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01/06/2015

Festival de Cannes 2015 : bilan complet du festival et palmarès complet commenté

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22 films vus, parfois grands, souvent bouleversants. 10 conférences de presse, certaines mémorables. Des dîners de grands chefs. Des soirées dans des décors fastueux souvent d’ailleurs écourtées pour ne manquer sous aucun prétexte la séance presse de 8H30, délectable rituel matinal. De belles rencontres professionnelles. 15 jours trépidants et exaltants sur la Croisette à « voir trois films par jour, dormir 2h par nuit » comme l’a dit en connaisseur Lambert Wilson lors de la clôture, 15 jours sous un soleil irréel comme si un mystérieux metteur en scène avait voulu souligner, par cette météo improbable, le sentiment d’ailleurs, l’atmosphère enivrante, à nous faire oublier que cela ne durerait pas toujours, à nous étourdir de bonheur cinématographique comme le ballet de Benjamin Millepied lors de l’ouverture, à nous faire oublier que cette réalité vers laquelle chacun des films nous ramenait pourtant et de laquelle le festival nous tenait si éloignés finirait par reprendre ses droits, à en oublier que le temps continuait à s’écouler, que tout, un jour, a une fin, y compris le Festival de Cannes.

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De fin, d’écoulement inexorable et assassin du temps, de mort (« Chronic »), de deuil souvent impossible-pléonasme, non ?- du père, de la mère, de l’enfant, de l’amour ou du passé (« Louder than bombs », « Notre petite sœur », « Valley of love », « Mia madre », « Mon roi », « Youth ») de douleur indicible (l’incapacité à dire la souffrance serait peut-être la thématique commune de ces films du monde entier alors que, pourtant, partout, jamais nous n’avons eu autant de moyens de communiquer), c’est ce dont nous ont d’ailleurs beaucoup parlé les films en compétition de ce 68ème festival, des meurtrissures qu’un monde égoïste condamne au silence face auxquelles l’amour, le foyer, la croyance semblent être les derniers recours.

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Si Cannes est le reflet du monde, alors il le révèle meurtri par des douleurs contenues face à la violence sociale et politique, un monde hanté par la mort, par l’absence, par une douleur ineffable dans une société souvent bavarde et sourde. L’amour (le jury a couronné deux femmes amoureuses), étouffant (« Mon roi ») ou étouffé (« Carol »), les émotions, les souvenirs, la famille (souvent celle qu’on s’est construite : « Notre petite sœur », « Dheepan ») et l’art (« Youth ») et donc le cinéma et son mystère et son miracle (« Mia madre », « Valley of love ») subsistent alors comme seuls recours contre le temps (« Youth »), ennemi éternel et invincible, contre la loi du marché (dans le film éponyme), contre l’égoïsme (« The Lobster », « Mountains may depart »), qui dévorent les êtres. C’est peut-être une phrase extraite du film de clôture, « La glace et le ciel » qui nous apportait une réponse et un espoir face à tout cela : « Je crois que l’homme n’est jamais aussi sublimement lui-même que face à l’adversité. »

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 Finalement, de ce tourbillon grisant de cinéma, « il n’y a que les émotions qui restent », pour paraphraser une réplique d’un formidable film oublié du palmarès, « Youth »de Paolo Sorrentino qui, justement, nous parlait du temps qui passe. Inexorablement.   Alors, c’est de ces émotions persistantes, indélébiles, marquantes que je vais vous parler aujourd’hui, en guise de bilan, et avant de revenir plus longuement au cours de l’année à venir, sur les films vus pendant ce 68ème Festival de Cannes :

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 -la tristesse qui m’a ravagée au dénouement de « Mia madre » de  Nanni Moretti, ce vertige effroyable du lendemain suggéré par un regard et une réplique dévastateurs (: «– A quoi tu penses ? – A demain !» ) , un absent du palmarès (qui s’est consolé avec le prix du jury œcuménique ) qui a pourtant bouleversé les festivaliers et qui a souvent été cité comme potentielle palme d’or que Nanni Moretti avait déjà reçue en 2001 pour un film qui, déjà, portait sur le thème du deuil, « La chambre du fils ». Dans « Mia madre », Margherita est une réalisatrice confrontée à la fois à un tournage avec un acteur insupportable (irrésistible John Torturro) et à la mort annoncée de sa mère. Toute l’intelligence de Moretti réside dans l’alternance entre le burlesque et le mélodrame, la légèreté de la comédie atténuant la gravité du drame. L’illusion de légèreté du cinéma (le film de Moretti – qui lui-même avait été confronté à la mort de sa mère lors du tournage de « Habemus Papam »- mais aussi le film que tourne Margherita dans le film de Moretti, judicieuse mise en abyme) pour tenter d’affronter le gouffre étourdissant de la mort et du lendemain après la perte forcément insensée d’un parent. Il met ainsi l’accent sur tout ce qui permet d’immortaliser la vie et le temps qui s’enfuient, notamment par un mélange des degrés de narration : les souvenirs, les livres, les rêves et évidemment le cinéma. Un film pudique, profondément émouvant et un regard final qui vous hante longtemps après la projection et qui me hante et bouleverse encore.

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- la jubilation devant « The lobster » de Yorgos Lanthimos (qui avait obtenu le prix Un Certain Regard en 2009 pour « Canines ») qui se déroule dans un futur proche dans lequel toute personne célibataire est arrêtée, transférée à l’hôtel et a 45 jours pour trouver l’âme sœur. Passé ce délai, elle sera transformée en l’animal de son choix. Un film déroutant, cinglant, burlesque, métaphorique, inventif, dans lequel l’homme est un loup pour l’homme (littéralement), profondément égoïste et dont la fin n’est pas décevante comme l’ont déploré certains commentateurs mais au contraire illustre brillamment ce propos. Le couple devient un totalitarisme condamnant le solitaire à l’animalité. Un film intelligemment singulier qui regorge de trouvailles insolites, certes sous l’influence de Buñuel (« Un chien andalou »), mais qui ne ressemble à aucun autre…

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-le bonheur d’entendre les spectateurs du Grand Théâtre Lumière rire éperdument devant les images des frères Lumière… 120 ans plus tard. A l’occasion des 120 ans du Cinématographe, leurs films restaurés ont en effet été projetés aux festivaliers, le tout avec les commentaires cinéphiliques et inénarrables de Thierry Frémaux, avec la traduction (qui l’était tout autant) de Bertrand Tavernier. C’est le 28 décembre 1895 qu’eut ainsi lieu la première séance de cinéma payante au Grand Café à Paris. C’est un film de 93 minutes qui nous a été projeté, en réalité un montage de 114 films restaurés réalisés par Louis Lumière et ses opérateurs entre 1895 et 1905, de la « Sortie de l’usine Lumière« , « L’Arroseur arrosé » (la première fiction de l’Histoire cinéma) à des films aussi méconnus qu’étonnants, cocasses, maîtrisés avec, déjà, les prémisses du langage cinématographique, du gros plan au travelling, un véritable voyage qui nous a emmenés dans les origines du cinéma mais aussi sur d’autres continents et qui a suscité l’hilarité générale mais aussi l’admiration devant des films d’une qualité exceptionnelle dont chacun démontrait à quel point déjà les Lumière pratiquait et maîtrisait l’art de la mise en scène et qu’il s’agissait bien là de fictions et non de simples documentaires. Une projection que je ne souhaitais manquer sous aucun prétexte, et à laquelle je suis arrivée in extremis, montant les marches la dernière, après des péripéties dignes du plus burlesque des films Lumière mais c’est là une autre histoire…en tout cas, je ne le regrette pas car ce fut un moment de rare exultation cinéphilique, le tout en présence de nombreux « frères du cinéma » comme l’a souligné Thierry Frémaux : Taviani, Coen, Dardenne mais aussi en présence de Claude Lanzmann et Claude Lelouch parmi un prestigieux parterre d’invités.

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- Une relative déception en découvrant le film ( et surtout son dénouement) qui a obtenu la palme d’or, « Dheepan » de Jacques Audiard «l’histoire de trois étrangers qui, dans des circonstances difficiles, vont tenter de former une famille» comme l’a résumé Guillermo del Toro lors de la conférence de presse du jury, pour justifier ce choix d’un jury qui s’est dit « unanimement enthousiaste », mais qui est aussi ce qu’est finalement toute palme d’or telle que l’a définie Cécile de France (qui en était la remettante) lors de la clôture : « Un reflet du monde, le cœur du cinéma qui bat, intense et régulier », néanmoins de cette histoire de trois Sri-Lankais qui fuient leur pays, la guerre civile, et qui se retrouvent confrontés à une autre forme de guerre dans la banlieue française où ils échouent, douloureuse réminiscence pour « le père de famille », Dheepan, Audiard, plus qu’un film politique a voulu avant tout faire une histoire d’amour. Dans ce nouveau long-métrage qui flirte avec le film de genre, Audiard explore un nouveau territoire mais toujours porte un regard bienveillant, et plein d’espoir sur ses personnages interprétés par trois inconnus qui apportent toute la force à ce film inattendu (dans son traitement et au palmarès). « Je remercie Michael Haneke de ne pas avoir tourné cette année » a ainsi déclaré Jacques Audiard en recevant son prix. Michael Haneke avait en effet reçu la palme d’or en 2009 pour « Le ruban blanc », alors que Jacques Audiard avait obtenu le grand prix pour l’inoubliable « Un Prophète ».

-l’émotion procurée par des musiques qui me trottent encore dans la tête : « Famous Blue Raincoat » de Leonard Cohen dans « Mia madre », « Encore un matin » de Jean-Jacques Goldman dans « La loi du marché », « Go West » des Pet Shop Boys  dans «  Mountains May depart » de Jia Zhang-ke qui revient à plusieurs reprises dans le film mais aussi les voix envoûtantes de Benjamin Clementine et John C.Reilly lors de la clôture.

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 -la déception de voir justement oublié du palmarès le mélancolique, lyrique, terriblement visionnaire « Mountains may depart » de Jia Zhang Ke, qui raconte, sur un quart de siècle et en trois périodes distinctes, entre une Chine en profonde mutation et l’Australie, les espoirs, amours, désillusions de personnages face à leurs destins. A nouveau, Jia Zhang Ke met en scène les mutations de la Chine (revoyez le splendide « Still life »). Une vision sans concessions qui métaphorise une Chine qui se laisse éblouir par les sirènes du capitalisme et de l’individualisme (le fils d’un des personnages sera ainsi baptisé… Dollar). Peut-être finalement le film le plus moderne de cette sélection, terriblement clairvoyant et poignant avec une utilisation du cadre et du son remarquables. Même déception pour « Notre petite sœur » de Kore-Eda, mon premier coup de cœur du festival qui raconte l’histoire de trois sœurs qui se rendent à l’enterrement de leur père qui les avait abandonnées une quinzaine d’années auparavant et qui à cette occasion font la connaissance de leur demi-sœur qu’elles décident d’accueillir dans leur grande maison familiale, un film lumineux qui évoque avec beaucoup de délicatesse, l’indicible douleur de l’absence et des douleurs enfouies. Cette adaptation d’un roman graphique aurait mérité une plus longue ovation que celle, fugace, reçue lors de sa projection officielle.

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-la fascination devant la photographie de « Carol », le mélo mélancolique de Todd Haynes (l’histoire d’amour, inspirée d’un roman de Patricia Highsmith, dans le New York des années 50 entre l’employée d’un grand magasin de Manhattan et une cliente distinguée et séduisante, prisonnière d’un mariage malheureux) même si sa beauté, indéniable, trop glaciale, ne m’a pas emportée. Je n’ai ressenti ni la passion, même contenue, ni l’impossibilité de cet amour. Le regard de Cate Blanchett dans le dernier long plan du film, celui d’une femme qui réalise qu’elle va finalement avoir droit au bonheur et à l’amour auxquels elle avait cru devoir renoncer, est néanmoins d’une intensité, d’une beauté, bouleversantes. Un film porté par deux immenses comédiennes, Cate Blanchett et Rooney Mara, et sur lequel planent les ombres de Douglas Sirk et David Lean.

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 -Puisque d’actrices il est question, restera sans aucun doute aussi, le souvenir de la prestation de Marion Cotillard, impériale, et d’une justesse sidérante dans le sombre, hypnotique et spectaculaire « Macbeth » de Justin Kurzel.

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 -le mélange d’ensorcellement et d’agacement suscité par « Mon roi » de Maïwenn à l’image de son personnage principal incarné par Vincent Cassel, dans son meilleur rôle, celui de Georgio qui suscite chez Tony (Emmanuelle Bercot), une passion étouffante et destructrice qu’elle se remémore alors qu’elle est dans un centre de rééducation après une chute de ski. Finalement cette relation amoureuse tumultueuse aurait peut-être plu davantage à Truffaut (celui de « La Femme d’à côté ») que le présomptueux « Marguerite et Julien » de Valérie Donzelli qui pourtant s’y réfère sciemment tant il illustre ce mélange de « joie et de souffrance » cher au cinéaste. Finalement ces sentiments mêlés suscités par ce film sont plutôt une preuve de sa réussite, le film exerçant sur nous le même charme, doux et âpre, la même fascination troublante que le personnage principal. Le spectateur est lui aussi sous emprise. Vincent Cassel est un Georgio diaboliquement séduisant, envoûtant, un roi autoritaire, inique, détestable et malgré tout charmant, qu’il imite un serveur dans un célèbre palace deauvillais ou qu’il jette son portable (pour « donner son portable » suite à sa rencontre avec Tony) comme un roi fier, désinvolte, lunatique, arrogant, ensorcelant comme il l’est avec le sujet de son désir. Plutôt que d’en faire un pervers narcissique caricatural, Maïwenn lui dessine des failles (une relation au père puis à sa disparition moins indifférente qu’il voudrait le laisser paraître). Face à Vincent Cassel, Emmanuelle Bercot incarne corps et âme cette femme aveuglée par l’amour qui aime follement dont, justement, le corps et l’âme souffrent et vibrent pour et par cet homme. Maïwenn n’a peur de rien, ni d’appeler son personnage féminin « Marie-Antoinette » (d’où Tony), ni du mal au genou parce que mal au « je nous », c’est ce qui agacera ou charmera mais cette audace fougueuse est plutôt salutaire dans un cinéma français parfois trop aseptisé. Un film qui dès les premières minutes, où Tony se jette à corps perdu dans le vide, nous happe pour ne plus nous lâcher jusqu’à la dernière seconde et jusqu’à la très belle scène finale. A signaler : un Louis Garrel sous un nouveau jour, irrésistiblement drôle, qui apporte une respiration dans cet amour étouffant. Après le prix du jury en 2011 pour « Polisse », avec son quatrième film seulement, Maïwenn confirme être une cinéaste de talent avec laquelle il va falloir compter. Parmi les grands moments de ce festival, l’incrédulité d’Emmanuelle Bercot (aussi réalisatrice incroyablement talentueuse, retrouvez ici ma critique du film d’ouverture « La tête haute » et, là, ma critique de « Elle s’en va », LE film de l’année 2013), lorsqu’elle a reçu son prix d’interprétation : -« Mon bonheur de devoir partager ce bonheur avec une actrice car un peu trop grand pour moi toute seule car ce prix récompense son audace, son sens aigu de la liberté, son anticonformisme. », « C’est difficile pour moi d’être ici sur cette scène sans Vincent Cassel. Vincent Cassel, mon roi c’est toi et moi, je sais ce que je te dois. » , « Merci à ce jury qui visiblement a la même dinguerie que Maïwenn, le même sens de la liberté, de la non convention. Je réalise juste que parfois la vie peut aller au-delà des rêves, ce soir, la vie va au-delà de tous mes rêves. »

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-le souhait que ne s’achève jamais le réjouissant « Irrational man» de Woody Allen, la nouvelle comédie d’une gravité légère (qui culmine dans une scène de meurtre sur une musique joyeuse, un petit bijou d’ironie) de Woody Allen pour le cinéma duquel le terme « jubilatoire » semble avoir été inventé.   Comme dans « Match point », mensonge, hasard, Dostoïevski (forte influence à nouveau de « Crime et châtiment ») se mêlent, bien qu’il soit plus léger que son chef d’œuvre précité avec quelques scènes brillantes (toujours cette faculté incroyable à exposer une scène et écrire des dialogues caustiques) et toujours ce regard mordant, incisif sur les êtres, la vie, l’amour, la mort et une fin comme un écho en négatif à celle de « Match point ». Savoureux ! Et un Joaquin Phoenix parfait dans ce rôle de professeur de philo qui trouve une bien curieuse raison de vivre que je vous laisse découvrir (en salles, le 14 octobre).

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-l’incapacité à parler après « Le fils de Saul » de László Nemes (et aujourd’hui encore, d’ailleurs, mais ce film DOIT être vu, montré, dans les écoles et ailleurs, parce que c’est plus que jamais nécessaire de ne pas oublier jusqu’à quelle inimaginable ignominie la haine de l’autre a pu mener), le sentiment d’avoir vu un grand film, ce film dont Thierry Frémaux en conférence de presse avait parlé comme d’un « film qui fera beaucoup parler », le premier premier film à figurer en compétition depuis 4 ans. L’action se déroule en Octobre 1944, à Auschwitz-Birkenau. Saul Ausländer est membre du Sonderkommando, ce groupe de prisonniers juifs isolé du reste du camp et forcé d’assister les nazis dans leur plan d’extermination. Il travaille dans l’un des crématoriums où il est chargé de « rassurer » les Juifs qui seront exterminés et qui ignorent ce qui les attend, puis de nettoyer… quand il découvre le cadavre d’un garçon en lequel il croit ou veut croire reconnaître son fils. Tandis que le Sonderkommando prépare une révolte (la seule qu’ait connue Auschwitz), il décide de tenter l’impossible : offrir une véritable sépulture à l’enfant afin qu’on ne lui vole pas sa mort comme on lui a volé sa vie, dernier rempart contre la barbarie. La profondeur de champ, infime, renforce cette impression d’absence de lumière, d’espoir, d’horizon, nous enferme dans le cadre avec Saul, prisonnier de l’horreur absolue dont on a voulu annihiler l’humanité mais qui en retrouve la lueur par cet acte de bravoure à la fois vain et nécessaire, son seul moyen de résister. Que d’intelligence dans cette utilisation du son, de la mise en scène étouffante, du hors champ, du flou pour suggérer l’horreur ineffable, ce qui nous la fait d’ailleurs appréhender avec plus de force encore que si elle était montrée. László Nemes s’est beaucoup inspiré de « Voix sous la cendre », un livre de témoignages écrit par les Sonderkommandos eux-mêmes. Ce film a été développé à la résidence de la Cinéfondation du Festival de Cannes 2011. Aussi tétanisant et nécessaire que Shoah de Claude Lanzmann. C’est dire… Ma palme d’or.

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-L’étonnement admiratif devant la beauté et la richesse remarquables de chaque plan de « The Assassin » de Hou Hsia Hsien : un prix de la mise en scène incontestable.

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-Les larmes irrépressibles à cause de « La loi du marché » de Stéphane Brizé et de l’émotion communicative de son acteur principal, dans le film, lors de son magnifique discours lors de la clôture, lors de la conférence de presse du film et lors de la conférence de presse des lauréats (oui, Vincent Lindon a beaucoup fait pleurer et ému les festivaliers). Un immense acteur qui voit enfin son talent couronné par un prix (et quel prix !) et aussi incroyable que cela puisse paraître, comme il l’a lui-même précisé, pour la première fois. « La Loi du marché » de Stéphane Brizé nous fait suivre Thierry incarné (ce mot n’a jamais trouvé aussi bien sa justification) par Vincent Lindon, un homme de 51 ans qui, après 20 mois de chômage commence un nouveau travail qui le met bientôt face à un dilemme moral. C’était un des films que j’attendais le plus et mes attentes n’ont pas été déçues. Je suis ce cinéaste, Stéphane Brizé, depuis la découverte de son film « Le bleu des villes » (qui avait obtenu le prix Michel d’Ornano au Festival du Cinéma Américain de Deauville), il m’avait ensuite bouleversée avec « Je ne suis pas là pour être aimé » et « Mademoiselle Chambon » . Une nouvelle fois et comme dans ce film précité, le mélange de force et de fragilité incarné par Lindon, de certitudes et de doutes, sa façon maladroite et presque animale de marcher, la manière dont son dos même se courbe et s’impose, dont son regard évite ou affronte : tout en lui nous fait oublier l’acteur pour nous mettre face à l’évidence de ce personnage, un homme bien (aucun racolage dans le fait que son fils soit handicapé, mais une manière simple de nous montrer de quel homme il s’agit), un homme qui incarne l’humanité face à la loi du marché qui infantilise, aliène, broie. Criant de vérité. Dès cette première scène dans laquelle le film nous fait entrer d’emblée, sans générique, face à un conseiller de pôle emploi, il nous fait oublier l’acteur pour devenir cet homme à qui son interprétation donne toute la noblesse, la fragilité, la dignité. Comme point commun à tous les films de Stéphane Brizé, on retrouve cette tendre cruauté et cette description de la province, glaciale et intemporelle. Ces douloureux silences. Cette révolte contre la lancinance de l’existence. Et ce choix face au destin. Brizé filme Lindon souvent de dos, rarement de face, et le spectateur peut d’autant mieux projeter ses émotions sur cette révolte silencieuse. Et puis, parce que ça se passe de commentaires, quelques extraits du beau discours de clôture de l’acteur dont voici quelques, un discours dont la dernière phrase m’a ravagée autant que la fin de « Mia madre », il y avait comme un écho d’ailleurs… : «  Je vous remercie d’avoir posé un regard aussi bienveillant et avec autant d’émotion sur le travail que Stéphane Brizé a fait avec moi et a fait tout court. » , «  Ils ont contribué à un des trois plus jours de ma vie. C’est un acte politique de choisir un film comme celui-là. Je dédie ce prix à ces gens qui ne sont pas toujours considérés à la hauteur de ce qu’ils méritent et aux acteurs qui ont joué avec moi sans qui je ne serais pas là, j’ai l’impression que ce n’est pas moi qui suis là. », « Une pensée pour ma maman qui n’est plus là et mon père qui n’est plus là, quand je pense que j’ai fait tout cela pour qu’ils me voient et ils ne sont plus là. »

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 -le plaisir, pour l’inconditionnelle du cinéma de Claude Sautet que je suis, d’entendre Xavier Dolan lors de sa conférence de presse sur la plage Magnum, dire ceci : « J’ai un rapport plutôt incomplet avec le cinéma français tant il y a de films à voir. J’aime beaucoup, par exemple, Claude Sautet. »

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 -vaguement incrédule, vaguement charmée, et surtout pleine de regrets devant « Valley of love » de Guillaume Nicloux auquel il ne manquait pas grand-chose pour être un vrai beau film. Isabelle et Gérard (interprétés aussi par Isabelle –Huppert- et Gérard –Depardieu-) se rendent à un étrange rendez-vous dans la Vallée de la mort, en Californie. Ils ne se sont pas revus depuis des années et répondent à une invitation de leur fils, Michael, photographe, qu’ils ont reçue après son suicide, six mois auparavant. Malgré l’absurdité de la situation, ils décident de suivre le programme initiatique imaginé par Michael. Quel pitch prometteur et original ! Ce film qui ne ressemble d’ailleurs à aucun autre aborde une réflexion sur le deuil et ce lien distordu avec le réel qu’il provoque, tellement absurde et fou, qu’il porte à croire à tout, même aux miracles. Aux frontières du fantastique qu’il franchit parfois, avec sa musique hypnotique, ses comédiens qui crèvent l’écran et un Depardieu à la présence plus forte que jamais (et il n’est pas question ici seulement de corpulence mais de sa capacité inouïe à magnétiser et occuper l’écran), le duo de Loulou reformé 35 ans plus tard, un décor qui pourrait être difficilement plus cinégénique, intrigant, fascinant, inquiétant, troisième personnage, de ce « Valley of love », de ce film se dégage un charme étrange   et envoûtant, et résulte une réflexion intéressante sur le deuil qui abolit ou suscite de nouvelles croyances (finalement l’homme ou la femme endeuillée devient peut-être cet homme irrationnel du film de Woody Allen) , finalement comme le cinéma… Lambert Wilson, maître de cérémonie de ce 68ème Festival de Cannes, lors de l’ouverture, n’a-t-il pas dit lui-même « Le cinéma, c’est le rêve, le secret, le miracle, le mystère ». Quelques moments de comédie (et un jeu avec les prénoms et les véritables identités de Gérard et Isabelle, Depardieu dans le film étant aussi un acteur), comme dans le film de Moretti qui aborde finalement le même sujet, permettent de respirer dans ce décor à perte de vue et étouffant, à l’image du deuil qui étouffe et donne cette impression d’infini et d’inconnu oppressants. Dommage qu’on ressorte avec ce sentiment d’inachevé pour ce film loin d’être inintéressant.

