Kar-wai, la Semaine de la Critique honore, à travers ces affiches, 5 décennies de cinéastes découverts par la Critique française.

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  • Découvrez l'affiche ACID Cannes 2011

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    Les cinéastes réunis au sein de l'Association du Cinéma Indépendant pour sa Diffusion  viennent de dévoiler l'affiche ACID - CANNES 2011, signée Speedy Graphito, et qui succède à celles de Thierry Guitard, Pierre Etaix et Willem.

    Comme chaque année, l'ACID présentera lors du festival une programmation internationale de 9 films de long métrage, documentaires ou de fiction, pour la plupart sans distributeur en France.

    Des courts métrages complèteront ces séances, ouvertes à tous les publics, en présence des équipes des films et de leurs "parrains" de l'ACID, du 12 au 21 mai 2011.

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