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-l’amusement devant l’inexprimable stoïcisme d’Isabelle Huppert face aux truculentes déclarations de Depardieu à la conférence de « Valley of love », sans aucun doute l’intervenant le plus charismatique des 10 conférences auxquelles j’ai eu le plaisir d’assister.

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 – le souvenir de plans qui nous cueillent quand on s’y attend le moins dans « La tête haute » d’Emmanuelle Bercot : une main tendue, un « je t’aime» furtif et poignant, une fenêtre qui soudain s’est ouverte sur « Le Monde » (littéralement, si vous regardez bien…) comme ce film s’ouvre sur un espoir…Un film qui « ouvre » sur un nouveau monde, un nouveau départ et une bouffée d’optimisme. Et ça fait du bien. Une très belle idée que d’avoir placé ce film à cette place de choix (l’ouverture du festival, habituellement réservée à de plus grosses productions) et de lui donner cette visibilité. Et le souvenir d’un jeune comédien qui ne restera pas inconnu très longtemps à voir sa maturité dans le film et en conférence de presse, Rod Paradot, un nom qu’on a certainement pas fini d’entendre.

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 -L’admiration devant les images pourtant si souvent regardées de « Cléo de 5 à 7 » d’Agnès Varda lors de la clôture à l’occasion de laquelle elle a reçu une palme d’honneur, et son discours mordant, vibrant, humble, qui lui a succédé, « Un soldat, une combattante, seule femme parmi les garçons de la nouvelle vague » comme elle s’est elle-même définie, « Cette palme d’or est un plaisir surprenant » a-t-elle ajouté rappelant que, avant elle, seuls Clint Eastwood, Woody Allen, Manuel de Oliveira, Bernardo Bertolucci avaient eu cet honneur. « Je suis française , je suis femme et mes films n’ont ni gagné ni fait gagner de l’argent», « Cette palme je la reçois comme une palme de résistance et d’endurance, je la dédie à tous les cinéastes inventifs, courageux qui ne sont pas en lumière et qui continuent », « Quand je visualise une peinture de Picasso je suis de bonne humeur », « Deux palmes qui ondulent doucement dans la brise de la Croisette »a-t-elle conclu en évoquant des sanglots dans la voix celle reçue par Jacques Demy. Et le plaisir de revoir la trop rare Jane Birkin lui remettre son prix.

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 -le message du film de Luc Jacquet sur Claude Lorius, l’homme qui a scientifiquement prouvé l’inexorable réchauffement climatique dans « La glace et le ciel » (film de clôture) qui capte la beauté fragile et éblouissante d’une nature en péril. Et cette phrase finale extraite du film, comme un appel à l’action et la résistance : «  Mon histoire s’achève, et maintenant que, comme moi, vous savez, qu’allez-vous faire ? ».

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-les images si felliniennes (mais moins que celles, réelles celles-là, vues lors de déambulations nocturnes sur la Croisette, spectacle quotidien et surréaliste) de « Youth » de Paolo Sorrentino, symphonie visuelle éblouissante qui fait valser jeunesse, vieillesse et désirs, hymne au pouvoir émotionnel de l’art, un film qui a séduit certains festivaliers autant qu’il en a agacé d’autres (le film a été applaudi et hué lors de sa projection presse) et je fais partie de la première catégorie. Tout comme « La grande Bellezza » nous parlait de laideur et non de beauté, « Youth », logiquement ne nous parle pas de jeunesse mais de vieillesse, de ce qui reste quand le temps saccage tout ou l’histoire de deux amis, l’un chef d’orchestre (formidable Michael Caine) et l’autre réalisateur (Harvey Keitel) qui profitent de leurs vacances dans un hôtel au pied des Alpes. Quand l’un a abandonné sa carrière depuis longtemps, l’autre travaille sur son dernier film… A voir aussi pour l’apparition remarquée et remarquable de Jane Fonda. Nostalgique et caustique, élégant et parfois à la limite du vulgaire, jouant de saisissants contrastes entre les corps marqués par le temps et ceux d’une jeunesse presque irréelle, entre l’apparence de sagesse et de calme (du paysage et des personnages) et ce qu’ils dissimulent, entre le souvenir du passé et sa réalité, « Youth », à l’image de son titre aime à se jouer des paradoxes, des contrastes, des trompes-l’ œil au cœur de ce paysage trompeusement serein.

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 – l’étreinte finale dans « Béliers » de Grímur Hákonarson qui a reçu le prix (amplement mérité, j’y reviendrai) Un Certain Regard ou le plan le plus poignant et inattendu du festival

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 -le délicieux vertige suggéré par la scène d’amour de « Vertigo » d’Hitchcock sublimement chorégraphiée par Benjamin Millepied qui nous a emportés dans sa danse agréablement étourdissante, le ballet se confondant avec les images du film, de James Stewart et Kim Novak, à l’image de ce festival qui enlace et entrelace réalité et cinéma au point qu’ils se confondent, comme dans une danse enivrante, et qui célèbre aussi bien le cinéma contemporain que ses classiques.

-L’émotion lors de la clôture (grâce à Vincent Lindon et Agnès Varda) et au palmarès qui confirmait la richesse, l’inventivité, la qualité du cinéma français, cruelle leçon pour ceux qui, à tort, les mettent constamment en doute.

Et puis, pour finir, le souvenir d’une phrase, une seule, avec laquelle je quitte ce festival, m’y accrochant férocement, une phrase de Faulkner citée par Vincent Lindon lorsqu’il a reçu son prix «faire des rêves immenses pour ne pas les perdre de vue en les poursuivant » comme un écho à la phrase d’Emmanuelle Bercot lors de la clôture « Je réalise juste que parfois la vie peut aller au-delà des rêves, ce soir, la vie va au-delà de tous mes rêves» parce que le cinéma, même social ou politique peut être porteur d’espoirs (les films de la compétition s’achevaient d’ailleurs souvent sur une note d’espoir) et de rêves et ce Festival de Cannes, même s’il a débuté une nouvelle ère (un nouveau président, un film plus fragile mais non moins sublime en ouverture) n’en a pas non plus été avare.

Conférences de presse

Ci-dessous, quelques phrases extraites des conférences de presse des films en compétition (ainsi que des lauréats et du jury) auxquelles j’ai eu le plaisir d’assister. Retrouvez également sur mon site Inthemoodforhotelsdeluxe.com :

- le récit de mon déjeuner à la Cucina S.Pellegrino orchestré par Cyril Lignac

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- et le récit de mon dîner Nespresso (dont j’ai été « l’ambassadrice d’un jour », cliquez ici pour lire mon interview sur le site de Nespresso) autour du film « Les 400 coups », orchestré par le chef Florent Ladeyn.

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Conférences de presse des lauréats après l’annonce du palmarès

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-Son of Saul

« On ne voulait pas faire un drame historique mais immerger le spectateur dans une expérience, que ce soit au niveau d’un être humain » LNemes

« J’étais surpris d’être en compétition. Ce prix est énorme. » Laszlo Nemes

-La loi du marché

« Je suis arrivé à une petite maturité où on espère tout et n’attend rien. Je suis prêt à recevoir. J’en suis ému, fou de joie, bouleversé. » Lindon

« Tous les films sont grands quand il y a une grande Histoire et une petite histoire. » Lindon

« Je suis fier de faire un rôle où les gens puissent dire, ce rôle c’est moi. » Lindon

Quand j’ai vu le film, j’ai vu des choses de moi que je ne connaissais pas: montrer de la dignité en souffrant silencieusement etc. »Lindon

« Être regardé par des gens qui font un cinéma sublime comme les Coen, c’est très gratifiant.  » V.Lindon

« Ce qui me touche, c’est d’avoir interprété ce rôle, c’est comme si tous mes rôles avaient convergé pour qu’un jour je fasse ce rôle. »Lindon

-Mon roi

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« J’espère un jour avoir un rôle aussi beau que celui-là. Je ne serais pas là si je n’avais pas eu Vincent Cassel face à moi, acteur de génie. » Emmanuelle Bercot

« Je n’ai pas encore pas très bien réalisé et ça me plaît d’avoir un prix ex-æquo. C’est mon 3ème prix ex-æquo à Cannes. » E.Bercot

-The Lobster

« Je n’essaie jamais de faire des films pour prouver des choses qui me dépassent.  » Y.Lanthimos

« On essaie toujours de faire des choses différentes et il n’y a pas d’avis unanime. C’est normal. » Y. Lanthimos

-Carol

« En tant que réalisateur on est un peu dans une bulle.Les 2 actrices sont extraordinaires.Le film tient grâce au personnage de Rooney. » Todd Haynes

Conférence de presse du jury après le palmarès

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Joël Coen : « Cela a été une expérience très intense. Cela a changé le spectateur qui est en nous de manière très positive. « 

« Dans 24h je commence le tournage d’un film. Je n’ai jamais discuté de films avec autant de profondeur, d’émotions. » Dolan

« On a beaucoup admiré la façon dont le script est conté. Personnellement cela m’a beaucoup plu. » Dolan à propos de « Chronic ».

« J’ai réagi de façon profondément émotionnelle au « Fils de Saul ». C’est un film remarquable, époustouflant. » Sienna Miller

« Nous avons débattu de tous les films. Nous reconnaissons par ces prix l’intention et la réussite d’un réalisateur » Guillermo de Toro

« Je le savais déjà mais je me rends compte à quel point c’est difficile de faire un bon film.  » Rossy de Palma

Rossy de Palma : « Pour moi l’immigration est un sujet très important, on est très concernés. »

R.Traoré : « nous n’avons pas pris en considération que tel film vienne de tel pays. La question de l’immigration n’a pas été en question ».

« Moi je suis habituée aux seconds rôles et dommage qu’il n’y ait pas de prix pour les seconds rôles. » Roissy de Palma

« Nous avons essayé de rendre hommage au plus grand nombre possible de très grands films. » Joel Coen

« Lorsque nous sommes sortis du « Fils de Saul » nous sommes restés longtemps silencieux. C’est un film qui peu à peu se développe en nous. » Dolan

« Nous avons tous notre film de prédilection dans la sélection. Nous sommes tous contents du résultat.  » S.Marceau

« La décision a été rapide pour la palme d’or. Nous étions tous très enthousiastes » Ethan et Joel Coen qui ont par ailleurs précisé avoir voté séparément

 

 Conférences de presse des films en sélection officielle

-« La glace et le ciel »

« Je ne suis pas défaitiste car dans le public l’état d’esprit a changé et le film va aussi y contribuer. » Claude Lorius.

« J’étais pessimiste mais je crois que maintenant les gens changent de point de vue. On parle désormais du réchauffement tous les jours. »CLorius

« J’ai foi dans l’humanité. C’est souvent juste après le pire qu’elle est la meilleure. » Luc Jacquet

« Ce qui est nouveau, c’est l’urgence. J’ai confiance. Je pense que le film touchera le citoyen. » Claude Lorius

« Ce qui m’importe c’est de passer l’émotion et c’est de passer les sensations. » Luc Jacquet

« La vie aventurière et exemplaire de Claude Lorius est digne d’inspirer les gens ». Luc Jacquet

-Valley of love

« J’étais émerveillée par le scénario. » Sylvie Pialat

« Je ne me servirai pas du deuil de Guillaume pour le rôle car c’est 1deuil à part mais je peux imaginer le poids de ces lettres. » Depardieu

« Je n’ai pas de vision de l’Ukraine. Je suis comme tout le monde choqué. J’adore peuple ukrainien. Ces conflits ne sont pas de mon ressort. » Depardieu

« Monsieur Poutine, je le connais bien, je l’aime beaucoup et « l’URSS » j’y vais beaucoup ». Depardieu

« Je connais très mal les cinéastes de maintenant. J’aime beaucoup des gens comme Audiard dont le physique me fait penser à son père. » Depardieu

« J’adore les séries et des acteurs comme B. Willis. Je ne rechigne pas devant un bon Rossellini ou un très bon Pialat. » Depardieu

« Je me suis rendu compte que je faisais ce métier par plaisir et parce que ça facilitait la vie. » Depardieu

« J’ai décidé de faire ce métier car je ne voulais pas travailler. Je me suis rendu compte que je voulais vivre. » Depardieu

« Ce film, c’est comme une lecture sur des questions essentielles dont nous avons oublié de nous souvenir. » Gérard Depardieu

« En lisant script sur ces actes manqués de l’oubli, ces interrogations qui nous retombent dessus, je l’ai rarement lu. » Depardieu

« J’avais vu « La Religieuse », un film qui m’avait particulièrement interpellé.  » G.Depardieu

« L’idée de départ, qu’on s’appelle Gérard et Isabelle a créé d’emblée un aspect documentaire, un rapport particulier aux rôles. » Huppert

« On se croit sur une autre planète dans la Vallée de la mort. On ne peut se raccrocher à rien. » Isabelle Huppert

« Le lieu a été l’élément déclencheur de l’histoire. » Guillaume Nicloux

-Dheepan

« Le film s’est terminé samedi dernier. Le projet est né il y a 3/4 ans. La sélection à Cannes nous a obligés à aller très très vite. » Audiard

« Mon film est un ou des regard(s) sur la France.  » Audiard

« A partir de la trame initiale, c’est un scénario qui a beaucoup bougé au tournage avec les comédiens, avec l’incarnation. » Audiard

A propos de violence « je prends au pied de la lettre notion de conflit dramatique et j’ai besoin de ça pour exacerber les sentiments ». Audiard

« L’idée initiale était de faire un remake des « Chiens de paille » mais c’était surtout le désir d’une histoire d’amour. » Audiard

-La loi du marché

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« Si le personnage de Vincent Lindon avait explosé, cela aurait été un cliché et la vie est plus complexe qu’un cliché. » Stéphane Brizé

« Ce qui fait frémir dans le film: ce ne sont que des gens qui font des choses qu’ils n’ont pas envie de faire: un combat de précarités. »Lindon

« J’ai passé beaucoup de temps dans un supermarché. J’ai même fait un stage d’agent de sécurité. » Stéphane Brizé pour « La loi du marché ».

« Ce que j’aime dans le cinéma de Brizé: il met le spectateur en état de questionnements qui nous fait nous politiser tout doucement. »Lindon

« Je pense que c’est une bonne chose que de nombreux films à Cannes soient des films sociaux, ce sont ces films-là qui restent. » Lindon

« C’est quelqu’un par lequel on a envie d’être protégé et qu’on a envie de protéger. » Stéphane Brizé à propos du choix de Vincent Lindon.

« Le dispositif dans La Loi du Marché » est une façon de faire du cinéma que je n’avais jamais appréhendée auparavant. » Vincent Lindon

« Ma quête constante est de filmer du réel, que face à la caméra il y ait le plus de réel possible et de vérité possible. » S.Brizé

« C’est Vincent (Lindon), le boxeur dans les cordes que je voulais avant tout filmer ». Stéphane Brizé

« Commencer d’emblée par la première scène sans générique était une volonté dès l’écriture du scénario », explique Stéphane Brizé.

-Mon roi

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 » Je me suis retrouvé sur un terrain que je ne connaissais pas. Une liberté apparente totale. » #Monroi Vincent Cassel

« C’est un film que je ne fais que réécrire depuis 10 ans. » Maïwenn #monroi

« J’avais fait 1 trilogie narcissique, j’avais envie de dépenser mon énergie pour les acteurs. » Maïwenn expliquant ainsi pourquoi elle ne joue pas dans « Mon roi » .

-Xavier Dolan (conférence sur la plage Magnum)

« Je lis absolument toutes les critiques et j’en apprends beaucoup de ces critiques. Mon conseil: il faut être ouvert à la critique. » X.Dolan

« J’ai un rapport plutôt incomplet avec le cinéma français tant il y a de films à voir. J’aime beaucoup par exemple Claude Sautet. »X.Dolan

« Je ne crois pas qu’écrire un court soit plus facile. C’est très difficile à structurer.  » Xavier Dolan

« C’est intimidant pour moi de coacher des gens mais j’adore toutes les étapes de la production ». Xavier Dolan

-Mia madre

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« Je pense que le scénario était pertinent. C’était un défi passionnant. Moretti est très précis. Cela a été une excellente expérience ».Torturro

« La manière de regarder mes films du public international: sans les interférences qu’il y a en Italie liées à mes opinions politiques. » Moretti

« Pendant l’écriture nous avons mêlé plusieurs degrés de narration : rêves, fantasmes, film, réalité, souvenirs… ». Moretti

« J’ai été très touché par le scénario. J’ai beaucoup aimé travailler sur ce film ». John Torturro

« C’est un film sur ce qu’il reste des personnes qui meurent: les souvenirs, les livres… ». Moretti -

« N’importe quel sujet peut produire un bon film ou un mauvais film. » Moretti

« Le rôle du cinéma est de faire des bons films, si possible novateurs et qui ne donnent pas l’impression qu’on les a déjà vus. » Moretti

-La tête haute

« Pour être star, il faut du glamour et du secret, ne pas tout montrer de sa vie privée. » Catherine Deneuve

 « Moi c’est le scénario qui m’a beaucoup plu et tous les personnages. C’est un scénario qui m’a plu tout de suite. » Catherine Deneuve

« En France, les femmes cinéastes ont largement la place de s’exprimer et énormément de femmes émergent. » E.Bercot

« Ouvrir le festival avec ce film est aussi une réponse à ce début d’année difficile qu’a connu la France. » Catherine Deneuve

« Il y a une matière documentaire très forte dans l’écriture, en revanche je ne voulais pas un style documentaire dans l’image. » Bercot

Sara Forestier : « A la lecture du scénario, j’ai pleuré. Le film m’a piqué le cœur. »

« C’est totalement inespéré que ce film soit à une telle place, c’est un grand honneur. » Emmanuelle Bercot

« Je tenais à ce que tout soit absolument juste » -Emmanuelle Bercot (à propos de tout ce qui se passe dans le cadre judiciaire où elle a fait plusieurs stages avec ce souci de vraisemblance et même de véracité). « Les personnages existaient avant les stages puis ont été nourris par la part documentaire ».« La justice des mineurs est un honneur de la France » – Emmanuelle Bercot

« Si c’est méchant, j’espère que c’est drôle ». – Catherine Deneuve à propos d’une question d’une journaliste au sujet de la caricature de Charloe Hebdo (très cruelle) à son sujet et qu’elle n’avait pas encore vue.

« C’était très important pour moi que ce film ait son socle dans le Nord. » Emmanuelle Bercot« Ouvrir le festival avec ce film est aussi une réponse à ce début d’année difficile qu’a connu la France. » Catherine Deneuve

« En France, les femmes cinéastes ont largement la place de s’exprimer et énormément de femmes émergent. » E.Bercot

« Moi c’est le scénario qui m’a beaucoup plu et tous les personnages. C’est un scénario qui m’a plu tout de suite. » Catherine Deneuve

« Pour être star, il faut du glamour et du secret, ne pas tout montrer de sa vie privée. » – Catherine Deneuve

« Il y a une matière documentaire très forte dans l’écriture, en revanche je ne voulais pas un style documentaire dans l’image. » Bercot

Sara Forestier : « A la lecture du scénario, j’ai pleuré. Le film m’a piqué le coeur. »

« C’est totalement inespéré que ce film soit à une telle place, c’est un grand honneur. » Emmanuelle Bercot

Voici le palmarès décerné par le jury présidé par Ethan et Joel Coen et composé de Rossy de Palma, Sophie Marceau, Sienna Miller, Rokia Traoré, Guillermo del Toro, Xavier Dolan, Jake Gyllenhaal .

La cinéaste et artiste française Agnès Varda a reçu une Palme d’or d’honneur pour l’ensemble de son oeuvre des mains de Jane Birkin.

COMPÉTITION DES LONGS MÉTRAGES

Palme d’or

DHEEPAN réalisé par Jacques AUDIARD

Grand Prix

SAUL FIA (Son of Saul / Le fils de Saul) réalisé par László NEMES

Prix de la mise en scène

HOU Hsiao-Hsien pour NIE YINNIANG (The Assassin)

Prix du Jury

THE LOBSTER réalisé par Yorgos LANTHIMOS

Prix d’interprétation féminine

Rooney MARA dans CAROL réalisé par Todd HAYNES

Emmanuelle BERCOT dans MON ROI réalisé par MAÏWENN

Prix d’interprétation masculine

Vincent LINDON dans LA LOI DU MARCHÉ (The Measure of a Man) réalisé par Stéphane BRIZÉ

Prix du scénario

Michel FRANCO pour CHRONIC

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COMPÉTITION DES COURTS MÉTRAGES

Palme d’or

WAVES ’98 réalisé par Ely DAGHER

UN CERTAIN REGARD

PRIX UN CERTAIN REGARD

HRÚTAR (Béliers / Rams) de Grímur Hákonarson

PRIX DU JURY

ZVIZDAN (Soleil de plomb / The High Sun) de Dalibor Matanić

PRIX DE LA MISE EN SCENE

Kiyoshi Kurosawa pour KISHIBE NO TABI (Vers l’autre rive / Journey to the Shore)

PRIX UN CERTAIN TALENT

COMOARA (Le Trésor / Treasure) de Corneliu Porumboiu

PRIX DE L’AVENIR Ex aequo

MASAAN de Neeraj Ghaywan

NAHID d’Ida Panahandeh

CAMÉRA D’OR

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LA TIERRA Y LA SOMBRA réalisé par César Augusto ACEVEDO présenté dans le cadre de la Semaine de la Critique

CINÉFONDATION

Premier Prix

SHARE réalisé par Pippa Bianco

AFI’s Directing Workshop for Women, États-Unis

Deuxième Prix

LOCAS PERDIDAS réalisé par Ignacio Juricic Merillán

Carrera de Cine y TV Universidad de Chile, Chili

Troisième Prix ex aequo

THE RETURN OF ERKIN réalisé par Maria Guskova

High Courses for Scriptwriters and Film Directors, Russie

Troisième Prix ex aequo

VICTOR XX réalisé par Ian Garrido López

ESCAC, Espagne

Le Jury de la CST a décerné le PRIX VULCAIN DE L’ARTISTE-TECHNICIEN à :

Tamas ZANYI, ingénieur du son, pour la contribution exceptionnelle du Son à la narration du film SAUL FIA (Son of Saul / Le fils de Saul) réalisé par László NEMES.

Prochain festival à suivre en ici, le Festival du Film de Cabourg, du 10 au 14 juin et, en attendant, je m’en vais dès cet après-midi rattraper « Trois souvenirs de ma jeunesse » de Desplechin. Quelques clichés supplémentaires de ce 68ème Festival de Cannes  des coulisses de la dernière du Grand Journal de Canal + à la soirée Swarovski et la soirée L’Oréal en passant par des clichés des marches et de la Croisette, l’article que le journal Ouest-France m’a consacré…

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"Le petit prince": du livre d'Antoine de Saint-Exupéry au film qui a enthousiasmé la Croisette ...à la pièce de théâtre

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Récemment un sondage plaçait le célèbre roman d'Antoine de Saint-Exupéry en tête des livres préférés des Français. Ce conte poétique et philosophique publié en 1943 figure parmi une multitude d'autres dans ma bibliothèque, aux premières loges, parmi ceux dont la relecture est un plaisir renouvelé et qui me rappelle que  « toutes les grandes personnes ont d'abord été des enfants" mais que peu d'entre elles s'en souviennent.

« On ne voit bien qu'avec le cœur. L'essentiel est invisible pour les yeux. » Qui ne connaît pas cette citation?

Le roman d'Antoine de Saint-Exupéry avait déjà donné lieu à des adaptations cinématographiques mais celle qui fut présentée en avant-première sur la Croisette pour le 68ème Festival de Cannes (hors compétition) et qui sortira en salles le 29 juillet 2015 devrait, sans aucun doute, encore accroître le nombre d'inconditionnels du roman. Tel est le pitch du film dont je vous invite à découvrir ici la bande annonce particulièrement enthousiasmante:

 C’est l’histoire d’une histoire.
C’est l’histoire d’une petite fille, intrépide et curieuse, qui vit dans un monde d’adultes.
C’est l’histoire d’un aviateur, excentrique et facétieux, qui n’a jamais vraiment grandi.
C’est l’histoire du Petit Prince qui va les réunir dans une aventure extraordinaire.

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Si, comme moi qui ai malheureusement manqué la projection à Cannes, vous ne pouvez attendre le 29 juillet pour découvrir le film en salles, vous pourrez vous réjouir et vous consoler avec la pièce de théâtre éponyme à la Comédie Saint-Michel, un spectacle de 50 minutes, un conte extraordinaire mis en scène par Adriane Ruelle,  qui " plonge les enfants dans l’univers imaginaire du Petit Prince, reprenant avec poésie et pédagogie son histoire et ses aventures" et pour lequel vous pourrez réserver vos places sur  le site Ticketac.

De quoi permettre aux adultes de se replonger dans un univers qui fait partie d'eux, de leur histoire mais aussi de permettre aux enfants de l'approcher pour la première fois avant de se plonger dans le roman ou d'en retrouver l'univers s'ils l'ont déjà lu.

Alors, prêts pour embarquer avec "Le petit prince" et entendre cette phrase célébrissime et d'être réveillé par une petite voix qui vous dit:

« S'il vous plaît… dessine-moi un mouton ! »?

 

11:06 Écrit par Sandra Mézière dans IN THE MOOD FOR NEWS | Lien permanent | Commentaires (0) | |  del.icio.us | | Digg! Digg |  Facebook | | |  Imprimer | | Pin it! |

16/05/2015

68ème Festival de Cannes: en attendant l'épisode 2 des mes pérégrinations

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Les journées s'écoulent, passionnantes, chargées, inattendues et je n'ai pas le temps de les relater ici comme il faudrait et comme je le voudrais tant j'ai pourtant à dire sur certains films. Plutôt que de bâcler un compte rendu entre deux séances (et, justement, pour ne pas manquer de séances), je vous raconterai donc ces journées a posteriori avec un long compte rendu.

Vous pouvez toujours retrouver mon compte rendu de l'ouverture, ici, avant que je trouve le temps de vous parler de mes coups de cœur cinématographiques, et ils sont déjà nombreux: "Mia madre" de Nanni Moretti, "Son of Saul" de Laszlo Nemes, "The Lobster" de Yorgos Lanthimos et "Notre petite sœur" de Kore-Eda mais aussi de nombreux moments incroyables entre une conférence de Xavier Dolan, des soirées dans des lieux magiques, des conférences de presse et des déjeuners inoubliables.

En attendant ce compte rendu digne de ce nom et, auparavant, dès que j'aurai un peu de temps et dans un premier temps, un bref avis sur chaque film, voici quelques clichés de ces derniers jours et vous pouvez toujours suivre mes avis sur les films et mes pérégrinations sur twitter: @moodforcinema, @moodforcannes.

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21:58 Écrit par Sandra Mézière dans IN THE MOOD FOR NEWS | Lien permanent | Commentaires (1) | |  del.icio.us | | Digg! Digg |  Facebook | | |  Imprimer | | Pin it! |

14/05/2015

Festival de Cannes 2015 - Episode 1 - Critique de LA TÊTE HAUTE d'Emmanuelle Bercot, conférence de presse et cérémonie d'ouverture

Cérémonie d’ouverture

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« Ce que nous demandons au cinéma, c’est ce que l’amour et la vie nous refusent : le mystère et le miracle. Place au miracle », avait ainsi proclamé Lambert Wilson lors de l’ouverture l’an passé, citant Desnos. « Le cinéma, c’est le rêve le secret le miracle le mystère », a-t-il dit cette année, et je l’écris sans virgules délibérément parce que le cinéma suspend notre souffle, nous embarque dans une autre dimension, oui : secrète, miraculeuse, mystérieuse.

 

Depuis 3 jours à Cannes, et comme chaque année emportée déjà par la frénésie festivalière (avec une première journée déjà bien remplie et joyeusement hétéroclite), grisée par cette atmosphère si particulière, qu’on ne retrouve qu’à Cannes et où le cœur d’une ville toute entière ne palpite et ne vibre qu’au rythme du festival qu’elle accueille et du 7ème art, ou en tout cas nous en donne la douce sensation, et bien que ce soit mon 15ème Festival de Cannes (et que je peine à la croire tant, chaque fois, j’éprouve la même irrépressible émotion en entendant la musique de Saint-Saëns qui précède les projections officielles ou en découvrant le Grand Théâtre Lumière, cette année ornée de la magnifique affiche avec Ingrid Bergman), j’ai toujours cette impression, que tout y est possible, y compris des miracles. Des miracles cinématographiques, sans aucun doute, le festival, cette année encore, nous en réserve de nombreux à voir défiler les extraits des films en sélection officielle, dont certains m’ont déjà fait frissonner d’impatience.

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Cette année encore, c’est l’élégant Lambert Wilson qui a eu la charge d’être le maître de cérémonie et qui a magnifiquement rempli son rôle avec un discours lyrique et engagé, empreint d’humour et de gravité. Il a ainsi évoqué « un nouveau festival, une révolution ». En tout cas, les innovations cette année sont nombreuses avec notamment, en ouverture, un film moins glamour, moins spectaculaire que les films qui ont ouvert le festival ces dernières années (« Gatsby le magnifique » et « Grace de Monaco » ces deux dernières années), plus « engagé », mais non moins intéressant, mais aussi deux présidents du jury au lieu d’un (les frères Coen), et un nouveau président du festival, Pierre Lescure qui remplace l’irremplaçable Gilles Jacob sans oublier une salle magnifiquement rénovée.

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Engagé le vibrant discours de Lambert Wilson l’était aussi qui, les yeux clos, nous a demandé de rêver de Cannes : « une femme, Sophia, Meryl, Julianne, Brigitte, Catherine… Lorsqu’on pense au cinéma, nos pupilles restent accrochées aux cils d’une actrice. La femme est le symbole de l’amour sur lequel repose le cinéma. A l’heure où certains voudraient la cacher, la bâillonner, la tenir dans l’ombre, la rendre captive, la violer, la mutiler, la vendre comme une marchandise, le cinéma la met en lumière, la révère, la révèle. Face à la monstrueuse barbarie de la réalité les actrices sont le contrepoids salutaire de la liberté et du désir», a-t-il ainsi déclaré. Finalement les deux visages de Cannes : le rêve et l’engagement, l’évasion du monde et le prisme grossissant de ses blessures et meurtrissures. « Il arrive que la réalité lui intime d’être autre chose », « de créer des héros et héroïnes susceptibles de guider les hommes, la tâche est rude, probablement autant que le monde l’est », « Si les films peuvent amener des hommes à devenir meilleurs, la vie prendrait tout son sens ».

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Puis Lambert Wilson a évoqué Truffaut , « Le cinéma, c’est faire faire de jolies choses à de jolies femmes », « Est-ce que ça fait mal l’amour ? », pour en venir à saluer la présence de celle qui lui a inspiré cette citation, Catherine Deneuve : « Celle qui a inspiré cela, nous avons l’honneur et le bonheur de l’avoir parmi nous ce soir, Melle Catherine Deneuve ».

Après ce flamboyant discours, ce sont les danseurs qui ont enflammé la scène du Grand Théâtre Lumière avec la scène d’amour de « Vertigo » d’Hitchcock sublimement chorégraphiée par Benjamin Millepied qui nous a emportés dans son vertige, délicieusement étourdissant, le ballet se confondant avec les images du film, de James Stewart et Kim Novak, à l’image de ce festival qui enlace et entrelace réalité et cinéma au point qu’ils se confondent, comme dans une danse enivrante, et qui célèbre aussi bien le cinéma contemporain que ses classiques.

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Après ce moment de grâce et d’émotion, après la projection des extraits des films en sélection officielle et des extraits inénarrables des films des frères Coen, après la montée sur scène du Jury des Longs métrages composé de Rossy de Palma, Sophie Marceau, Sienna Miller, Rokia Traoré, Guillermo del Toro, Xavier Dolan, Jake Gyllenhaal et de ses présidents, Joel et Ethan Coen, l’actrice Julianne Moore qui a reçu son prix d’interprétation pour le film de David Cronenberg « Maps to the stars »( qui lui a été décerné l’an passé mais qu’elle n’avait pu alors recevoir directement, étant absente de la cérémonie du palmarès), a déclaré ouverte cette 68ème édition.

Critique du film « La tête haute » d’Emmanuelle Bercot

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Le temps de débarrasser la scène du Grand Théâtre Lumière des apparats de l’ouverture, et nous voilà plongés dans un tout autre univers : le bureau d’une juge pour enfants (Catherine Deneuve), à Dunkerque. La tension est palpable. Le ton monte. Les éclats de voix fusent. Une femme hurle et pleure. Nous ne voyons pas les visages. Seulement celui d’un enfant, Malony, perdu au milieu de ce vacarme qui assiste, silencieux, à cette scène terrible et déroutante dont la caméra frénétique accompagne l’urgence, la violence, les heurts. Un bébé crie dans les bras de sa mère qui finalement conclut à propos de Malony qu’il est « un boulet pour tout le monde ». Et elle s’en va, laissant là : un sac avec les affaires de l’enfant, et l’enfant, toujours silencieux sur la joue duquel coule une larme, suscitant les nôtres déjà, par la force de la mise en scène et l’énergie de cette première scène, implacable. Dix ans plus tard, nous retrouvons les mêmes protagonistes dans le même bureau …

Ce film est réalisé par Emmanuelle Bercot dont j’avais découvert le cinéma et l’univers si fort et singulier avec « Clément », présenté à Cannes en 2001, dans le cadre de la Section Un Certain Regard, alors récompensé du Prix de la jeunesse dont je faisais justement partie cette année-là. Depuis, je suis ses films avec une grande attention jusqu’à « Elle s’en va », en 2013, un très grand film, un road movie centré sur Catherine Deneuve, « né du désir viscéral de la filmer ». Avant d’en revenir à « La tête haute », je ne peux pas ne pas vous parler à nouveau de ce magnifique portrait de femme sublimant l’actrice qui l’incarne en la montrant paradoxalement plus naturelle que jamais, sans artifices, énergique et lumineuse, terriblement vivante surtout. C’est aussi une bouffée d’air frais et d’optimisme qui montre que soixante ans ou plus peut être l’âge de tous les possibles, celui d’un nouveau départ. En plus d’être tendre (parfois caustique mais jamais cynique ou cruel grâce à la subtilité de l’écriture d’Emmanuelle Bercot et le jeu nuancé de Catherine Deneuve), drôle et émouvant, « Elle s’en va » montre que, à tout âge, tout peut se (re)construire, y compris une famille et un nouvel amour. « Elle s’en va » est de ces films dont vous ressortez émus et le sourire aux lèvres avec l’envie d’embrasser la vie.

Et contre toute attente, c’est aussi l’effet produit par « La tête haute » où il est aussi question de départ, de nouveau départ, de nouvelle chance. Avec beaucoup de subtilité, plutôt que d’imprégner visuellement le film de noirceur, Emmanuelle Bercot a choisi la luminosité, parfois le lyrisme même, apportant ainsi du romanesque à cette histoire par ailleurs particulièrement documentée, tout comme elle l’avait fait pour « Polisse » de Maïwenn dont elle avait coécrit le scénario. Le film est riche de ce travail en amont et d’une excellente idée, avoir toujours filmé les personnages dans un cadre judiciaire : le bureau de la juge, des centres divers… comme si toute leur vie était suspendue à ces instants.

Le grand atout du film : son énergie et celle de ses personnages attachants interprétés par des acteurs judicieusement choisis. Le jeune Rod Paradot d’abord, l’inconnu du casting qui ne le restera certainement pas longtemps et qui a charmé l’assistance lors de la conférence de presse hier, avec son sens indéniable de la répartie (« la tête haute mais la tête froide »…), tête baissée, recroquevillé, tout de colère rentrée parfois hurlée, dont la présence dévore littéralement l’écran et qui incarne avec une maturité étonnante cet adolescent insolent et bravache qui n’est au fond encore que l’enfant qui pleure des premières minutes. Catherine Deneuve, ensuite, une nouvelle fois parfaite dans ce rôle de juge qui marie et manie autorité et empathie. L’éducateur qui se reconnaît dans le parcours de ce jeune délinquant qui réveille ses propres failles incarné par Benoît Magimel d’une justesse sidérante. La mère (Sara Forestier) qui est finalement l’enfant irresponsable du film, d’ailleurs filmée comme telle, en position fœtale, dans une très belle scène où les rôles s’inversent. Dommage (et c’est mon seul bémol concernant le film) que Sara Forestier ait été affublé de fausses dents (était-ce nécessaire ?) et qu’elle surjoue là où les autres sont dans la nuance, a fortiori les comédiens non professionnels, excellents, dans les seconds rôles.

Ajoutez à cela des idées brillantes et des moments qui vous cueillent quand vous vous y attendez le moins : une main tendue, un « je t’aime »furtif et poignant, une fenêtre qui soudain s’est ouverte sur « Le Monde » (littéralement, si vous regardez bien…) comme ce film s’ouvre sur un espoir.

Après « Clément », « Backstage », «  Elle s’en va », Emmanuelle Bercot confirme qu’elle est une grande scénariste et réalisatrice avec qui le cinéma va devoir compter, avec ce film énergique et poignant, bouillonnant de vie, qui nous laisse avec un salutaire espoir, celui que chacun peut empoigner son destin quand une main se tend et qui rend un bel hommage à ceux qui se dévouent pour que les enfants blessés et défavorisés par la vie puissent grandir la tête haute. Un film qui « ouvre » sur un nouveau monde, un nouveau départ et une bouffée d’optimisme. Et ça fait du bien. Une très belle idée que d’avoir placé ce film à cette place de choix et de lui donner cette visibilité.

Conférence de presse

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Ci-dessous, quelques citations de la conférence de presse du film à laquelle j’ai assisté hier. Une passionnante conférence au cours de laquelle il a été question de nombreux sujets, empreinte à la fois d’humour et de gravité, puisqu’a aussi été établi un lien entre le choix de ce film pour l’ouverture et les récents événements en France auxquels le film fait d’ailleurs, d’une certaine manière, écho. Vous pouvez revoir la conférence sur le site officiel du festival. Dommage que Catherine Deneuve (étincelante) ait eu à se justifier (très bien d’ailleurs, avec humour et intelligence) de propos tenus dans la presse, extraits de leur contexte et qui donnent lieu à une polémique qui n’a pas de raison d’être.

« Je tenais à ce que tout soit absolument juste » -Emmanuelle Bercot (à propos de tout ce qui se passe dans le cadre judiciaire où elle a fait plusieurs stages avec ce souci de vraisemblance et même de véracité). « Les personnages existaient avant les stages puis ont été nourris par la part documentaire ».

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« La justice des mineurs est un honneur de la France » – Emmanuelle Bercot

« Si c’est méchant, j’espère que c’est drôle ». – Catherine Deneuve à propos d’une question d’une journaliste au sujet de la caricature de Charloe Hebdo (très cruelle) à son sujet et qu’elle n’avait pas encore vue.

« C’était très important pour moi que ce film ait son socle dans le Nord. » Emmanuelle Bercot

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« Ouvrir le festival avec ce film est aussi une réponse à ce début d’année difficile qu’a connu la France. » Catherine Deneuve

« En France, les femmes cinéastes ont largement la place de s’exprimer et énormément de femmes émergent. » E.Bercot

« Moi c’est le scénario qui m’a beaucoup plu et tous les personnages. C’est un scénario qui m’a plu tout de suite. » Catherine Deneuve

« Pour être star, il faut du glamour et du secret, ne pas tout montrer de sa vie privée. » – Catherine Deneuve

« Il y a une matière documentaire très forte dans l’écriture, en revanche je ne voulais pas un style documentaire dans l’image. » Bercot

Sara Forestier : « A la lecture du scénario, j’ai pleuré. Le film m’a piqué le coeur. »

« C’est totalement inespéré que ce film soit à une telle place, c’est un grand honneur. » Emmanuelle Bercot

Mais encore…Cannes en quelques clichés : quelques images de mes trois premiers jours à Cannes, avec notamment une rencontre avec le très sympathique chef étoilé Michel Roth mais aussi la conférence de presse de « La tête haute » et quelques clichés de mes déambulations sur la Croisette.

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11:03 Écrit par Sandra Mézière dans OUVERTURE 2015 | Lien permanent | Commentaires (0) | |  del.icio.us | | Digg! Digg |  Facebook | | |  Imprimer | | Pin it! |

09/05/2015

Critique de JE VEUX VOIR de Joana Hadjithomas (membre du jury de la Cinéfondation 2015) et Khalil Joreige avec Catherine Deneuve

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Photos "In the mood for Cannes": L'équipe du film "Je veux voir".
 

En 2008 « Je veux voir » réalisé par Joana Hadjithomas et Khalil Joreige dans lequel « joue » Catherine Deneuve était présenté à Un Certain Regard.

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Pitch par l’équipe du film : « Juillet 2006. Une guerre éclate au Liban. Une nouvelle guerre mais pas une de plus, une guerre qui vient briser les espoirs de paix et l'élan de notre génération.  Nous ne savons plus quoi écrire, quelles histoires raconter, quelles images montrer. Nous nous demandons : " Que peut le cinéma ? ".
Cette question, nous décidons de la poser vraiment. Nous partons à Beyrouth avec une " icône ", une comédienne qui représente pour nous le cinéma, Catherine Deneuve. Elle va rencontrer notre acteur fétiche, Rabih Mroué.  Ensemble, ils parcourent les régions touchées par le conflit. A travers leurs présences, leur rencontre, nous espérons retrouver une beauté que nos yeux ne parviennent plus à voir.  Une aventure imprévisible, inattendue commence alors…. ».

Lors de la présentation du film au public, Khalil Joreige a déclaré : "Nous sommes très émus de présenter ce film aujourd’hui. Nous remercions Thierry Frémaux et l’équipe du Festival. Pour nous, ce film est une vraie aventure cinématographique qui, vous le verrez, devient de plus en plus intense et surprenante. Nous tenons à remercier Catherine Deneuve pour sa générosité et son audace, pour nous avoir permis de faire ce film." Et Joana Hadjithomas de conclure : "Je dédie cette projection à ceux qui auraient voulu être avec nous : notre équipe, nos familles, nos amis qui n’ont pas pu faire le voyage à cause des derniers événements."

C’est donc de nouveau en miroir du monde pour reprendre les termes de Steve Mc Queen, le réalisateur de « Hunger » présenté deux jours avant "Je veux voir" (également à Un Certain Regard) que se positionne ce film. Un miroir dans lequel se reflètent et s’influencent intelligemment sa beauté et sa laideur, sa vérité et sa mythologie, sa réalité et sa fiction. « Je veux voir » est en effet un film inclassable qui mélange intelligemment fiction et documentaire, un mélange duquel résulte alors une impression troublante qui ne nuit pas au propos mais au contraire le renforce, paradoxalement le crédibilise. Un Certain Regard. Le nom de cette sélection était parfaitement choisi pour accueillir ce film. De regards il y est en effet beaucoup question.  Celui magnétique, troublé, inquiet, empathique, curieux de Catherine Deneuve. Un regard certain, en apparence en tout cas. C’est donc son regard ( elle est tantôt filmée de face, tantôt en caméra subjective) qui guide le nôtre. Le film commence ainsi : Catherine Deneuve est filmée de dos, à la fenêtre, à Beyrouth qu’elle regarde et surplombe. De dos avec cette silhouette tellement reconnaissable, celle de l’icône qu’elle représente pour les cinéastes qui l’ont choisie. Elle dit alors qu’elle veut voir. Elle veut voir les traces de la guerre. Elle veut voir ce qui ne lui paraît pas réel à travers l’écran de télévision (décidément, les films se répondent, troublant écho à celui d’hier).

Cette rencontre ensuite avec Rabih Mroué qui sera son guide et chauffeur sonne tellement juste, semble tellement éclore sous nos yeux que nous sommes presque gênés d’être là et en même temps captivés. Catherine Deneuve, son personnage, qu’importe, demande si elle peut fumer autant par politesse que pour amorcer une conversation, une complicité, puis elle s’interroge sur le fait que Rabih ne mette pas de ceinture. Il lui explique que depuis la guerre les principes ont un peu volé en éclats. Elle précise qu’elle n’est pas pour l’ordre mais que c’est quand même dangereux. Son visage ne trahit presque aucune émotion et n’en est justement que plus émouvant, de même lorsqu’elle demande pour la deuxième fois si elle peut fumer et reparle de la ceinture de sécurité après un évènement dangereux. Comme si ces propos trahissaient sa peur et la rassuraient, leur réitération les rendant tragiquement drôles. Son ton posé contraste avec l’inquiétude que trahit ses paroles.

Peu à peu ils s’éloignent de Beyrouth, on leur interdit de filmer, ou le scénario prévoyait qu’on fasse croire qu’on leur interdisait de filmer. Le résultat est le même. Nous ne savons pas. Que ce soit fictif ou réel l’essentiel est que cela soit tellement évocateur. Un avion passe et émet un puissant fracas, comme une bombe que l’on lâcherait. Catherine Deneuve sursaute et pour la première fois ou presque son corps trahit sa peur. Le chauffeur lui explique que l’avion  israélien a passé le mur du son, que le but est juste de faire peur. Rare évocation de la situation politique. Le film est là pour nous permettre de voir, pas pour nous prendre à parti ou expliquer. Juste voir la désolation après et à travers la beauté. Juste pour voir ce contraste violent et magnifique.

Que ce soit Catherine Deneuve ou son personnage qui sursaute en entendant cet avion, peu importe, la peur se transmet, traverse l’écran, nous atteint, comme le sentiment de désolation de ces carcasses d’acier et de ferrailles que des pelleteuses charrient longuement, symboles de tant de vies et de passés volés en éclat, abattus, piétinés, niés.

La relation semble se nouer entre les deux personnages ( ?) sous nos yeux , entre les deux êtres ( ?) peut-être, une relation faîte de pudeur, d’intensité créée par la peur, la force de cette rencontre, son caractère unique et son cadre atypique (la scène où il lui dit les dialogues de « Belle de jour » en Arabe, où il en oublie d’être attentif et se retrouve dans un endroit miné est à la fois effrayante et sublime, poétique et terriblement réaliste, l’instant poétique, cinématographique qu’ils vivent renforçant la peur créée par la soudaineté du surgissement d’une terrible réalité, potentiellement fatale). Une relation entre deux réalités, le cinéma et la réalité. Une belle rencontre en tout cas. Comme deux personnages de cinéma. Si réels (nous croyons vraiment à leur relation) et si cinématographique (ils forment sous nos yeux un couple qui pourrait être tellement cinématographique).

 La fin (Catherine Deneuve se rend à une réception en son honneur après cette journée que l’on devine si intense et éprouvante) pourrait être le début d’une fiction, une des plus belles fins qu’il m’ait été donné de voir au cinéma, qui prouve la force d’un regard, un regard décontenancé, un regard ébloui par les lumières d’une fête tellement décalées après celles de la journée, un regard qui cherche la complicité de celui devenu un ami, un regard qui cherche la réalité de ce qu’il a vécu ou ressenti dans celui d’un autre, un regard qui nous embarque dans son tourbillon d’émotions et d’intensité, tandis qu’un officiel obséquieux (non?) évoque « la formidable capacité de résilience des Libanais » comme il évoquerait la pluie et le beau temps. Le regard alors tellement passionné de Catherine Deneuve contraste avec la banalité du discours de ce dernier. Oui, un certain regard. Tellement troublé et troublant et expressif lorsqu’il croise le regard attendu qu’il ouvre une infinitude de possibles, qu’il ouvre sur le rêve, qu’il ouvre sur la puissance du cinéma, des images, d’une rencontre, qu’il ouvre sur un nouvel espoir. "Toute la beauté du monde". Malgré tout.

 La présence presque "improbable" et "onirique" de Catherine Deneuve comme l’ont définie les réalisateurs est à la fois un écho à la beauté du sud et un contraste saisissant avec le spectacle de désolation des paysages en ruine, des vies dévastées.  Elle y apparaît en tout cas magnifique de dignité et de courage. Oui, une belle leçon de dignité et de courage mais aussi de cinéma et d’espoir…

Un film qui est dramatiquement (encore une fois) d’actualité alors que le Liban vit de nouveau une situation explosive, qui montre ce que l’on regarde parfois sans voir.

Le mélange si habile de fiction et de documentaire, de mémoire historique et de mythologie cinématographique,  en fait un film, un témoignage aussi, inclassable, captivant, troublant,  jamais didactique, un film que l’on veut voir, et que l’on voudrait revoir, juste pour ce dernier regard échangé…

10:43 Écrit par Sandra Mézière | Lien permanent | Commentaires (0) | |  del.icio.us | | Digg! Digg |  Facebook | | |  Imprimer | | Pin it! |

Critique de THIS MUST BE THE PLACE de Paolo Sorrentino en attendant YOUTH (en compétition officielle du 68ème Festival de Cannes)

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Paolo Sorrentino se retrouve ainsi pour la 5ème fois en compétition à Cannes après « Les Conséquences de l’amour » en 2004, « L’ami de la famille » en 2006, « Il Divo » en 2008,  « This must be the place » en 2011 qui avait reçu le prix du jury œcuménique et « La grande Bellezza » en 2013.  Il fut par ailleurs président du jury Un Certain Regard en 2009. Retrouvez ma critique de « This must be the place » en attendant de découvrir « Youth » en compétition cette année.

CRITIQUE DE « THIS MUST BE THE PLACE » DE PAOLO SORRENTINO

 

« This must be the place » de Paolo Sorrentino était reparti bredouille de la compétition du Festival de Cannes 2011, enfin presque puisqu’il avait reçu le prix du jury œcuménique. Avec son premier film en Anglais, le cinéaste italien était ainsi pour la quatrième fois en compétition à Cannes, trois ans après avoir obtenu un prix du jury pour « Il divo ». Avec « Melancholia », « Minuit à Paris » et « The Artist », c’était un de mes coups de cœur de cette édition 2011 qui a souvent fasciné autant qu’il a agacé les festivaliers. Des réactions aussi extrêmes sont souvent signes d’un univers fort, ce que possède incontestablement Paolo Sorrentino.

Sean Penn y interprète Cheyenne, 50 ans, une ancienne star du rock. Il vit de ses rentes à Dublin où il traine sa mélancolie et son ennui. La mort de son père avec qui il a coupé les ponts depuis des années le décide à partir pour New York. Là, il découvre que son père pourchassait un ancien criminel de guerre nazi, un bourreau d’Auschwitz qui l’avait humilié. Cheyenne va poursuivre la vengeance de son père et, pour l’accomplir, va traverser les Etats-Unis…

En revoyant « This must be the place », j’ai pensé à l’écriture de Françoise Sagan. A sa fameuse petite musique des mots qui fait que, au-delà de l’histoire qu’elle nous raconte, le caractère jubilatoire de la forme happe notre attention et nous donne envie de dévorer notre lecture. C’est le cas aussi de la mise en scène de Sorrentino qui nous ensorcelle avec sa « petite musique » des images (des mots d’ailleurs aussi avec, en voix off, parfois le texte du père de Cheyenne). La comparaison n’est d’ailleurs pas aussi absurde, Cheyenne aurait ainsi pu dire telle la Cécile de « Bonjour tristesse » : « Sur ce sentiment inconnu dont l’ennui, la douceur m’obsèdent, j’hésite à apposer le nom, le beau nom grave de tristesse. »

Cheyenne, c’est donc Sean Penn, allure gothique et dégingandée, dos courbé, démarche lente et irrésolue, voix traînante, visage maquillé à la Robert Smith et rire triste et improbable. Pour entrer dans le film, il faut évidemment adhérer à son personnage d’enfant capricieux sur les épaules duquel semblent peser tous les malheurs du monde (en tout cas ceux de son histoire et de l’Histoire, rien que ça). Contrairement à ce qu’il a déclaré récemment à propos d’un autre film (indice : ce film a obtenu la palme d’or), il semble vraiment savoir ce qu’il est venu faire là. Ses gestes, son regard, son phrasé : tout nous fait oublier l’acteur pour construire ce personnage de grand enfant innocent, malicieux, capricieux, ce chanteur de rock déchu, à la fois pathétique, touchant, ridicule, flamboyant, décalé. Face à lui, Jane (Frances McDormand), sa femme, aussi forte, présente, décidé qu’il est faible, absent, velléitaire. Leur couple est d’ailleurs symbolique de ce film tout en contradictions et judicieux décalages.

« Paolo réalise des films rapides sur des gens lents et des films drôles sur des gens tristes », a déclaré Sean Penn lors du dernier Festival de Cannes. Sorrentino recourt en effet à la légèreté pour évoquer le poids de l’existence que Cheyenne semble porter, mais aussi le poids de la tragédie. Contradictions encore avec ce père absent et omniprésent. Entre ce personnage enfantin, sa fragilité apparente et sa terrible, et souvent irrésistible, lucidité (Au départ on se dit « Ce sera ça ma vie » puis « C’est ça la vie » déclare-t-il ainsi). Entre la gravité du sujet et la tendresse loufoque pour l’aborder. Entre les grands espaces américains et la mélancolie irlandaise. Entre le visage fardé et ce qu’il dissimule. Entre la mort omniprésente et la vie absente d’un Cheyenne qui s’ennuie. Contradictions entre la fantaisie parfois dérisoire et son objectif qui est tout sauf dérisoire. Entre l’inoffensivité apparente d’un homme et les crimes qu’il a commis.

Sorrentino semble prendre autant de plaisir à sublimer cette Amérique que Cheyenne traverse qu’à en souligner les ridicules excès, entre les images d’Epinal de l’American dream, les paysages qui ressemblent à des peintures de Hopper avec ses motels, ses stations service, ses vastes étendues d’une beauté vertigineuse et ses excès (ou contradictions à nouveau) qu’il tourne en dérision : d’un armurier à la plus grande pistache du monde, en passant par une bouteille géante qui entrave sa route. Il nous en montre aussi la diversité des visages et des paysages comme un enfant curieux, celui qu’est encore Cheyenne, qui découvre Le Nouveau Monde, un nouveau monde, un enfant qui s’émerveille et croise des personnages (un Indien silencieux, une oie, un bison…) qui semblent tout droit sortie d’un conte. Les moments de fantaisie poétique sont encore sublimés par la musique comme dans cette scène avec cette chanson interprétée par David Byrne, le chanteur des Talking heads qui a composé la musique du film (pas une première puisqu’il a reçu l’Oscar de la meilleure musique pour la BO du Dernier Empereur de Bertolucci).

« This must be the place », c’est un parcours initiatique: l’histoire d’un masque qui tombe, d’un enfant qui grandit, d’un homme qui se relève. D’un artiste enfantin qui devient un homme et fume sa première cigarette. Un film inclassable qui mélange habilement les genres, un road movie qui déroute et enchante, ou nous glace par sa lucidité. Un film envoûtant grâce à la musique de David Byrne, la virtuosité de la mise en scène de Sorrentino et de l’interprétation de Sean Penn qui nous plongent dans une atmosphère poétique, onirique et fantaisiste qui dissimule un visage grave et lucide. Un bel hommage à « Paris, Texas » de Wim Wenders, et à « Into the wild » de Sean Penn, aussi. Un personnage et un film qui vous restent dans la tête comme une petite musique. Celle des mots de Sagan. Ou une grande. Celle des Talkings Heads. « Il faut choisir, dans l’existence, un moment, un seul, où la peur disparaît » nous dit-on dans le film. Ce périple en fait partie. Un périple réjouissant et bouleversant, grave et léger, mélancolique et enchanteur, fardé et sincère. Qui donne envie de regarder la vérité derrière le masque. Celle de l’abjection (le bourreau nazi) ou de l’humanité (Cheyenne) qui se mettent à nu (au

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Critique de POLISSE de Maïwenn en attendant MON ROI ( en compétition officielle du 68ème Festival de Cannes)

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« Polisse » est le troisième long métrage de Maïwenn  après « Pardonnez-moi » (2006) et « Le bal des actrices » (2009).  J’étais restée particulièrement sceptique devant «Le  Bal des actrices » , film sur les masques et  les mensonges des actrices  dans lequel Maïwenn nous impose sa propre vérité, un bal dont elle est la reine et la manipulatrice, un bal dans lequel le cinéma est montré comme un théâtre masqué, un monde de faux-semblants dans lequel les actrices sont toutes malheureuses, narcissiques, prétentieuses et pour se dédouaner de s’être attribuée le beau rôle, Maïwenn lors d’une scène finale (lors de laquelle toutes les actrices sont réunies pour voir son documentaire) devance toutes les critiques, ses actrices lui adressant les reproches que pourrait lui faire la critique. Bref, je craignais le pire avec le sujet ô combien sensible de ce troisième long métrage.

 Connaissant l’intrigue et le dénouement, j’étais curieuse de voir si je serais à nouveau embarquée, touchée, parfois agacée… et je dois avouer qu’à cette deuxième vision l’émotion, surtout, était tout autant au rendez-vous qu’à la première.

Synopsis : « Polisse » suit le quotidien des policiers de la BPM (Brigade de Protection des Mineurs) : gardes à vue de pédophiles,  arrestations de pickpockets mineurs, auditions de parents maltraitants, dépositions des enfants, les dérives de la sexualité chez les adolescents, mais aussi la solidarité entre collègues et les fous rires incontrôlables dans les moments les plus impensables. En parallèle, Maïwenn montre les répercussions sur la vie privée de chacun de ces policiers et l’équilibre précaire entre leur vie professionnelle et leur vie privée. Mélissa ( Maïwenn) est mandatée par le Ministère de l’Intérieur pour réaliser un livre de photos sur la brigade. Ce regard va révéler les fêlures de Fred (Joeystarr), le plus écorché vif de la brigade.

Les premières minutes nous montrent une petite fille décrivant avec sa candeur enfantine les attouchements que son père lui a ou aurait fait subir (nous ne saurons pas vraiment). Quelques scènes plus tard, nous retrouvons les policiers de la BPM qui, à la cantine, racontent leurs histoires de couples, avec une certaine crudité, à la fois pour désamorcer la violence de ce qu’ils entendent au quotidien, mais aussi parce que cette violence a des répercussions inévitables sur leur vie privée.

  C’est avant tout eux que la caméra de Maïwenn va suivre, nous immergeant dans leur douloureux quotidien. Douloureux parce que difficile d’entendre des horreurs toute la journée et de ne pas en ressortir écorché, voire blessé, ou même meurtri. Douloureux parce que la vie privée devient chaotique quand la vie professionnelle est aussi rude et vorace, et exige un tel dévouement dont il est impossible de ressortir indemne. Douloureux parce que les blessures des autres ravivent les leur.

Lors de la première projection à Cannes, je vous avais dit avoir été partagée entre émotion et scepticisme, agacement et admiration mais j’avoue que cette fois l’émotion et l’admiration ont dominé. Emotion parce que la caméra de Maïwenn capte et esquisse admirablement des portraits de pères, de mères, d’hommes, de femmes, d’enfants, désemparés face à la douleur indicible mais aussi la glaçante épouvante de ceux qui avouent les pires horreurs avec le sourire et une terrible « innocence », inconscients de celle qu’ils ont bafouée (Terrifiante déclaration du personnage d’Audrey Lamy inspirée comme tous les autres faits de ce film, de faits réels). Emotion parce qu’il est impossible de rester insensible devant, par exemple, cette scène douloureusement réaliste de cet enfant arraché à sa mère parce qu’il est impossible de leur trouver un foyer à tous deux. Emotion lorsque par un frôlement de main, une danse d’abandon, surgit une tendresse si longtemps contenue. Emotion parce que la scène finale d’une logique tragiquement implacable vous saisit d’effroi.

Admiration parce que Maïwenn en quelques plans, parfois juste le temps d’une déclaration à la police, nous raconte toute une histoire, un passé sombre et un avenir compromis. Admiration parce qu’elle tire des acteurs et surtout actrices, le meilleur d’eux-mêmes : Sandrine Kiberlain bouleversante,  Karin Viard insaisissable, touchante puis presque effrayante,  et que dire de Marina Foïs, remarquable dans le rôle de ce personnage de policier, le plus intéressant, abimé, fragile, désorienté. Même Joeystarr dont la prestation dans « Le bal des actrices » ne m’avait pas convaincue, est ici particulièrement touchant dans son rôle de flic bourru au cœur tendre qui s’implique émotionnellement dans chaque « cas ».

Alors pourquoi étais-je aussi sceptique et agacée suite à la projection cannoise ? Sceptique parce que le personnage qu’incarne Maïwenn qui se cache derrière ses grandes lunettes, son chignon, qui passe des beaux quartiers aux quartiers plus populaires, semble une nouvelle fois une manière de se dédouaner, de se donner le beau rôle, de se mettre en scène sans que cela soit forcément nécessaire. Il faut avouer que, suite à cette deuxième projection, j’ai trouvé que son personnage qui certes parfois sourit un peu trop béatement, apporte une certaine fraîcheur, un regard extérieur et est une vraie trouvaille scénaristique pour permettre au personnage de Joeystarr d’évoluer et de révéler une autre facette de sa personnalité. C’est aussi un moyen d’explorer à nouveau la mise en abyme.  C’est d’ailleurs après avoir vu un documentaire à la télévision sur le travail des policiers chargés de protéger les mineurs, qu’elle a eu l’idée d’en faire un film.

 Agacée par ce style faussement réaliste (Lors de la conférence de presse des lauréats à Cannes, Maïwenn s’est énervée suite à la question d’un journaliste qui, à propos de son film, parlait de style semi-documentaire) qui recrée une réalité et forcément l’édulcore pour faire surgir une réalité qui forcément n’en est pas totalement une. Agacée parce que Maïwenn par moments semble nous refaire « Le bal des actrices » et plus soucieuse de leurs performances que du réalisme (peut-être aurait-il été plus judicieux d’utiliser uniquement des comédiens inconnus) mais après cette deuxième projection, je reconnais que tous les acteurs sans exception, sont absolument remarquables et que Maïwenn est incontestablement douée pour la direction d’acteurs sachant tirer ici le meilleur de chacun (les « témoignages » d’anonymes sont saisissants).

Agacée parce que parfois la caméra s’attarde un peu trop, et nous prend en otage, ou parce que parfois elle semble privilégier ou du moins hésiter entre l’effet de style ou l’émotion et le réalisme (comme la scène des enfants qui dansent dans le bus). Agacée parce que, à l’image de son titre, cela frôle alors l’artificiel. Polisse écrit par un enfant. Polisse mais surtout pas « policé ». Polisse parce qu’il y avait déjà le PoliCe de Pialat.

Avec ce troisième film, Maïwenn veut à nouveau faire surgir la vérité, « peindre les choses cachées derrière les choses » pour reprendre une célèbre réplique d’un non moins célèbre film de Marcel Carné. En voulant parfois trop mettre en valeur ses actrices (ou elle-même), elle nuit justement à cette vérité nous rappelant trop souvent que « c’est du cinéma », alors qu’elle retranscrit malheureusement surtout une sombre réalité. Il n’en demeure pas moins que c’est un bel hommage à ces policiers de la BPM, à leur dévorant métier et leur dévouement,  un constat effroyable sur la noirceur humaine, et il n’en demeure pas moins que la fin est bouleversante de beauté tragique et de lyrisme dramatique : ces deux corps qui s’élancent, et font éclater ou taire la vérité, inadmissible, et éclater ou taire l’espoir. Un film agaçant, intense, marquant, bouleversant, parfois même (sombrement) drôle.

A cette deuxième vision, la qualité de la réalisation (caméra nerveuse qui épouse la tension palpable), et surtout l’écriture m’ont particulièrement marquée, sans doute la raison pour laquelle Maïwenn condamnait cette définition de semi-documentaire. Le film est extrêmement construit, les dialogues sont particulièrement efficaces et sans doute certains les trouveront trop écrits, en contradiction avec l’impression de réalisme auquel ils ne nuisent néanmoins pas. Chaque scène de chaque personnage, qu’il soit au premier ou au second plan, dit quelque chose du dénouement concernant ce personnage et il faut dire que Maïwenn et sa coscénariste Emmanuelle Bercot manient brillamment le film choral aidées par un brillant montage qui fait alterner scènes de la vie privée et scènes de la vie professionnelle, les secondes révélant toujours quelque chose sur les premières, ces deux familles se confondant parfois. Pialat, Tavernier, Beauvois, Marchal avaient chacun à leur manière éclairer une facette parfois sombre de la police. Il faudra désormais compter avec le « Polisse » de Maïwenn dont le prix du jury cannois était en tout cas entièrement justifié.

Cliquez ici pour lire le compte rendu de la conférence de presse cannoise de « Polisse ».

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Critique de STILL LIFE de JIA ZHANG-KE en attendant MOUNTAINS MAY DEPART

Jia Zhang-Ke sera de retour en compétition à Cannes cette année avec « Mountains may depart », l’occasion de revoir le sublime « Still life ».

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Dès l’admirable plan séquence du début,  ensorcelés et emportés déjà par une mélodieuse complainte, nous sommes immergés dans le cadre paradoxal du barrage des 3 Gorges situé dans une région montagneuse du cœur de la Chine :  cadre fascinant et apocalyptique, sublime et chaotique. En 1996, les autorités chinoises ont en effet entrepris la construction du plus grand barrage hydroélectrique du monde. De nombreux villages ont été sacrifiés pour rendre possible ce projet.

Là, dans la ville de Fengjie nous suivons le nonchalant, morne et taciturne  San Ming courbé par le poids du passé  et des années, parti à la recherche du temps perdu. Il voyage en effet à bord du ferry The World (du nom du précèdent film du réalisateur, référence loin d’être anodine, témoignage d’une filiation évidente entre les deux films)  pour retrouver son ex-femme et sa fille qu’il n’a pas vues depuis 16 ans.

Pendant ce temps, Shen Hong, dans la même ville cherche son mari  qu’elle n’a pas vu depuis deux ans. Leurs déambulations mélancoliques se succèdent puis alternent et se croisent le temps d’un plan  dans un univers tantôt désespérant tantôt d’une beauté indicible mis en valeur par des panoramiques étourdissants.

Tandis que les ouvriers oeuvrent à la déconstruction, de part et d’autre de la rivière, ces  deux personnages essaient de reconstruire leur passé, d’accomplir leur quête identitaire au milieu des déplacements de population et des destructions de villages. Engloutis comme le passé de ses habitants.

Ce film présenté en dernière minute dans la catégorie film surprise de la 63ème Mostra de Venise a obtenu le lion d’or et a ainsi succédé à Brokeback  Mountain.

The World  était le premier film du réalisateur à être autorisé par le gouvernement chinois. Jusqu’ici ils étaient diffusés illégalement sur le territoire, dans des cafés ou des universités. Dans The World Jia Zhang Ke traitait déjà du spectacle triomphant de la mondialisation et de l’urbanisation accélérée que subit la Chine.

A l’étranger, ses films étaient même présentés dans des festivals comme Cannes en 2002 avec Plaisirs inconnus. Son parcours témoigne avant tout de son indépendance et de sa liberté artistique.

Ancien élève de l’école des Beaux-Arts de sa province, il étudie le cinéma à l’Académie du film de Pékin, avant de fonder sa structure de production le Youth Experimental Film Group. Son œuvre entend révéler la réalité de la Chine contemporaine.

En 2006, Jia Zhang-Ke réalise Dong, un documentaire autour de la construction du barrage des Trois Gorges à travers les peintures de son ami, le peintre Liu Xiaodong, présenté dans la section Horizons lors de la 63e Mostra de Venise.

Entre brumes et pluies, d’emblée, le décor nous ensorcelle et nous envoûte. Qu’il présente la nature, morte ou resplendissante, ou la destruction Jia Zhang Ke met en scène des plans d’une beauté sidérante. Le décor est dévasté comme ceux qui l’habitent. La lenteur et la langueur reflètent la nostalgie des personnages et le temps d’une caresse de ventilateur, la grâce surgit de la torpeur dans cet univers âpre.

Jia Zhang Ke se fait peintre des corps, en réalisant une véritable esthétisation de ceux-ci mais aussi de la réalité et, si son tableau est apocalyptique, il n’en est pas moins envoûtant. Le film est d’ailleurs inspiré de peintures, celles du peintre Liu Xiaodong qui a peint le barrage des 3 Gorges à plusieurs reprises dont Jia Zhang Ke avoue s’être inspiré.

Ces personnages sont « encore en vie » malgré la dureté de leurs existences et le poids des années, du silence, des non dits. C’est un cinéma à l’image de la vie, l’ennui est entrecoupé d’instants de beauté fulgurante et fugace.

Still life, malgré son aspect et son inspiration documentaires n’en est pas moins un film éminemment cinématographique : par l’importance accordée au hors champ (comme ces marins qui mangent leur bol de nouilles tandis que San Ming leur parle, hors champ), par des plans séquences langoureux et impressionnants, et puis  par des références cinématographiques notamment au néoréalisme et  à Rossellini et Rome, ville ouverte ou à John Woo avec cet enfant qui imite Chow Yun Fat ou encore celui qui regarde le Syndicat du crime de John Woo.

C’est un film polysémique qui, comme dans The World, nous parle des rapports entre tradition et modernité comme  avec cet enfant qui chante des musiques sentimentales surannées ou ces portables qui jouent des musiques sentimentales ou ces comédiens en costumes traditionnelles qui s’amusent avec leurs portables.

Jia Zhang Ke ausculte subtilement les contradictions de son pays en pleine mutation. Le barrage des 3 Gorges, c’est la Chine en concentré, la Chine d’hier avec ces immeubles que l’on détruit, la Chine intemporelle avec ses décors majestueux, pluvieux et embrumés et la Chine de demain. La Chine écartelée entre son passé et son présent comme le sont les deux personnages principaux dans leur errance. Les ruines qui contrastent avec le barrage scintillant allumé par les promoteurs comme un gadget symbolisent cette Chine clinquante, en voie de libéralisme à défaut d’être réellement sur la voie de la liberté.

Jia Zhang Ke a ainsi voulu signer une œuvre ouvertement politique avec « le sentiment d’exil permanent des ouvriers, tous plus ou moins au chômage, tous plus ou moins sans domicile fixe », « les ouvriers détruisent ce qu’ils ont peut-être eux-mêmes construits ».

Un plan nous montre une collection d’horloges et de montres. Comme le cinéma. Dans une sorte de mise en abyme, il immortalise doublement le temps qui passe. C’est donc aussi un film sur le temps. Celui de la Chine d’hier et d’aujourd’hui. Celui de ces deux ou seize années écoulées. Ce n’est pas pour rien que Jia Zhang Ke a étudié les Beaux-Arts et la peinture classique. Il dit lui-même avoir choisi le cinéma « parce qu’il permet de saisir et de montrer le temps qui passe ». C’est l’idée bouddhiste qui  « si le destin est écrit, le chemin importe d’autant plus ».

Comme dans J’attends quelqu’un dont je vous parlais il y a quelques jours , ici aussi on prend le temps (ce n’est d’ailleurs pas leur seul point commun comme évoqué plus haut). De s’ennuyer. Un ennui nécessaire et salutaire. Pour se dire qu’on est « encore en vie » ou pour déceler la beauté derrière et malgré la destruction car Still life (=Encore en vie )  est un film de contrastes et paradoxes judicieux : à l’image de son titre, il sont  encore en vie malgré les années, malgré la destruction, malgré tout. Prendre le temps de voir aussi : l’histoire devant l’Histoire et l’Histoire derrière l’Histoire, les plans de Jia Zhang Ke mettant souvent l’intime au premier plan et le gigantisme (des constructions ou déconstructions) au second plan.

C’est aussi un hommage à la culture chinoise du double, des opposés yin et yang, entre féminin et masculin, intérieur et extérieur, construction-destruction et nature, formes sombres et claires, le tout séparé par la rivière, frontière emblématique de ce film intelligemment dichotomique.

C’est un film en équilibre et équilibré à l’image de son magnifique plan final du funambule suspendu entre deux immeubles. Parce que, ce qu’il faut souligner c’est que ce film plaira forcément à ceux qui ont aimé « The World » mais qu’il pourra aussi plaire à ceux qui ne l’ont pas aimé, notamment par son aspect surréaliste, ses plans imaginaires qui instillent de la légèreté et un décalage salutaire comme ce plan de l’immeuble qui s’écroule ou ces plans poétiques de ces couples qui dansent sur une passerelle aérienne contrebalançant la dureté des paroles échangées ou la douleur du silence, l’impossibilité de trouver les mots.

Enfin il faut souligner la non performance et le talent éclatant de ses acteurs principaux Han Sanming et Zhao Thao qui ont d’ailleurs joué dans presque tous les films de Jia Zhang Ke. C’est en effet leur quatrième collaboration commune.

Je vous invite donc à partir dans cette errance poétique à la recherche du temps perdu au rythme d’une complainte nostalgique et mélancolique…

10:14 Écrit par Sandra Mézière dans IN THE MOOD FOR NEWS | Lien permanent | Commentaires (0) | |  del.icio.us | | Digg! Digg |  Facebook | | |  Imprimer | | Pin it! |

Critique de MADEMOISELLE CHAMBON de Stéphane Brizé en attendant « La Loi du marché » (compétition du 68ème Festival de Cannes)

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Cette année et pour la première fois de sa carrière, Stéphane Brizé, un cinéaste dont j’apprécie tout particulièrement le travail, sera en compétition de ce 68ème Festival de Cannes avec « La loi du marché » , l’occasion de revoir le magnifique « Mademoiselle Chambon ».

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Cela pourrait se résumer en une phrase : Jean (Vincent Lindon), maçon, bon mari et père de famille, croise la route de la maîtresse d’école de son fils, Mademoiselle Chambon (Sandrine Kiberlain) ; leurs sentiments réciproques vont s’imposer à eux. Enfin non, justement, cela ne se résume pas en une phrase parce que tout ce qui importe ici réside ailleurs que dans les mots, même si ce film est inspiré de ceux du roman d’Eric Holder.

Les mots sont impuissants à exprimer cette indicible évidence. Celle d’un regard qui affronte, esquive, tremble, vacille imperceptiblement. Celle d’une lèvre dont un rictus trahit un trouble ou une blessure. Celle d’une rencontre improbable mais impérieuse. Entre un homme qui ne sait pas manier les mots (la preuve, c’est son fils qui lui apprend ce qu’est le complément d’objet direct) et vit du travail de ses mains et une femme dont c’est le métier que de manier les mots, les apprendre. Lui construit des maisons, elle déménage sans cesse. Lui est ancré dans la terre, elle est évanescente. Il a un prénom, elle est avant tout mademoiselle. Lui a un lien douloureux et charnel avec son père, ses parents à elle ne lui parlent que par téléphone interposé et pour lui faire l’éloge de sa sœur. Et pourtant, et justement : l’évidence. La musique va alors devenir le langage qui va cristalliser leurs émotions, et les sanglots longs des violons (pas de l’automne, comme ceux de Verlaine, mais ici du printemps, avec une langueur plus mélancolique que monotone) exprimer la violence de leurs irrépressibles sentiments.

Comme dans le magnifique « Je ne suis pas là pour être aimé », on retrouve cette tendre cruauté et cette description de la province, glaciale et intemporelle. Ces douloureux silences. Cette sensualité dans les gestes chorégraphiés, déterminés et maladroits. Cette révolte contre la lancinance de l’existence. Et ce choix face au destin. Cruel. Courageux ou lâche. (Magnifique scène de la gare dont la tension exprime le combat entre ces deux notions, la vérité étant finalement, sans doute, au-delà, et par un astucieux montage, Stéphane Brizé en exprime toute l’ambivalence, sans jamais juger ses personnages…). On retrouve aussi cet humour caustique et cette mélancolie grave, notamment dans la scène des pompes funèbres qui résume toute la tendresse et la douleur sourdes d’une existence et qui fait écho à celle de la maison de retraite dans « Je ne suis pas là pour être aimé. »

Mais ce film ne serait pas ce petit bijou de délicatesse sans l’incroyable présence de ses acteurs principaux, Vincent Lindon ( déjà magistral notamment dans « Welcome, « Pater », « Pour elle » ) d’abord, encore une fois phénoménal, aussi crédible en maçon ici qu’en avocat ailleurs. Son mélange de force et de fragilité, de certitudes et de fêlures, sa façon maladroite et presque animale de marcher, de manier les mots, avec parcimonie, sa manière gauche de tourner les pages ou la manière dont son dos même se courbe et s’impose, dont son regard évite ou affronte : tout en lui nous faisant oublier l’acteur pour nous mettre face à l’évidence de ce personnage. Et puis Sandrine Kiberlain, rayonnante, lumineuse, mais blessée qui parvient à faire passer l’émotion sans jamais la forcer. Aure Atika, qui interprète ici l’épouse de Vincent Lindon, est, quant à elle, absolument méconnaissable, d’une justesse irréprochable et d’une sobriété remarquable. Elle parvient à faire exister son personnage, dans l’ombre pourtant. Sans doute faut-il aussi une direction d’acteurs d’une précision, d’une sensibilité rares pour arriver à une telle impression d’évidence et de perfection ( la preuve, les seconds rôles sont d’ailleurs tout aussi parfaits).

Une histoire simple sur des gens simples que Stéphane Brizé (avec la complicité de Florence Vignon, déjà co-scénariste du très beau « Le bleu des villes ») compose avec dignité dans un film épuré, sensible qui fait de ses personnages des héros du quotidien emprisonnés dans un fier et douloureux silence (résumé par le dernier plan d’une belle luminosité derrière les barreaux d’une fenêtre ). Un film qui, encore une fois, rappelle le cinéma de Claude Sautet (notamment par l’utilisation du violon et de la musique comme éléments cristallisateurs qui rappellent mon film fétiche « Un cœur en hiver » mais aussi par la sublimation d’une « histoire simple ») qui, tout en « faisant aimer la vie » et la poésie des silences, en souligne toute la quotidienne et silencieuse beauté, cruelle et dévastatrice.

10:13 Écrit par Sandra Mézière dans IN THE MOOD FOR NEWS | Lien permanent | Commentaires (0) | |  del.icio.us | | Digg! Digg |  Facebook | | |  Imprimer | | Pin it! |

Critique de DE ROUILLE ET D’OS de Jacques Audiard en attendant DHEEPAN (en compétition du 68ème Festival de Cannes)

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En attendant « Dheepan » de Jacques Audiard, en compétition de ce 68ème Festival de Cannes, retour sur son dernier passage à Cannes avec « De rouille et d’os ». « Dheepan »est une libre inspiration des « Lettres Persanes » de Montesquieu ou le regard sur la société française d’un réfugié sri-lankais débarqué dans une cité de banlieue parisienne, avec uniquement des acteurs « inconnus ». Jacques Audiard a reçu le Grand prix du jury du Festival de Cannes en 2009 et il était en compétition en 2012 avec « De rouille et d’os ».

 

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 Ali (Matthias Schoenaerts)  se retrouve avec Sam, 5 ans son fils qu’il connaît à peine. Sans domicile, sans argent et sans amis, Ali trouve refuge chez sa sœur (Corine Masiero) à Antibes. Elle les héberge dans le garage de son pavillon, elle s’occupe du petit. A la suite d’une bagarre dans une boîte de nuit, son destin croise celui de Stéphanie (Marion Cotillard). Il la ramène chez elle et lui laisse son téléphone. Stéphanie est dresseuse d’orques au Marineland. Il faudra que le spectacle tourne au drame, que Stéphanie perde ses jambes, pour qu’un coup de téléphone dans la nuit les réunisse à nouveau. Lors de la conférence de presse Jacques Audiard a ainsi évoqué des « destins simples magnifiés par les accidents », « une histoire d’amour des années de crise », « deux personnages qui tentent de s’extraire de leurs conditions. »

Jacques Audiard revient ainsi sur la Croisette et en compétition officielle avec « De rouille et d’os », adapté d’une nouvelle de Craig Davidson après avoir remporté le prix du Meilleur Scénario pour « Un héros très discret » lors de l’édition 1996 du festival, et le Grand Prix du Jury pour « Un prophète », il y a 3 ans. Cette fois, il revient avec une histoire d’amour entre deux êtres blessés (mais les personnages d’Audiard le sont finalement toujours), et comme toujours chez Audiard, pas forcément immédiatement aimables mais emportant progressivement notre adhésion. Son cinéma est à l’image de ce film et de ces deux personnages : un mélange habile et poignant de rudesse et de délicatesse. C’est un film de sensations, de chair, de corps, de sang. Le corps meurtri de Stéphanie face à celui presque animal d’Ali. Le corps brutalisé et filmé avec délicatesse, caressé presque par la caméra de Jacques Audiard (comme par le regard de Stéphanie). La dureté sublimée par une douce lumière et une chaleureuse atmosphère qui atténuent la violence (sociale) ravageuse du film. « J’ai horreur de la violence. Curieux de dire que j’ai horreur de la violence et d’y revenir tout le temps » a ainsi déclaré Jacques Audiard, ce midi, en conférence de presse.

Bien qu’ils soient très différents dans leurs manières de filmer, ce film d’Audiard en particulier m’a fait penser au cinéma des Dardenne qui, eux aussi, mettent en scène des êtres cabossés par la vie et la société (avec certes beaucoup plus de réalisme, évidemment), dont les enfants sont souvent les involontaires victimes, et ils ont bien sûr en commun une remarquable direction d’acteurs, et une force de la mise en scène, aussi différentes soient-elles.

C’est un film de contrastes et d’évolutions. De l’arrogance, ou du moins du contrôle à l’abandon. De l’impossibilité de s’exprimer à la possibilité de dire les plus beaux mots qui soient. Et surtout de la solitude à la réconciliation avec leurs proches (sœur, enfant) et avec eux-mêmes.

Un film âpre et plein d’espoir. De rouille et d’os. De chair et de sang. De rudesse et de délicatesse. De douceur et de violence. De troublants paradoxes pour un troublant film. Des contrastes à l’image de ceux de l’esthétique du film. Le (magnifique ) montage met en exergue et oppose les sons, les silences, les corps, le contrôle, l’abandon. Ajoutez à cela une bande originale réussie, de la musique de Desplat à « Firework » de Katy Perry. Deux acteurs extraordinaires et extraordinairement dirigés. Comme dans « Bullhead », c’est l’animalité de son personnage que fait ressortir Matthias Schoenaerts, mais ici, au contraire de son personnage dans le film qui l’a révélé, il va aller vers la parole, l’humanité. Son personnage concentre aussi les contrastes du film, de même que celui de Marion Cotillard. Tous deux sont bouleversants de justesse, de dureté et de douceur, d’humanité et d’animalité, et en tout cas de fragilité masquée.

Marion Cotillard était ainsi visiblement très heureuse d’être à Cannes. Lors de la conférence de presse, elle a ainsi déclaré : « C’est ma première fois dans un film en compétition officielle à Cannes. Je ne pensais pas que ça allait me rendre si joyeuse. C’est un festival mythique qui a vu tellement de grandes histoires, de grands acteurs, de grands artistes et je suis particulièrement heureuse d’y être avec le film de Jacques» tandis que Matthias Schoenaerts a déclaré à son propos « C’est une comédienne exceptionnelle. On va dans l’absolu ». Pour Jacques Audiard, « Marion est une actrice très virile et sensuelle en même temps. Elle a une autorité dans le jeu. Elle est capable de passer de l’autre côté du mur ». Signalons enfin la présence de Corinne Masiero (dans le rôle de la sœur d’Ali), révélée par le personnage de Louise Wimmer dans le film éponyme de Cyril Mennegin.

Le Festival de Cannes commençait très fort avec ce film qui aurait pu prétendre à tous les prix, ou presque. Un film coup de poing qui fut aussi mon premier coup de cœur de cette édition 2012. Un film sensoriel magistralement monté, joué, pensé et mis en scène.

10:12 Écrit par Sandra Mézière dans IN THE MOOD FOR NEWS | Lien permanent | Commentaires (0) | |  del.icio.us | | Digg! Digg |  Facebook | | |  Imprimer | | Pin it! |

68ème Festival de Cannes - Critique de ELLE S’EN VA d’Emmanuelle Bercot en attendant "La tête haute" (film d'ouverture)

 

Un film avec Catherine Deneuve est en soi déjà toujours une belle promesse, une promesse d’autant plus alléchante quand le film est réalisé par Emmanuelle Bercot dont j’avais découvert le cinéma avec « Clément », présenté à Cannes en 2001, dans le cadre de la Section Un Certain Regard, alors récompensé du Prix de la jeunesse dont je faisais justement partie cette année-là, l’histoire poignante et  délicate (et délicatement traitée) de l’amour d’un adolescent pour une femme d’âge plus mûr (d’ailleurs interprétée avec beaucoup de justesse par Emmanuelle Bercot). Une histoire intense dont chaque plan témoignait, transpirait de la ferveur amoureuse qui unissait les deux protagonistes. Puis, il y a eu « Backstage », et l’excellent scénario de « Polisse » dont elle était coscénariste.

L’idée du road movie avec Catherine Deneuve m’a tout d’abord fait penser au magistral « Je veux voir » de Joana Hadjithomas et Khalil Joreige dans lequel le dernier regard de Catherine Deneuve à la fois décontenancé et ébloui puis passionné, troublé, troublant est un des plus beaux plans qu’il me soit arrivé de voir au cinéma contenant une multitude de possibles et toute la richesse de jeu de l’actrice.  « Elle s’en va » est un road movie centré certes aussi sur Catherine Deneuve mais très différent et né du désir « viscéral » de la filmer (elle n’est sans doute pas la seule mais nous comprenons rapidement pourquoi l’actrice a accepté ici) comme l’a précisé la réalisatrice avant la projection.

L’actrice incarne ici Bettie (et non Betty comme celle de Chabrol), restauratrice à Concarneau, veuve (je vous laisse découvrir comment…), vivant avec sa mère (Claude Gensac !) qui la traite encore comme une adolescente. L’amant de Bettie vient de  quitter sa femme… pour une autre qu’elle. Sa mère envahissante, son chagrin d’amour, son restaurant au bord de la faillite vont la faire quitter son restaurant, en plein service du midi, pour aller « faire un tour » en voiture, puis pour acheter des cigarettes. Le tour du pâté de maisons se transforme bientôt en échappée belle. Elle va alors partir sur les routes de France, et rencontrer toute une galerie de personnages dans une France qui pourrait être celle des « sous-préfectures » du « Journal de France » de Depardon. Et surtout, son voyage va la mener sur une voie inattendue…et nous aussi tant ce film est une surprise constante.

Après un premier plan sur Catherine Deneuve, au bord de la mer, éblouissante dans la lumière du soleil, et dont on se demande si elle va se « jeter à l’eau » (oui, d’ailleurs, d’une certaine manière), se succèdent  des plans montrant des commerces fermées et des rues vides d’une ville de province, un chien à la fenêtre, une poésie décalée du quotidien aux accents de Depardon. Puis Bettie apparaît dans son restaurant. Elle s’affaire, tourbillonne, la caméra ne la lâche pas…comme sa mère, sans cesse après elle. Bettie va ensuite quitter le restaurant pour ne plus y revenir. Sa mère va la lâcher, la caméra aussi, de temps en temps : Emmanuelle Bercot la filme sous tous les angles et dans tous les sens ( sa nuque, sa chevelure lumineuse, même ses pieds, en plongée, en contre-plongée, de dos, de face, et même à l’envers) mais alterne aussi dans des plans plus larges qui la placent dans des situations inattendues dans de « drôle[s] d’endroit[s] pour une rencontre », y compris une aire d’autoroute comme dans le film éponyme.

Si l’admiration de la réalisatrice pour l’actrice transpire dans chaque plan, en revanche « Elle s’en va » n’est pas un film nostalgique sur le « mythe » Deneuve mais au contraire ancré dans son âge, le présent, sa féminité, la réalité. Emmanuelle Bercot n’a pas signé un hommage empesé mais au contraire un hymne à l’actrice et à la vie. Avec son jogging rouge dans « Potiche », elle avait prouvé (à ceux qui en doutaient encore) qu’elle pouvait tout oser, et surtout jouer avec son image d’icône.  « Elle s’en va » comme aurait pu le faire craindre son titre (le titre anglais est « On my way ») ne signifie ainsi ni une révérence de l’actrice au cinéma (au contraire, ce film montre qu’elle a encore plein de choses à jouer et qu’elle peut encore nous surprendre) ni un film révérencieux, mais au contraire le film d’une femme libre sur une autre femme libre. Porter une perruque improbable, se montrer dure puis attendrissante et s’entendre dire qu’elle a dû « être belle quand elle était jeune » (dans une scène qui aurait pu être glauque et triste mais que la subtilité de l’écriture et de l’interprétation rendent attendrissante )…mais plus tard qu’elle sera « toujours belle même dans la tombe. » : elle semble prendre un malin plaisir à jouer avec son image.

Elle incarne ici un personnage qui est une fille avant d’être une mère et une grand-mère, et surtout une femme libre, une éternelle amoureuse.  Au cours de son périple, elle va notamment rencontrer un vieil agriculteur (scène absolument irrésistible tout comme sa rencontre d’une nuit, belle découverte que Paul Hamy qui incarne l’heureux élu). Sa confrontation avec cette galerie de personnages incarnés par des non professionnels pourrait à chaque fois donner lieu à un court-métrage tant ce sont de savoureux moments de cinéma, mais une histoire et un portrait se construisent bel et bien au fil de la route. Le film va ensuite prendre une autre tournure lorsque son petit-fils l’accompagnera dans son périple. En découvrant la vie des autres, et en croyant fuir la sienne, elle va au contraire lui trouver un nouveau chemin, un nouveau sens, être libérée  du poids du passé.

Si le film est essentiellement interprété par des non professionnels (qui apportent là aussi un naturel et un décalage judicieux), nous croisons aussi Mylène Demongeot (trop rare), le peintre  Gérard Garouste et la chanteuse Camille (d’ailleurs l’interprète d’une chanson qui s’intitule « Elle s’en va » mais qui n’est pas présente dans le film) dans le rôle de la fille cyclothymique de Bettie  et enfin  Nemo Schiffman, irréprochable dans le rôle du petit-fils. Ajoutez à cela une remarquable BO et vous obtiendrez un des meilleurs films de l’année 2013.

Présenté en compétition officielle de la Berlinale 2013 et en compétition du Champs-Elysées Film Festival 20013, « Elle s’en va » a permis à Catherine Deneuve de recevoir le prix coup de cœur du Festival de Cabourg 2013.

« Elle s’en va » est d’abord un magnifique portrait de femme sublimant l’actrice qui l’incarne en la montrant paradoxalement plus naturelle que jamais, sans artifices, énergique et lumineuse, terriblement vivante surtout.  C’est aussi une bouffée d’air frais et d’optimisme qui montre que soixante ans ou plus peut être l’âge de tous les possibles, celui d’un nouveau départ. En plus d’être tendre (parfois caustique mais jamais cynique ou cruel grâce à la subtilité de l’écriture d’Emmanuelle Bercot et le jeu nuancé de Catherine Deneuve), drôle et émouvant, « Elle s’en va »  montre que , à tout âge, tout peut se (re)construire, y compris une famille et un nouvel amour.  « Elle s’en va » est de ces films dont vous ressortez émus et le sourire aux lèvres avec l’envie d’embrasser la vie . Un bonheur ! Et un bonheur rare. Le film sort en salles le 18 septembre. Ne le manquez pas.

10:11 Écrit par Sandra Mézière dans IN THE MOOD FOR NEWS | Lien permanent | Commentaires (0) | |  del.icio.us | | Digg! Digg |  Facebook | | |  Imprimer | | Pin it! |

06/05/2015

Le programme complet du 68ème Festival de Cannes détaillé et commenté

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Dans quelques jours, pour la quinzième année consécutive, j’aurai à nouveau le bonheur d’entrer dans le mythique et vertigineux Théâtre Lumière (rénové cette année). Et pour la quinzième année consécutive, je sais déjà que, lorsque la lumière de la salle s’éteindra, pendant cette courte seconde avant que s’allume l’écran, cette seconde où le souffle de la salle est suspendu à ces premières images qui nous embarqueront pour un nouvel univers, un nouveau monde, une nouvelle aventure, mon cœur de cinéphile, une nouvelle fois, battra la chamade.

Chaque premier film vu au Grand Théâtre Lumière -et celui de cette 68ème édition (donc le film d’ouverture, « La tête haute » d’Emmanuelle Bercot, que j’attends avec beaucoup d’impatience après son dernier film « Elle s’en va » qui fut pour moi le meilleur de l’année 2013, cf ma critique en bas de cet article) ne dérogera pas à la règle- est comme une douce réminiscence de la première fois où, en 2001( invitée pour tout le festival après avoir remporté le concours du prix de la jeunesse), j’ai découvert, émerveillée, ce lieu qui pour moi représentait la quintessence du cinéma mais aussi un cénacle inaccessible que je regardais à travers l’écran de télévision depuis l’enfance.

Dans quelques jours, à nouveau, je me laisserai emportée par ce délicieux et vertigineux tourbillon du cinéma, cette parenthèse enchantée qui, paradoxalement, éloigne tant de la réalité et nous la montrera chaque jour sur grand écran, glaçante, flamboyante, terrifiante, émouvante, agaçante même peut-être aussi, mais ne nous laissant jamais indifférents. Le Festival de Cannes est et reste la plus belle et fascinante fenêtre ouverte sur le cinéma et sur le monde dont ce festival met en lumière les ombres et les blessures.

J’entends déjà le petit cliquetis lorsque les contrôleurs scannent les badges à l’entrée de la salle Debussy ou du Grand Théâtre Lumière comme un passeport pour le paradis, celui des cinéphiles.

Je m’imagine déjà me laissant envoûter par le lever du soleil en allant à la première projection presse du matin sur une Croisette alors étrangement déserte en ayant l’impression que le monde m’appartient, feignant d’oublier ou oubliant réellement peut-être, hypnotisée, que ce tourbillon enivrant de cinéma ne durera pas toujours et que des illusions s’y perdent, aussi, oubliant l’espace de 11 jours, que la vraie vie n’est pas du cinéma ou n’est pas que du cinéma, oubliant qu’existe une frontière entre le jour et la nuit, la fiction et la réalité, mes souvenirs et mon imaginaire.

J’imagine déjà, ce moment que j’aime tant, à la fin du film où, aussi, la salle retient son souffle, avant de se taire ou d’applaudir, et ce moment qui lui succède lorsque les applaudissements semblent ne devoir jamais arrêter leur course folle tels une vague de bonheur.

Je m’imagine déjà redécouvrir des classiques du cinéma (très belle sélection de Cannes Classics à nouveau cette année à découvrir ci-dessous avec, en bonus, ma critique de « Rocco et ses frères » de Visconti qui sera projeté en version restaurée).

Je m’imagine déjà découvrir des bijoux du septième art et en être exaltée, être heurtée, brusquée par un film et en être exaltée, aussi, malgré tout, gravir les marches les plus célèbres du monde au son de la musique sous un soleil éblouissant et, l’espace d’un instant, être envahie par l’irréalité étincelante que procure ce moment qui suspend le vol du temps, entendre Aquarium de Camille de Saint-Saëns et savoir que la magie va à nouveau opérer, sortir d’une projection tardive, un peu étourdie, éblouie, arpenter la Croisette et avoir l’impression de me retrouver dans un film de Fellini.

Comme chaque année, il faudra faire des choix cornéliens. Je privilégierai donc la Sélection officielle et surtout la compétition officielle et Un Certain Regard (vous trouverez, ci-dessous, dans mon compte rendu de la conférence de presse mes attentes concernant la sélection officielle) en espérant avoir le temps de revoir quelques classiques à Cannes Classics et de voir quelques films des sélections parallèles, notamment, à la Semaine de la Critique « Les Anarchistes » de Elie Wajeman, avec Tahar Rahim et Adèle Exarchopoulos ou encore « Ni le ciel ni la terre » de Clément Cogitore, un film avec Jérémie Rénier et Kevin Azaïs qui se déroule en pleine guerre d’Afghanistan mais aussi, à la Quinzaine des Réalisateurs : « L’Ombre des femmes. » de Philppe Garrel, en ouverture mais aussi le très attendu « Les Cowboys » de Thomas Bidegain avec François Damiens et « Le Tout Nouveau Testament » de Jaco Van Dormael… J’assisterai  aussi à quelques conférences de presse que je commenterai en direct.

Cette année, comme chaque année, je vous parlerai quotidiennement du festival sur http://inthemoodforfilmfestivals.com et sur les réseaux sociaux :

-twitter: sur @moodforcinema -compte principal- et @moodforcannes -mon compte uniquement consacré au festival

- mais aussi sur instagram : http://instagram.com/sandra_meziere

-sans oublier ma page Facebook entièrement  consacrée au festival : http://facebook.com/inthemoodforcannes .

Vous pouvez aussi toujours lire les 13 nouvelles de mon recueil sur le cinéma « Ombres parallèles » dont 4 se déroulent au Festival de Cannes, disponible dans toutes les librairies numériques (fnac, relay, Amazon etc) ou, ici, directement chez mon éditeur.

Vous pourrez me retrouver dès le 11 Mai en direct de la Croisette. J’aurai aussi le plaisir de participer à quelques opérations exceptionnelles dont je vous reparlerai et d’avoir des accès privilégiés à de nombreux événements diurnes et nocturnes. Je serai donc plus que jamais « in the mood for Cannes ». A suivre !

Compte rendu de la conférence de presse du 68ème Festival de Cannes (auquel j’ai intégré les compléments de sélection et les compositions des divers jurys annoncés après la conférence)

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Comme chaque année, j’avais le plaisir d’assister à la conférence de presse du Festival de Cannes qui, pour la troisième année consécutive, se déroulait à l’UGC Normandie, sur les Champs-Elysées. Lors de mon entrée dans la salle a résonné « Aquarium » de Saint-Saëns, réminiscence de tant d’inoubliables instants cinéphiliques, une musique qui me renvoie à chaque fois à l’émotion qui m’a étreinte lorsque j’ai découvert Le Grand Théâtre Lumière, pour la première fois, il y a 15 ans déjà, émotion renouvelée chaque année lorsque j’arrive à Cannes et redécouvre cette ville qui, l’espace d’une quinzaine, ne vit et vibre qu’au rythme du cinéma. A peine arrivée et j’y étais déjà…

Une heure avant l’annonce de la sélection, la salle était fébrile déjà, chacun y allant de ses pronostics, constatant aussi que pour la première fois des images nous seraient projetées. A 11H, sont arrivés Pierre Lescure, le nouveau Président du Festival de Cannes qui succède à Gilles Jacob (qui continue néanmoins de présider la Cinéfondation et de faire partie du Conseil d’administration du festival) et Thierry Frémaux, le bouillonnant et enthousiaste délégué général, toujours fidèle au poste.

 

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Après avoir longuement évoqué les partenaires privés du festival, Pierre Lescure a laissé la parole à Thierry Frémaux qui, fidèle à la tradition, a dévoilé la sélection de ce 68ème Festival de Cannes avant laquelle nous avons eu droit à un enthousiasmant bonus : la projection du segment qu’avaient réalisé les frères Coen, présidents du jury du Festival de Cannes 2015, pour « Chacun son cinéma », le film « à sketchs » réalisé pour l’anniversaire du festival en 2007, une déclaration d’amour et d’humour décalé au cinéma avec Josh Brolin. Quel plaisir de revoir ce court, « World cinema » qui contient la singularité réjouissante de l’univers des Coen (vous pourrez également le voir dans la vidéo de la conférence ci-dessus, ne vous en privez pas !).

Comme chaque année, c’est un prestigieux jury qui aura la lourde et passionnante tâche de choisir la palme d’or parmi les films en compétition officielle. Nous savions déjà que le jury serait présidé par Ethan et Joel Coen. Ils seront cette année entourés de sept personnalités du cinéma mondial venues du Canada, d’Espagne, des États-Unis, de France, du Mali, du Mexique et du Royaume-Uni. Le Jury sera donc composé de quatre femmes et cinq hommes. Ce sont ainsi neuf voix singulières qui s’exprimeront, chaque membre du Jury disposant du même droit de vote. Il aura à départager les films en Compétition pour composer le Palmarès, culminant avec la Palme d’or, qui sera annoncé sur scène lors de la cérémonie de Clôture du Festival, dimanche 24 mai. Un jury professionnel et glamour. Les festivaliers auront également le plaisir de retrouver Xavier Dolan, prix du jury du festival l’an passé avec « Mommy » dont, pour l’occasion, je vous propose à nouveau ma critique ici.

 Joel & Ethan Coen – Présidents
(Réalisateurs, Scénaristes, Producteurs – États-Unis)
Rossy de Palma (Actrice – Espagne)
Sophie Marceau (Actrice, Réalisatrice – France)
Sienna Miller (Actrice – Royaume-Uni)
Rokia Traoré (Auteur, Compositeur, Interprète – Mali)
Guillermo del Toro (Réalisateur, Scénariste, Producteur – Mexique)
Xavier Dolan (Réalisateur, Scénariste, Producteur, Acteur – Canada)
Jake Gyllenhaal (Acteur – Etats-Unis)
 

C’est l’actrice française Sabine Azéma, inénarrable notamment dans les films d’Alain Resnais et notamment récemment dans le formidable « Vous n’avez encore rien vu »( ma critique, ici) présenté à Cannes en compétition en 2012, qui présidera cette année le Jury de la Caméra d’or, en charge de désigner le meilleur premier film présenté à Cannes. Après Bong Joon-Ho, Gael García Bernal, Carlos Diegues et Nicole Garcia, c’est donc Sabine Azéma qui présidera ce jury. Elle sera entourée de la réalisatrice Delphine Gleize, du comédien Melvil Poupaud, de Claude Garnier qui représente l’Association Française des directeurs de la photographie Cinématographique (AFC), Didier Huck, qui représente la Fédération des Industries du Cinéma, de l’Audiovisuel et du Multimédia (FICAM), Yann Gonzalez, qui représente la Société des Réalisateurs de Films (SRF) et Bernard Payen, qui représente le Syndicat Français de la Critique de Cinéma (SFCC). La Caméra d’or, créée en 1978, est attribuée au meilleur premier film présenté en Sélection officielle (Compétition, Hors-Compétition et Un Certain Regard), à La Semaine de la Critique ou à la Quinzaine des Réalisateurs, ce qui représente en 2015 un total de 26 films. Ont déjà reçu la caméra d’or: Jim Jarmusch, Mira Nair, Naomi Kawase, Bahman Ghobadi ou Steve McQueen. En 2014, c’est le film français tourbillonnant Party Girl, présenté en Sélection officielle Un Certain Regard, qui a été récompensé. La Caméra d’or 2015 sera remise par la Présidente du Jury lors de la Cérémonie du Palmarès, dimanche 24 mai.

 Thierry Frémaux a évoqué l’hommage que le festival rendrait aux frères Lumière dès l’ouverture et aux 120 ans de leur invention (à voir en ce moment : une exposition au Grand Palais dont je vous reparlerai).

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Chaque année, la sélection de Cannes Classics est en  effet toujours un ravissement pour les cinéphiles et, chaque année, entre deux séances de la compétition officielle, j’essaie d’en voir quelques séances. Y règne toujours une atmosphère particulière. Cette année ne devrait pas déroger à la règle puisque:

-Costa-Gavras en sera l’ invité d’honneur

– sera proposée une célébration croisée d’Ingrid Bergman et d’Orson Welles

– Ousmane Sembène le « père du cinéma africain » sera également à l’honneur

– Gaumont sera aussi à l’honneur

-mais encore…Hitchcock, Truffaut, des Argentins, des Russes, des Hongrois, des projections en plein air, Marcel Pagnol, Julien Duvivier, des documentaires sur le cinéma, des restaurations en provenance du monde entier, La Légende de la Palme d’or et les 120 ans du Cinématographe Lumière, bref de quoi faire tourner la tête des amoureux du cinéma.

Je vous laisse découvrir le programme détaillé en bas de cette page et, en bonus,  ma critique de  « Rocco et ses frères » de Visconti, une projection de sa copie restaurée à ne pas manquer

Nous savons également désormais que, à l’occasion de la Cérémonie d’ouverture du 68ème Festival de Cannes, et pour célébrer les 120 ans du Cinéma, Benjamin Millepied, Directeur de la danse à l’Opéra de Paris, va chorégraphier la scène d’amour de VERTIGO (SUEURS FROIDES), chef-d’œuvre d’Alfred Hitchcock. Lors de la conférence de presse de Canal plus ont en effet été annoncées une cérémonie d’ouverture et une cérémonie de clôture exceptionnelles, de véritables spectacles. Ce ballet exceptionnel sera  créé pour Janie Taylor (New York City Ballet), Léonore Baulac (Opéra de Paris), Morgan Lugo (LA Dance Project) et 14 danseurs. La cérémonie d’ouverture sera diffusé Mercredi 13 mai à 19H00, en clair et en direct sur CANAL+ Une cérémonie présentée par Lambert Wilson aux côtés des présidents de cette 68ème édition Joel et Ethan Coen et de leur jury.

Thierry Frémaux a d’abord précisé que 1 854 films ont été envoyés cette année au comité de sélection (1000 il y a 10 ans) et que dix-sept films sont pour l’instant en compétition pour la Palme d’or. D’autres pourraient compléter cette liste avant la fin avril. « Nous allons vous annoncer 90% de la sélection. C’est un processus lent qui se termine de manière fulgurante », a précisé Thierry Frémaux. « Il y a des films arrivés il y a 2 jours que nous n’avons pas encore eu le temps de voir », a-t-il ajouté précisant qu’il manquait encore 2 à 4 films en compétition officielle. « Cette sélection est belle, nouvelle, prend des risques et dit des choses sur l’état de la création mondiale. Elle a pour mission de poser des noms, des films, des pays nouveaux sur le cinéma mondial. Et d’ailleurs, elle fait la part belle aux premiers films».

Pour la caméra d’or (prix du meilleur premier film parmi les différentes sélections) : entre 15 et 25 films seront en lice. (Avec le complément de sélection ajouté à cet article, il y aura finalement 19 films en compétition officielle et 19 films à Un Certain Regard).

« Nous n’annoncerons pas le film de clôture mais je peux dire qu’il reviendra sur ces questions d’environnement. » a également annoncé Thierry Frémaux.

Nous savons désormais que, Luc Jacquet, le réalisateur oscarisé de  « La Marche de l’empereur », présentera ainsi son quatrième long métrage, La Glace et le ciel en Clôture du 68e Festival de Cannes, dimanche 24 mai dans le Grand Théâtre Lumière du Palais des Festivals. Une projection dont la perspective me réjouit tout particulièrement puisque c’est LE film du Showeb qui avait attiré le plus mon attention.

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Et pour ceux qui aiment voir des polémiques là où il n’y a pas lieu d’en avoir, Thierry Frémaux a précisé que, contrairement à la rumeur, il ne voulait pas interdire les selfies mais «ralentir cette pratique souvent extrêmement ridicule et grotesque, pour des problèmes de timing».

Thierry Frémaux a d’abord annoncé les séances de minuit parmi lesquelles « Amy » de Asif Kapadia, un documentaire consacré à Amy Winehouse.

En séance spéciale, nous retrouverons notamment Natalie Portman pour son film « D’amour et de ténèbres », une adaptation du livre d’Amos Oz et Samuel Benchetrit pour « Asphalte ».

Hors compétition, et comme toujours hors compétition, (Thierry Frémaux, une fois de plus, a tenté de le convaincre…en vain) Woody Allen présentera son nouveau film « Irrational man ». Au casting : Joaquin Phoenix, Emma Stone et Parker Posey avec un pitch très woodyallenien : « La relation tumultueuse entre un professeur de philosophie en pleine crise existentielle et sa jeune étudiante, dans une université de campagne. »

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Nous savions par ailleurs déjà que « Mad Max : fury road »de George Miller serait présenté hors compétition.

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Comme toujours « Un Certain Regard » se distingue par son bel éclectisme. Cette année ne dérogera pas à la règle avec, notamment le nouveau film de Kiyoshi Kurosawa « Vers l’autre rive » ou un premier film, de Laurent Larivière, « Je suis un soldat ».

Thierry Frémaux a ensuite annoncé la compétition officielle en précisant que ce serait une année phare pour le cinéma français avec 4 films français en compétition. « Le cinéma français cette année était absolument formidable. On aurait pu en mettre 7″ a-t-il ainsi déclaré. Nous retrouverons ainsi Jacques Audiard, un habitué du festival, mais aussi Maïwenn (prix du jury en 2011 pour « Polisse »), Valérie Donzelli et un autre petit nouveau dans la compétition officielle, Stéphane Brizé. Il y aura  finalement 5 films français puisque, dans le complément de sélection,  annoncé après la conférence a été ajouté le film de Guillaume Nicloux « Valley of love » avec Gérard Depardieu et Isabelle Huppert.

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Trois cinéastes italiens seront en lice cette année, confirmant l’inventivité et la bonne santé du cinéma transalpin avec trois grands cinéastes qui ont déjà eu les honneurs de la compétition : Matteo Garrone, Nanni Moretti, Paolo Sorrentino.

« La tête haute » d’Emmanuelle Bercot fera l’ouverture du festival et sera hors compétition, rompant avec « les codes habituels de l’ouverture : populaire, glamour et spectaculaire » même si le glamour sera là avec Catherine Deneuve (qui était déjà l’actrice principale de son dernier film « Elle s’en va » et qui joue dans le film d’Emmanuelle Bercot (une première, celle-ci sera ainsi réalisatrice du film d’ouverture et actrice principale d’un des films de la compétition), un film dont vous pourrez retrouver ma critique en bas de cet article, l’occasion pour moi à nouveau de vous recommander le dernier film de cette dernière, « Elle s’en va » donc, pour moi le meilleur film de l’année 2013, une cinéaste dont j’apprécie tout particulièrement le travail depuis que j’avais découvert son film « Clément » lors de ma première participation au Festival de Cannes, dans le cadre du prix de la jeunesse, en 2001, qu’elle avait alors remporté. « D’emblée, le festival commencera avec un film qu’on aurait pu trouver en compétition », a ainsi souligné Thierry Frémaux.

Une sélection particulièrement prometteuse et diversifiée qui devrait faire taire les habituels grincheux puisqu’y figurent des femmes, un premier film et des petits nouveaux avec, parmi les17 films pour l’instant en lice, ceux que j’attends le plus :

-« Dheepan » de Jacques Audiard : une libre inspiration des « Lettres Persanes » de Montesquieu ou le regard sur la société française d’un réfugié sri-lankais débarqué dans une cité de banlieue parisienne, avec uniquement des acteurs « inconnus ». Jacques Audiard a reçu le Grand prix du jury du Festival de Cannes en 2009 et il était en compétition en 2012 avec « De rouille et d’os ».

- Valley of love de Guillaume Nicloux, avec Gérard Depardieu et Isabelle Huppert. Synopsis:  Isabelle et Gérard ont perdu leur fils il y a six mois. Pourtant, ce dernier leur a adressé une lettre dans laquelle il donne rendez-vous à ses parents dans « La vallée de la mort », en plein coeur des Etats-Unis. Malgré l’absurdité de la situation, le père et la mère ont décidé de s’y rendre et de l’attendre.

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– « Mia madre » de Nanni Moretti : (Palme d’or en 2001 avec « La Chambre du fils ») avec Margherita Buy, John Turturro et Nanni Moretti. Sur les doutes d’une cinéaste en pleine crise créative et personnelle.

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- « The Sea of Trees » de Gus Van Sant (palme d’or du Festival de Cannes 2003 avec « Elephant »), un film avec Matthew McConaughey et Naomi Watts. L’histoire d’une rencontre entre un Américain et un Japonais dans «la forêt des suicides» au Japon, où convergent les hommes en détresse qui veulent mettre fin à leurs jours.

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– « La Loi du marché » de Stéphane Brizé avec Vincent Lindon dont il se murmure déjà qu’il serait un prétendant très sérieux au prix d’interprétation. Un film que j’attends avec impatience, suivant le réalisateur depuis ses débuts (son premier long métrage « Le bleu des villes » avait eu le prix Michel d’Ornano au Festival du Cinéma Américain de Deauville en 1999) et ayant aimé tous ses films, notamment « Mademoiselle Chambon » dans lequel Vincent Lindon excellait déjà et « Je ne suis pas là pour être aimé ». Ici, il raconte l’histoire de Thierry, qui, après 18 mois de chômage, commence un nouveau travail d’agent de sécurité dans un hypermarché. On va lui demander d’espionner ses collègues.

-Le film très truffaldien de Valérie Donzelli, « Marguerite et Julien », avec Jérémie Elkaïm et Anaïs Demoustier. Un film sur l’amour entre un frère et une sœur, qui devait initialement être réalisé par François Truffaut dans les années 70. Il s’agit de l’adaptation d’un fait divers, l’histoire de Julien et Marguerite de Ravalet, frère et sœur, exécutés en 1603 pour adultère et inceste.

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-Le film de Maïwenn, « Mon Roi » : une histoire d’amour passionnelle et compliquée d’un couple, avec Vincent Cassel et Emmanuelle Bercot.

– « The Tale Of Tales » (Il Racconto dei racconti») de Matteo Garrone avec Salma Hayek et Vincent Cassel. Il s’agira du premier film en anglais de Matteo Garrone et une libre adaptation des contes du XVIIème siècle de l’auteur italien Giambattista Basile.

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– « Moutains May Depart » (Shan He Gu Ren) du Chinois Jia Zhangke qui avait obtenu le prix du scénario pour « A Touch of Sin » en 2013. Ce nouveau film sera divisé en trois différentes périodes et traitera de l’évolution de la société chinoise.

-Chronic de Michel Franco (film ajouté après la conférence de presse, en complément de sélection) notamment avec Tim Roth. Synopsis: Un infirmier practicien qui assiste des patients en phase terminale tente de renouer des liens avec la famille qu’il a abandonnée.

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-« Macbeth », de Justin Kurzel, avec Michael Fassbender et Marion Cotillard (qui gravira donc les marches pour la 4ème année consécutive), une adaptation de la célèbre tragédie de Shakespeare.

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-« Louder Than Bombs » du Norvégien Joachim Trier (Oslo, 31 août) avec Jesse Eisenberg, Gabriel Byrne et Isabelle Huppert, autre habituée de Cannes. L’histoire d’un drame familial, qui propose les différents points de vue des membres de la famille face aux événements.

-« Youth » de Paolo Sorrentino, un film sur la vieillesse comme son titre ne l’indique pas dont les premières images vues au dernier Showeb me permettent déjà d’affirmer qu’il ne laissera personne indifférent…une fois de plus ! Un autre habitué de la Croisette qui avait déjà divisé ou électrisé (pour ma part) les festivaliers, en compétition officielle avec « This must be the place » il y a 4 ans et « La grande Bellezza » il y a 2 ans. Il avait par ailleurs reçu le prix du jury en 2008 pour « Il divo ».

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Parmi les curiosités de cette édition, il y aura « The Lobster » du Grec Yorgos Lanthimos avec Colin Farrell, Rachel Weisz et Léa Seydoux, un film qui raconte l’histoire de personnes ordinaires enfermées dans un hôtel et qui doivent trouver un partenaire en 45 jours, faute de quoi ils seront transformés en animal, un film selon Thierry Frémaux, « appartenant à cette tradition des films, fascinants, où on ne comprend pas tout ».

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« Son of Saul » (Saul Fia), du Hongrois Laszlo Nemes devrait aussi ne pas laisser les festivaliers insensibles. En 1944, un prisonnier hongrois forcé à travailler dans un des crématoriums d’Auschwitz tente de sauver des flammes le corps d’un garçon qu’il prend pour son fils.

Seront également en compétition officielle : Denis Villeneuve, Kore-Eda, Hou Hsiao Hsien, Todd Haynes.

« A priori il y aura 7 jurés plus 2 présidents jurés puisqu’il faut un nombre impair pour qu’une majorité se dégage » a enfin souligné Thierry Frémaux. Le jury devrait être connu dans les jours à venir…

Ci-dessous, retrouvez la sélection complète et mon article sur ce que nous savions déjà de cette édition 2015 avant la conférence : affiche, présidents du jury, Cinéfondation etc et quelques critiques de films liées à cette sélection.

Retrouvez le programme de la Semaine de la Critique 2015 en cliquant ici.

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Retrouvez le programme de la Quinzaine des Réalisateurs 2015 en cliquant ici.

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A lire également, mon article sur la conférence de presse de Canal plus au sujet de son dispositif à Cannes (avec notamment une cérémonie de clôture annoncée comme un véritable spectacle) et avec l’interview de Lambert Wilson, maître de cérémonie à nouveau cette année.

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Vous pourrez me suivre en direct du festival de l’ouverture à la clôture sur http://inthemoodforfilmfestivals.com et http://inthemoodforcannes.com et sur twitter (@moodforcannes et @moodforcinema).

Sélection officielle

En Compétition

Film d’ouverture    
     
Emmanuelle BERCOT LA TÊTE HAUTE
Hors Compétition
2h00
     
  ***  
     
Jacques AUDIARD DHEEPAN (TITRE PROVISOIRE) 1h49
     
Stéphane BRIZÉ LA LOI DU MARCHÉ 1h32
     
Valérie DONZELLI MARGUERITE ET JULIEN 1h50
     
Matteo GARRONE IL RACCONTO DEI RACCONTI
(TALE OF TALES)
2h05
     
Todd HAYNES CAROL 1h58
     
HOU Hsiao Hsien NIE YINNIANG
(THE ASSASSIN)
2h00
     
JIA Zhang-Ke SHAN HE GU REN
(MOUTAINS MAY DEPART)
2h00
     
KORE-EDA Hirokazu UMIMACHI DIARY
(NOTRE PETITE SOEUR)
2h03
     
Justin KURZEL MACBETH 1h53
     
Yorgos LANTHIMOS THE LOBSTER 1h58
     
MAÏWENN MON ROI 2h10
     
Nanni MORETTI MIA MADRE 1h42
     
László NEMES SAUL FIA
(LE FILS DE SAUL)1er film
1h47
     
Paolo SORRENTINO YOUTH 1h58
     
Joachim TRIER LOUDER THAN BOMBS
(PLUS FORT QUE LES BOMBES)
1h45
     
Gus VAN SANT THE SEA OF TREES 1h50
     
Denis VILLENEUVE SICARIO 1h45
     

 

 

Un Certain Regard

 

Neeraj GHAYWAN MASAAN
1er film
2h00
     
Grímur HÁKONARSON HRÚTAR
(RAMS)
1h30
     
KUROSAWA Kiyoshi KISHIBE NO TABI
(VERS L’AUTRE RIVE)
2h08
     
Laurent LARIVIÈRE JE SUIS UN SOLDAT
1er film
1h36
     
Dalibor MATANIC ZVIZDAN
(SOLEIL DE PLOMB)
2h03
     
Roberto MINERVINI THE OTHER SIDE 1h30
     
Radu MUNTEAN UN ETAJ MAI JOS
(L’ÉTAGE DU DESSOUS)
1h33
     
OH Seung-Uk MU-ROE-HAN
(THE SHAMELESS)
1h58
     
David PABLOS LAS ELEGIDAS
(THE CHOSEN ONES)
1h45
     
Ida PANAHANDEH NAHID
1er film
1h44
     
Corneliu PORUMBOIU COMOARA
(LE TRÉSOR)
1h30
     
Gurvinder SINGH CHAUTHI KOOT
(LA QUATRIÈME VOIE)
1h55
     
SHIN Suwon MADONNA 2h01
     
Alice WINOCOUR MARYLAND 1h40
     

 Complément de sélection Un Certain Regard

UN CERTAIN REGARD

Alias Maria de José Luis Rugeles Gracia

Taklub de Brillante Mendoza

Lamb de Yared Zeleke – 1er film et la première fois que l’Ethiopie figurera en sélection officielle

Cemetery of Splendour de Apichatpong Weerasethakul

AN de Naomi Kawase qui fera l’ouverture du Certain Regard

Hors Compétition

 

Woody ALLEN IRRATIONAL MAN
(UN HOMME IRRATIONNEL)
1h36
     
Pete DOCTER
Ronaldo DEL CARMEN
INSIDE OUT
(VICE-VERSA)
1h42
     
George MILLER MAD MAX : FURY ROAD 2h00
     
Mark OSBORNE
THE LITTLE PRINCE
(LE PETIT PRINCE)
1h48

 

Séances de minuit

 

HONG Won-Chan O PISEU
(OFFICE)
1er film
1h49
     
Asif KAPADIA AMY 2h07

« Love » de Gaspar Noé est ensuite venu s’ajouter à la liste.

 

 

Séances spéciales

 

Samuel BENCHETRIT ASPHALTE 1h40
     
Souleymane CISSE OKA 1h50
     
Elad KEIDAN HAYORED LEMA’ALA
(L’ESPRIT DE L’ESCALIER)1er film
1h45
     
Natalie PORTMAN SIPUR AL AHAVA VE CHOSHECH
(UNE HISTOIRE D’AMOUR ET DE TÉNÈBRES)
1er film
1h35
     
Barbet SCHROEDER AMNESIA 1h36
     
Pavle VUCKOVIC PANAMA
1er film
1h45

 

Complément de sélection

EN SÉANCE SPÉCIALE

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Une histoire de fou de Robert Guédiguian avec Simon Abkarian, Ariane Ascaride.

Synopsis: Berlin 1921, Talaat Pacha, principal responsable du génocide Arménien est exécuté dans la rue par Soghomon Thelirian dont la famille a été entièrement exterminée. Lors de son procès, il témoigne du premier génocide du 20ème siècle tant et si bien que le jury populaire l’acquitte. Soixante ans plus tard, Aram, jeune marseillais d’origine arménienne, fait sauter à Paris la voiture de l’ambassadeur de Turquie. Un jeune cycliste qui passait là par hasard, Gilles Tessier, est gravement blessé.Aram, en fuite, rejoint l’armée de libération de l’Arménie à Beyrouth, foyer de la révolution internationale dans les années 80. Avec ses camarades, jeunes arméniens du monde entier, il pense qu’il faut recourir à la lutte armée pour que le génocide soit reconnu et que la terre de leurs grands-parents leur soit rendue.Gilles, qui a perdu l’usage de ses jambes dans l’attentat, voit sa vie brisée. Il ne savait même pas que l’Arménie existait lorsqu’Anouch, la mère d’Aram, fait irruption dans sa chambre d’hôpital : elle vient demander pardon au nom du peuple arménien et lui avoue que c’est son propre fils qui a posé la bombe. Pendant que Gilles cherche à comprendre à Paris, Anouch devient folle de douleur à Marseille et Aram entre en dissidence à Beyrouth… jusqu’au jour où il accepte de rencontrer sa victime pour en faire son porte parole.

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Ce que nous savions déjà, avant la conférence :

En attendant de savoir quel film succédera au sublime « Winter sleep » de Nuri Bilge Ceylan dont vous pourrez lire ma critique en cliquant ici, voici un récapitulatif des premières informations sur cette édition 2015.

Dates du Festival de Cannes 2015

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L’affiche du Festival de Cannes 2015

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En 2013, c’étaient Joanne Woodward et Paul Newman qui étaient à l’honneur, sur l’affiche de la 66ème édition, avec une photo, d’une beauté étourdissante, prise sur le tournage de « A New Kind of Love » de Melville Shavelson, et qui nous invitait à un tourbillon de cinéma, à un désir infini de pellicule, le désir infini…comme celui (de cinéma) que suscite Cannes.

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En 2014, c’étaient Hervé Chigioni et son graphiste Gilles Frappier qui avaient conçu et réalisé l’affiche de la 67e édition du Festival de Cannes à partir d’un photogramme tiré de Huit et demi de Federico Fellini, qui fut présenté en Sélection officielle en 1963. Une affiche couleur sépia, hommage au cinéma d’hier, hommage au cinéma tout court, par cette judicieuse mise en abyme puisque l’affiche faisait écho à un film sur le cinéma…et quel film sur le cinéma! Mastroianni, en regardant par-dessus ses lunettes, avec son regard intense et malicieux, nous invitait à regarder, à nous plonger dans son regard, synonyme de toute la poésie et la singularité du 7ème art.

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C’est une actrice qui succède donc à Marcello Mastroianni, Ingrid Bergman qui regarde et sourit vers l’horizon.

Ingrid Bergman, In Her Own Words, un documentaire signé Stig Björkman (auteur de livres et documentaires sur Woody Allen et Ingmar Bergman) sera projeté dans le cadre de Cannes Classics.

Le Festival de Cannes s’associera au « Ingrid Bergman Tribute » qu’Isabella Rossellini, pour célébrer le centenaire de la naissance de sa mère, organisera en septembre prochain (Retrouvez en cliquant ici mes vidéos du Festival Lumière de Lyon 2014 lors duquel Isabella Rossellin a évoué Ingrid Bergman). Il s’agit d’un spectacle, mis en scène par Guido Torlonia et Ludovica Damiani, qui mêlera son autobiographie et les lettres de sa correspondance avec Roberto Rossellini. Il sera présenté dans les cinq villes qui ont compté dans la vie d’Ingrid Bergman : Stockholm, Rome, Paris, Londres et New York, et rassemblera sur scène, outre Isabella Rossellini, Jeremy Irons, Fanny Ardant, Christian De Sica et plusieurs autres comédiens. L’ensemble du spectacle sera annoncé lors du prochain Festival.

Voici le communiqué de presse du Festival au sujet de l’affiche:

Icône moderne, femme libre, actrice audacieuse, Ingrid Bergman fut à la fois star hollywoodienne et figure du néoréalisme, changeant de rôles et de pays d’adoption au gré de ses passions, sans jamais perdre ce qu’elle avait de grâce et de simplicité.

Sur l’affiche, l’actrice d’Alfred Hitchcock, (retrouvez ici ma critique du film « Les Enchaînés »)

, de Roberto Rossellini et d’Ingmar Bergman, qui a donné la réplique à Cary Grant, Humphrey Bogart ou encore Gregory Peck, se dévoile dans l’évidence de sa beauté, offrant un visage serein qui semble tourné vers un horizon de promesses.

Liberté, audace, modernité, autant de valeurs que revendique le Festival, année après année, à travers les artistes et les films qu’il choisit de mettre à l’honneur. Ingrid Bergman, qui fut Présidente du Jury en 1973, l’encourage dans cette voie…

« Ma famille et moi-même sommes très touchés que le Festival de Cannes ait choisi notre merveilleuse mère pour figurer sur l’affiche officielle, l’année du centenaire de sa naissance », déclare Isabella Rossellini. « Son exceptionnel parcours a couvert tant de pays, des petites productions artisanales européennes aux grandes machines hollywoodiennes. Maman adorait son métier d’actrice : pour elle, jouer la comédie n’était pas une profession mais une vocation. Elle disait : ‘Je n’ai pas choisi de jouer, c’est le jeu qui m’a choisie.’»

À partir d’une photographie de David Seymour, cofondateur de l’agence Magnum, Hervé Chigioni, déjà auteur de l’affiche remarquée de l’année dernière, signe la nouvelle image du Festival 2015 avec son graphiste Gilles Frappier.

Il a réalisé également un film d’animation à partir du visuel, sur un remix du thème musical du Festival, « Le Carnaval des animaux » de Camille Saint-Saëns, avec un arrangement imaginé par deux musiciens suédois, Patrik Andersson et Andreas Söderström.

Film d’ouverture: « La tête haute » d’Emmanuelle Bercot

LA TÊTE HAUTE de Emmanielle BercotLES FILMS DU KIOSQUE

Cette année, pour la deuxième fois de l’histoire du Festival de Cannes, c’est une réalisatrice qui fera l’Ouverture du Festival. C’est en effet le film de la française Emmanuelle Bercot, « La Tête haute », qui ouvrira, mercredi 13 mai prochain, la 68ème édition du Festival de Cannes après le Biopic d’Olivier Dahan sur Grace Kelly, l’an passé.

Cliquez ici pour lire mon récit de l’ouverture du 67ème Festival de Cannes.

Un film d’ouverture dont l’annonce me réjouit (Emmanuelle Bercot a notamment coécrit l’excellent scénario de « Polisse », réalisé le troublant « Clément » et « Elle s’en va » qui fut pour moi le meilleur film de l’année 2013 dont je vous propose ma critique ici) et dont vous pourrez retrouver ma critique ici la 13 Mai.

« La Tête haute » raconte le parcours éducatif de Malony, de six à dix-huit ans, qu’une juge des enfants et un éducateur tentent inlassablement de sauver.
Tourné dans le Nord-Pas de Calais, en Rhône-Alpes et en Ile de France, il compte dans sa distribution Catherine Deneuve, Benoît Magimel, Sara Forestier et Rod Paradot qui interprète le personnage principal.

Critique de « Elle s’en va » d’Emmanuelle Bercot

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Un film avec Catherine Deneuve est en soi déjà toujours une belle promesse, une promesse d’autant plus alléchante quand le film est réalisé par Emmanuelle Bercot dont j’avais découvert le cinéma avec « Clément », présenté à Cannes en 2001, dans le cadre de la Section Un Certain Regard, alors récompensé du Prix de la jeunesse dont je faisais justement partie cette année-là, l’histoire poignante et délicate (et délicatement traitée) de l’amour d’un adolescent pour une femme d’âge plus mûr (d’ailleurs interprétée avec beaucoup de justesse par Emmanuelle Bercot). Une histoire intense dont chaque plan témoignait, transpirait de la ferveur amoureuse qui unissait les deux protagonistes. Puis, il y a eu « Backstage », et l’excellent scénario de « Polisse » dont elle était coscénariste.

L’idée du road movie avec Catherine Deneuve m’a tout d’abord fait penser au magistral « Je veux voir » de Joana Hadjithomas et Khalil Joreige dans lequel le dernier regard de Catherine Deneuve à la fois décontenancé et ébloui puis passionné, troublé, troublant est un des plus beaux plans qu’il me soit arrivé de voir au cinéma contenant une multitude de possibles et toute la richesse de jeu de l’actrice. « Elle s’en va » est un road movie centré certes aussi sur Catherine Deneuve mais très différent et né du désir « viscéral » de la filmer (elle n’est sans doute pas la seule mais nous comprenons rapidement pourquoi l’actrice a accepté ici) comme l’a précisé la réalisatrice avant la projection.

L’actrice incarne ici Bettie (et non Betty comme celle de Chabrol), restauratrice à Concarneau, veuve (je vous laisse découvrir comment…), vivant avec sa mère (Claude Gensac !) qui la traite encore comme une adolescente. L’amant de Bettie vient de quitter sa femme… pour une autre qu’elle. Sa mère envahissante, son chagrin d’amour, son restaurant au bord de la faillite vont la faire quitter son restaurant, en plein service du midi, pour aller « faire un tour » en voiture, puis pour acheter des cigarettes. Le tour du pâté de maisons se transforme bientôt en échappée belle. Elle va alors partir sur les routes de France, et rencontrer toute une galerie de personnages dans une France qui pourrait être celle des « sous-préfectures » du « Journal de France » de Depardon. Et surtout, son voyage va la mener sur une voie inattendue…et nous aussi tant ce film est une surprise constante.

Après un premier plan sur Catherine Deneuve, au bord de la mer, éblouissante dans la lumière du soleil, et dont on se demande si elle va se « jeter à l’eau » (oui, d’ailleurs, d’une certaine manière), se succèdent des plans montrant des commerces fermées et des rues vides d’une ville de province, un chien à la fenêtre, une poésie décalée du quotidien aux accents de Depardon. Puis Bettie apparaît dans son restaurant. Elle s’affaire, tourbillonne, la caméra ne la lâche pas…comme sa mère, sans cesse après elle. Bettie va ensuite quitter le restaurant pour ne plus y revenir. Sa mère va la lâcher, la caméra aussi, de temps en temps : Emmanuelle Bercot la filme sous tous les angles et dans tous les sens ( sa nuque, sa chevelure lumineuse, même ses pieds, en plongée, en contre-plongée, de dos, de face, et même à l’envers) mais alterne aussi avec des plans plus larges qui la placent dans des situations inattendues dans de « drôle[s] d’endroit[s] pour une rencontre », y compris une aire d’autoroute comme dans le film éponyme.

Si l’admiration de la réalisatrice pour l’actrice transpire dans chaque plan, en revanche « Elle s’en va » n’est pas un film nostalgique sur le « mythe » Deneuve mais au contraire ancré dans son âge, le présent, sa féminité, la réalité. Emmanuelle Bercot n’a pas signé un hommage empesé mais au contraire un hymne à l’actrice et à la vie. Avec son jogging rouge dans « Potiche », elle avait prouvé (à ceux qui en doutaient encore) qu’elle pouvait tout oser, et surtout jouer avec son image d’icône. « Elle s’en va » comme aurait pu le faire craindre son titre (le titre anglais est « On my way ») ne signifie ainsi ni une révérence de l’actrice au cinéma (au contraire, ce film montre qu’elle a encore plein de choses à jouer et qu’elle peut encore nous surprendre) ni un film révérencieux, mais au contraire le film d’une femme libre sur une autre femme libre. Porter une perruque improbable, se montrer dure puis attendrissante et s’entendre dire qu’elle a dû être belle quand elle était jeune » (dans une scène qui aurait pu être glauque et triste mais que la subtilité de l’écriture et de l’interprétation rendent attendrissante )…mais plus tard qu’elle sera « toujours belle même dans la tombe. » : elle semble prendre un malin plaisir à jouer avec son image.

Elle incarne ici un personnage qui est une fille avant d’être une mère et une grand-mère, et surtout une femme libre, une éternelle amoureuse. Au cours de son périple, elle va notamment rencontrer un vieil agriculteur (scène absolument irrésistible tout comme sa rencontre d’une nuit, belle découverte que Paul Hamy qui incarne l’heureux élu). Sa confrontation avec cette galerie de personnages incarnés par des non professionnels pourrait à chaque fois donner lieu à un court-métrage tant ce sont de savoureux moments de cinéma, mais une histoire et un portrait se construisent bel et bien au fil de la route. Le film va ensuite prendre une autre tournure lorsque son petit-fils l’accompagnera dans son périple. En découvrant la vie des autres, et en croyant fuir la sienne, elle va au contraire lui trouver un nouveau chemin, un nouveau sens, être libérée du poids du passé.

Si le film est essentiellement interprété par des non professionnels (qui apportent là aussi un naturel et un décalage judicieux), nous croisons aussi Mylène Demongeot (trop rare), le peintre Gérard Garouste et la chanteuse Camille (d’ailleurs l’interprète d’une chanson qui s’intitule « Elle s’en va » mais qui n’est pas présente dans le film) dans le rôle de la fille cyclothymique de Bettie et enfin Nemo Schiffman, irréprochable dans le rôle du petit-fils. Ajoutez à cela une remarquable BO et vous obtiendrez un des meilleurs films de l’année 2013.

Présenté en compétition officielle de la Berlinale 2013 et en compétition du Champs-Elysées Film Festival 20013, « Elle s’en va » a permis à Catherine Deneuve de recevoir le prix coup de cœur du Festival de Cabourg 2013.

« Elle s’en va » est d’abord un magnifique portrait de femme sublimant l’actrice qui l’incarne en la montrant paradoxalement plus naturelle que jamais, sans artifices, énergique et lumineuse, terriblement vivante surtout. C’est aussi une bouffée d’air frais et d’optimisme qui montre que soixante ans ou plus peut être l’âge de tous les possibles, celui d’un nouveau départ. En plus d’être tendre (parfois caustique mais jamais cynique ou cruel grâce à la subtilité de l’écriture d’Emmanuelle Bercot et le jeu nuancé de Catherine Deneuve), drôle et émouvant, « Elle s’en va » montre que , à tout âge, tout peut se (re)construire, y compris une famille et un nouvel amour. « Elle s’en va » est de ces films dont vous ressortez émus et le sourire aux lèvres avec l’envie d’embrasser la vie . Un bonheur ! Et un bonheur rare. Le film sort en salles le 18 septembre. Ne le manquez pas.

Présidents du jury: Ethan et Joel Coen

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Situation inédite (et réjouissante) cette année puisque ce n’est pas un président mais deux qui ont été annoncés: les frères Joel et Ethan Coen, de grands habitués de Cannes, lauréats de la palme d’or en 1991 avec « Barton Fink » et qui, récemment avaient obtenu le Grand prix (en 2013, pour « Inside Lleweyn Davis, dont vous retrouverez ma critique ci-dessous), ont accepté l’invitation du nouveau Président du festival Pierre Lescure et du Délégué général Thierry Frémaux de devenir le(s) Président(s) de la 68e édition du Festival. En cette année 2015, qui est celle de la célébration des 120 ans de l’invention du Cinématographe Lumière, le Festival de Cannes sera heureux de saluer ainsi, à travers les Coen, l’œuvre de tous les « frères du cinéma » qui depuis Louis et Auguste Lumière ont enrichi son histoire : outre Joel et Ethan Coen qui gagnèrent la Palme d’or en 1991, Paolo et Vittorio Taviani (en 1976) et Jean-Pierre et Luc Dardenne (en 1998 et en 2005) ont également remporté la récompense suprême.

Films des frères Coen présentés à Cannes:

2013 – INSIDE LLEWYN DAVIS – En Compétition – Longs Métrages Réalisation, Scénario & Dialogues

2007 – CHACUN SON CINÉMA – Hors Compétition Réalisation

2007 – NO COUNTRY FOR OLD MEN – En Compétition – Longs Métrages Réalisation, Scénario & Dialogues

2006 – PARIS, JE T’AIME – Un Certain Regard Réalisation

2004 – THE LADYKILLERS (LADYKILLERS) – En Compétition – Longs Métrages Réalisation, Scénario & Dialogues

2001 – THE MAN WHO WASN’T THERE – En Compétition – Longs Métrages Scénario & Dialogues

2000 – O BROTHER, WHERE ART THOU? – En Compétition – Longs Métrages Scénario & Dialogues

1996 – FARGO – En Compétition – Longs Métrages Scénario & Dialogues

1994 – THE HUDSUCKER PROXY (LE GRAND SAUT) – En Compétition – Longs Métrages Scénario & Dialogues

1991 – BARTON FINK – En Compétition – Longs Métrages Réalisation, Scénario & Dialogues

1987 – RAISING ARIZONA (ARIZONA JUNIOR) – Hors Compétition Scénario & Dialogues

Le Palmarès des frères Coen à Cannes:

2013 – Grand Prix – INSIDE LLEWYN DAVIS – En Compétition – Longs Métrages

2001 – Prix de la mise en scène – THE MAN WHO WASN’T THERE – En Compétition – Longs Métrages

1996 – Prix de la mise en scène – FARGO – En Compétition – Longs Métrages

1991 – Prix de la mise en scène – BARTON FINK – En Compétition – Longs Métrages

1991 – Palme d’or – BARTON FINK – En Compétition – Longs Métrages

CRITIQUE DE « INSIDE LLEWYN DAVIS »

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Après la Palme d’or pour « Barton Fink » et le prix de la mise en scène pour « Fargo », il serait étonnant que ce nouveau film des Coen ne figure pas au palmarès. Certains esprits chagrins s’offusquent régulièrement de la présence régulière, voire automatique, de certains grands cinéastes (dont les Coen) dans cette compétition mais comment ne pas choisir un film qui présente un tel niveau de maitrise et d’enchantement ?

« Inside Llewyn Davis » raconte une semaine de la vie d’un jeune chanteur de folk, Llewyn Davis (interprété par Oscar Isaac) dans l’univers musical de Greenwich Village en 1961. Seul avec sa guitare, sans logement, il lutte pour gagner sa vie comme musicien tandis qu’un hiver rigoureux sévit sur New York. Il survit de petits cachets et en étant hébergé chez des amis ou des inconnus. Son périple le conduira jusqu’à Chicago où il auditionnera pour le géant de la musique Bud Grossman (John Goodman)…

Cela commence en musique. Llewyn Davis chante au Gaslight Café, à New York. La scène est d’une beauté mélancolique déjà captivante. Le son est enregistré en direct. Oscar Isaac prête réellement sa voix à cette magnifique complainte folk. La caméra des Coen se glisse discrètement parmi les spectateurs. Nous prenons d’ores et déjà fait et cause pour Llewyn avant même de connaître ses malheurs qu’il collectionne : le chanteur avec qui il formait un duo s’est suicidé, il se fait tabasser, il n’a pas de logement, la femme de son meilleur ami (Carey Mullingan et Justin Timberlake) attend un enfant de lui, et il enregistre une chanson sur Kennedy qui fera un succès et dont il ne touchera pas les droits d’auteur sans parler du chat des amis qui l’hébergent qui s’échappe par sa faute…

Inside Llewyn Davis est largement inspiré de la vie du chanteur Dave Van Ronk, chanteur de folk à New-York qui a aussi vécu au sein de la classe ouvrière et a partagé sa vie entre sa passion pour la musique et un travail dans la marine marchande. Quelques-uns de ses titres figurent d’ailleurs dans le film. Majoritairement composée de reprises, la bande-originale d’ « Inside Llewyn Davis » est produite par le musicien T-Bone Burnett. Deuxième film des Coen sur la musique après « O’Brother », « Inside Llewyn Davis » a néanmoins un ton et une tonalité très différents.

Le Llewyn du film est un perdant attachant, intègre, vibrant de passion pour la musique. A l’image du chat qui va lui échapper, sa vie lui échappe. Ce chat esseulé et attendrissant qui va s’enfuir pour revenir à la maison est d’ailleurs un peu son double. Un chat qui s’appelle (évidemment pas innocemment) Ulysse. Le périple de Llewyn sera beaucoup plus bref que celui du héros de l’Odyssée. Plus bref mais d’une certaine manière héroïque, si on considère l’intégrité comme un héroïsme dans un monde où on propose sans cesse à l’artiste de vendre son âme au diable. Seulement l’intégrité ne mène nulle part. Malgré son talent, Llewyn sera condamné à jouer sur de petites scènes, à survivre, à être parfois -souvent- méprisé, y compris par sa propre soeur.

Chaque interprétation musicale par Oscar Isaac est un moment de grâce. De chaque morceau et de la mise en scène des Coen jaillit une mélancolie bouleversante. Des plans de toute beauté aussi comme celui de Llewyn seul avec sa guitare avançant dans des rues ternes et enneigés sous une lumière grisâtre. Même si ce film se classe donc plutôt dans la catégorie des films plus sérieux et mélancoliques des Coen, il nous offre également quelques moments de comédie burlesque irrésistibles, comme l’enregistrement de cette chanson sur Kennedy. On retrouve également l’humour grinçant des Coen lors du voyage de Llewyn pour Chicago avec un inénarrable duo de jazzmen dont l’un des personnages est interprété par John Goodman, incontournable acteur des films des Coen, d’une misanthropie réjouissante, sans parler de son chauffeur aux dialogues mémorables. La scène de l’audition est également tristement magique, ou quand le talent éclate face à un cynique et sinistre personnage totalement indifférent. Son parcours est ainsi jalonné de désillusions, ses rêves de gloire se transforment en cauchemar.

Oscar Isaac et Carey Mulligan se retrouvent à nouveau dans une relation difficile après « Drive » dans lequel ils étaient mari et femme. Ici, elle est constamment en colère et méconnaissable. Oscar Isaac est quant à lui prodigieux et apporte tout ce qu’il faut d’humanité, de mélancolie, de voix envoûtante, à ce personnage de perdant talentueux et attachant.

« Inside Llewyn Davis » est avant tout un magnifique hommage aux artistes, à ceux qui ne vivent et vibrent que pour leur art, au-delà de celui rendu à la musique folk. Un film porté par des comédiens magnifiques, une musique ensorcelante, un scénario habile, une mise en scène brillante. Bref, un des meilleurs films des frères Coen qui justifie entièrement sa présence en compétition. Un enchantement mélancolique assaisonné d’une note de burlesque. Un film qui transpire de l’amour des deux frères pour les artistes et l’art et qui leur permet de porter le leur à son paroxysme.

Présidente du jury Un Certain Regard – Isabelle Rossellini

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L’ actrice et réalisatrice italienne et américaine, Isabella Rossellini, présidera le Jury Un Certain Regard, Sélection officielle du Festival de Cannes dont la composition d’une vingtaine de films sera annoncée, avec celle de la Compétition, lors de la Conférence de presse du 16 avril prochain.

Le festival rend par ailleurs hommage à l’actrice suédoise Ingrid Bergman, mère d’Isabelle Rossellini, qui figure sur l’affiche de cette édition 2015.

A cette occasion, je vous propose de revoir mes vidéos de la passionnante master class qu’Isabella Rossellini a donnée lors du dernier Festival Lumière de Lyon 2014 et ma critique d’un des derniers films avec Isabella Rosseillini, « Two lovers » de James Gray.

Master class d’Isabella Rossellini au Festival Lumière de Lyon 2014

Président du jury de la Cinéfondation et des courts métrages: Abderrahmane Sissako

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En 2014, « Timbuktu », véritable chef d’œuvre, était projeté à Cannes, en compétition et il fut l’étonnant absent du palmarès mais le grand gagnant des César 215. Retrouvez, ci-dessous, ma critique de « Timbuktu ». Le réalisateur mauritanien Abderrahmane Sissako sera donc de retour pour la 68ème édition du Festival où il présidera le Jury de la Cinéfondation et des Courts métrages. Il succède dans ce rôle aux réalisateurs Abbas Kiarostami, Jane Campion, Michel Gondry, Hou Hsiao-hsien ou Martin Scorsese.

Critique de « Timbuktu »

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C’est dans le cadre du dernier Festival de Cannes où il figurait en compétition que j’ai découvert « Timbuktu » d’Abderrahmane Sissako, son cinquième long-métrage et le seul long-métrage africain en compétition de cette édition. J’en suis ressortie bouleversée, abasourdie d’éblouissement et d’émotions, persuadée que je venais de voir la palme d’or incontestable de cette 67ème édition tant chaque image, chaque visage y sont d’une beauté inouïe éclairant magnifiquement et brillamment les aspects les plus sombres de l’actualité. Quelle ne fut donc pas ma surprise d’apprendre que le jury de ce 67ème Festival de Cannes présidé par Jane Campion ne lui attribuait pas un seul prix. « Timbuktu » a néanmoins reçu le Prix du jury œcuménique et le Prix François-Chalais. En sélection hors compétition avec « Bamako » en 2006, après avoir présenté « Octobre » en 1993 et « En attendant le bonheur » en 2002, ayant également été membre du jury en 2007, le cinéaste est un habitué de la Croisette.

Au Mali, non loin de Tombouctou tombée sous le joug des extrémistes religieux, le berger touareg Kidane (Ibrahim Ahmed dit Pino) mène une vie simple et paisible dans les dunes, entouré de sa femme Satima (Toulou Kiki), de sa fille Toya (Layla Walet Mohamed) et de Issan (Mehdi Ah Mohamed), son petit berger âgé de 12 ans. Pendant ce temps, en ville, les habitants subissent, impuissants, le régime de terreur des Djihadistes. Kidane et les siens semblent un temps épargnés par le chaos de Tombouctou jusqu’au jour où Kidane tue accidentellement Amadou, le pêcheur qui s’en est pris à GPS, sa vache préférée. Il va alors subir les lois iniques et aberrantes des occupants.

« Ce que je veux, c’est témoigner en tant que cinéaste. Je ne peux pas dire que je ne savais pas, et, puisque maintenant je le sais, je dois raconter dans l’espoir qu’aucun enfant ne puisse apprendre plus tard que leurs parents peuvent mourir parce qu’ils s’aiment » a déclaré Abderrahmane Sissako dont l’envie de réaliser ce film a surgi après un fait réel survenu en juillet 2012, dans la petite ville d’Aguelhok au Mali. Un couple d’une trentaine d’années avait alors été placé dans deux trous creusés dans le sol en place publique, puis lapidé. Leur unique « faute » était d’avoir eu des enfants hors mariage. Choqué par la lapidation publique du couple mais aussi par l’absence de médiatisation de ce fait atroce, Abderrahmane Sissako a alors décidé de réaliser « Timbuktu».

Tout est contenu dans les premiers plans, prémonitoires : la beauté, la liberté, la grâce incarnées par une gazelle qui court poursuivie par des Djihadistes en jeep. « Ne la tuez pas, fatiguez-la ! », crie leur chef. Puis, des œuvres d’art détruites : des masques et statuettes qui servent de cible à des exercices de tir. La violence absurde, ridicule, terrible des fanatiques face à la culture, la poésie et la beauté.

Avec beaucoup d’intelligence et de pudeur, si rare au cinéma a fortiori quand il s’agit de traiter d’une actualité aussi grave, en refusant le spectaculaire, Sissako montre avec d’autant plus de force et de portée toute l’absurdité de cette violence. Il a aussi l’intelligence d’éviter tout manichéisme, de quérir et montrer la bonté derrière la cruauté comme ce Djihadiste qui danse tandis qu’un homme et une femme sont lapidés à mort. La beauté et la violence de la scène, enlacées, n’en sont alors que plus foudroyantes et convaincantes. Aux pires moments surgissent des éclairs d’humanité comme quand cet autre Djihadiste compatit lorsque Kidane parle de sa fille bientôt orpheline tout en refusant néanmoins que soit traduite sa phrase compatissante. Des contrastes judicieux entre sérénité et brutalité, poésie et violence, le fond et la forme, grâce notamment à une construction savamment orchestrée : soleil irradiant et illuminant une scène tragique, plan mis en parallèle avec le précédent illustrant la drôlerie tragique de l’absurdité fanatique, début et fin se répondant avec une logique et violence implacables. Aucun plan n’est superflu. Chaque plan est sidérant de beauté, de significations et de minutie.

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Il montre des fanatiques parfois courtois, mais surtout hypocrites (par exemple interdisant de fumer et fumant en cachette) et ridicules, parfois enfantins. La musique, les cigarettes, le football sont interdits. Les ordres, cocasses s’ils n’étaient dramatiquement réels, sont scandés par mégaphones. Des tribunaux rendent des sentences absurdes. Les femmes sont mariées de force ou encore obligées de porter des chaussettes et des gants…y compris la marchande de poissons qui résiste avec un courage inouï. L’équipe du film a, elle aussi, fait preuve de courage : le film, qui est sensé se situer à Tombouctou, a ainsi dû être tourné près de la frontière malienne, à l’extrême Est de la Mauritanie, dans un village hautement sécurisé. La folle Zabou est la seule femme à être épargnée. Interprétée par Kettly Noël, danseuse haïtienne installée à Bamako, faisant référence au tremblement de terre survenu le 12 janvier 2010 en Haïti, elle dit ainsi : « Le tremblement de terre, c’est mon corps. Je suis fissurée de partout ». Un autre chaos qui fait écho à celui, tout aussi ravageur, qui règne alors au Mali.

Chaque plan est un véritable tableau dont la beauté ahurissante et la sérénité apparente exacerbent davantage encore la cruauté de ce qu’il raconte. Que dire de ce plan large vertigineux de beauté et qui nous laisse le temps (d’admirer, d’éprouver, de réfléchir), suite à la mort du pêcheur, un plan digne des plus grands westerns qui nous fait éprouver la somptuosité douloureuse et tragique de l’instant. La beauté et la dignité l’emportent sur l’horreur, constamment. La beauté formelle du film pour raconter l’âpreté du quotidien devient alors un acte de résistance. Ces personnages qui se dressent contre l’horreur comme cette jeune fille flagellée parce qu’elle a chanté et qui se met à chanter tandis qu’elle subit son châtiment est ainsi un exemple de cette résistance, une scène qui a la force poignante de « la Marseillaise » chantée dans « Casablanca».

Sissako recours parfois aussi au burlesque pour montrer toute l’absurdité du fanatisme comme un écho à cette scène de « La vie est belle » de Benigni quand le petit garçon Giosué lit sur une vitrine « Entrée interdite aux juifs et aux chiens » et que Guido (Benigni) tourne l’inacceptable stupidité en dérision en déclarant qu’il interdirait son magasin « aux araignées et aux wisigoths ». De même, Sissako souligne aussi les contradictions grotesques des fanatiques qui interdisent la musique mais ne savent qu’en faire lorsqu’il s’agit de louanges au Dieu au nom duquel ils prétendent appliquer leur loi qui n’a pourtant rien à voir avec celle de la sagesse de l’imam de Tombouctou, impuissant face à ces horreurs et cette interprétation erronée de sa religion. Quelle intelligence faut-il pour réagir avec autant de sang-froid à une actualité aussi révoltante et brûlante sans tomber dans le mélodrame larmoyant, écueil magnifiquement évité par le cinéaste ?

Le film est aussi une ode à l’imaginaire, arme et ultime espoir comme ces jeunes qui miment un match de foot sans ballon alors que le football leur est interdit. La musique, splendide, d’Amine Bouhafa ajoute de l’ampleur et de la force à cette scène sublimée par la photographie de Sofiane El Fani (directeur de la photographie de « La vie d’Adèle) qui nimbe le film d’une douceur poétique enivrante. La justesse de l’interprétation (quelle ne fut pas ma surprise d’apprendre que beaucoup des acteurs du film sont non professionnels, parfois choisis à la dernière minute), l’expressivité des visages et la beauté qui émane de l’harmonie de la famille de Kidane renforcent encore la force du film et de ses messages.

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Laissez-vous à votre tour éblouir par la maîtrise époustouflante, par la beauté flamboyante, étourdissante, de Timbuktu, un film d’actualité empreint d’une poésie et d’une sérénité éblouissantes, de pudeur et de dérision salutaires, signifiantes : un acte de résistance et un magnifique hommage à ceux qui subissent l’horreur en silence. Sissako souligne avec intelligence et retenue la folie du fanatisme et de l’obscurantisme religieux contre lesquels son film est un formidable plaidoyer dénué de manichéisme, parsemé de lueurs d’humanité et finalement d’espoir, la beauté et l’amour sortant victorieux dans ce dernier plan bouleversant, cri de douleur, de liberté et donc d’espoir déchirant à l’image de son autre titre, sublime : « Le chagrin des oiseaux ». Le film de l’année. Bouleversant. Eblouissant. Brillant. Nécessaire.

Le maître de cérémonie(s): Lambert Wilson

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L’an passé, je vous avais raconté ici les cérémonies d‘ouverture et de clôture du 67ème Festival de Cannes et l’intelligence et l’élégance avec lesquelles Lambert Wilson les avait présentées.

Compte rendu de l’ouverture du 67ème Festival de Cannes

Compte rendu de la clôture du 67ème Festival de Cannes

Lambert Wilson fait sa première apparition à Cannes en 1985, avec Rendez-vous, d’André Téchiné. Il revient ensuite à plusieurs reprises en Sélection, en tant qu’interprète mais aussi comme Président du Jury Un Certain Regard (1999).

En 2010, lors du 63e Festival de Cannes, il bouleverse les festivaliers par sa performance dans Des hommes et des dieux de Xavier Beauvois, Grand Prix du Jury cette année-là et pour lequel Lambert Wilson sera nommé quelques mois plus tard pour le César du Meilleur acteur.

Je me réjouis donc d’apprendre qu’il sera à nouveau le maître de cérémonie cette année.

A cette occasion, je vous propose trois critiques de films d’Alain Resnais avec Lambert Wilson dont « Vous n’avez encore rien vu », mon immense coup de cœur du Festival de Cannes 2012.

Vous n'avez encore rien vu : affiche

Disons-le d’emblée, le film d’Alain Resnais était mon énorme coup de cœur de l’édition 2012 du Festival de Cannes avec « A perdre la raison » de Joachim Lafosse (section Un Certain Regard) et « J’enrage de son absence » de Sandrine Bonnaire (Semaine de la Critique). Bien sûr, il est difficile d’évincer (et de comparer) avec « Amour » et « De rouille et d’os » qui m’ont également enthousiasmée mais ce film a (et a suscité) ce quelque chose en plus, cet indicible, cet inexplicable que l’on pourrait nommer coup de foudre.

Après tant de grands films, des chefs d’œuvres souvent même, Alain Resnais prouve une nouvelle fois qu’il peut réinventer encore et encore le dispositif cinématographique, nous embarquer là où on ne l’attendait pas, jouer comme un enfant avec la caméra pour nous donner à notre tour ce regard d’enfant émerveillé dont il semble ne s’être jamais départi. A bientôt 90 ans, il prouve que la jeunesse, l’inventivité, la folie bienheureuse ne sont pas questions d’âge.

Antoine, homme de théâtre, convoque après sa mort, ses amis comédiens ayant joué dans différentes versions d’Eurydice, pièce qu’il a écrite. Il a enregistré, avant de mourir, une déclaration dans laquelle il leur demande de visionner une captation des répétitions de cette pièce: une jeune troupe lui a en effet demandé l’autorisation de la monter et il a besoin de leur avis.

Dès le début, la mise en abyme s’installe. Les comédiens appelés par leurs véritables noms reçoivent un coup de fil leur annonçant la mort de leur ami metteur en scène. Première répétition avant une succession d’autres. Puis, ils se retrouvent tous dans cette demeure étrange, presque inquiétante, tel un gouffre un peu morbide où leur a donné rendez-vous Antoine. Cela pourrait être le début d’un film policier : tous ces comédiens réunis pour découvrir une vérité. Mais la vérité qu’ils vont découvrir est toute autre. C’est celle des mots, du pouvoir et de la magie de la fiction.

Puis, se passe ce qui arrive parfois au théâtre, lorsqu’il y a ce supplément d’âme, de magie (terme que j’ai également employé pour « Les bêtes du sud sauvage« , autre coup de coeur de 2012, mais aussi différents soient-ils, ces deux films ont cet élément rare en commun), lorsque ce pouvoir des mots vous embarque ailleurs, vous hypnotise, vous fait oublier la réalité, tout en vous ancrant plus que jamais dans la réalité, vous faisant ressentir les palpitations de la vie.

En 1942, Alain Resnais avait ainsi assisté à une représentation d’ « Eurydice » de Jean Anouilh de laquelle il était sorti bouleversé à tel point qu’il avait fait deux fois le tour de Paris à bicyclette. C’est aussi la sensation exaltante que m’a donné ce film!

Chaque phrase prononcée, d’une manière presque onirique, magique, est d’une intensité sidérante de beauté et de force et exalte la force de l’amour. Mais surtout Alain Resnais nous livre ici un film inventif et ludique. Il joue avec les temporalités, avec le temps, avec la disposition dans l’espace (usant parfois aussi du splitscreen entre autres « artifices »). Il donne à jouer des répliques à des acteurs qui n’en ont plus l’âge. Cela ne fait qu’accroître la force des mots, du propos, leur douloureuse beauté et surtout cela met en relief le talent de ses comédiens. Rarement, je crois, j’aurais ainsi été émue et admirative devant chaque phrase prononcée quel que soit le comédien. A chaque fois, elle semble être la dernière et la seule, à la fois la première et l’ultime. Au premier rang de cette distribution (remarquable dans sa totalité), je citerai Pierre Arditi, Lambert Wilson, Anne Consigny, Sabine Azéma mais en réalité tous sont extraordinaires, aussi extraordinairement dirigés.

C’est une des plus belles déclarations d’amour au théâtre et aux acteurs, un des plus beaux hommages au cinéma qu’il m’ait été donné de voir et de ressentir. Contrairement à ce qui a pu être écrit ce n’est pas une œuvre posthume mais au contraire une mise en abyme déroutante, exaltante d’une jeunesse folle, un pied-de-nez à la mort qui, au théâtre ou au cinéma, est de toutes façons transcendée. C’est aussi la confrontation entre deux générations ou plutôt leur union par la force des mots. Ajoutez à cela la musique de Mark Snow d’une puissance émotionnelle renversante et vous obtiendrez un film inclassable et si séduisant (n’usant pourtant d’aucune ficelle pour l’être mais au contraire faisant confiance à l’intelligence du spectateur).

Ce film m’a enchantée, bouleversée, m’a rappelé pourquoi j’aimais follement le cinéma et le théâtre, et les mots. Ce film est d’ailleurs au-delà des mots auquel il rend pourtant un si bel hommage. Ce film aurait mérité un prix d’interprétation collectif, un prix de la mise en scène…et pourquoi pas une palme d’or (il est malheureusement reparti bredouille du palmarès de ce Festival de Cannes 2012) ! Ces quelques mots sont bien entendu réducteurs pour vous parler de ce grand film, captivant, déroutant, envoûtant, singulier. Malgré tout ce que je viens de vous en dire, dîtes-vous que de toutes façons, « Vous n’avez encore rien vu ». C’est bien au-delà des mots. Et espérons que nous aussi nous n’avons encore rien vu et qu’Alain Resnais continuera encore très longtemps à nous surprendre et enchanter ainsi. Magistralement.

Commençons par le premier film projeté dans le cadre du festival qui est aussi le plus ancien des trois « On connaît la chanson ». Toute la malice du cinéaste apparaît déjà dans le titre de ce film de 1997, dans son double sens, propre et figuré, puisqu’il fait à la fois référence aux chansons en playback interprétées dans le film mais parce qu’il sous-entend à quel point les apparences peuvent être trompeuses et donc que nous ne connaissons jamais vraiment la chanson…

Suite à un malentendu, Camille (Agnès Jaoui), guide touristique et auteure d’une thèse sur « les chevaliers paysans de l’an mil au lac de Paladru » s’éprend de l’agent immobilier Marc Duveyrier (Lambert Wilson). Ce dernier est aussi le patron de Simon (André Dussolier), secrètement épris de Camille et qui tente de vendre un appartement à Odile (Sabine Azéma), la sœur de Camille. L’enthousiaste Odile est décidée à acheter cet appartement malgré la désapprobation muette de Claude, son mari velléitaire (Pierre Arditi). Celui-ci supporte mal la réapparition après de longues années d’absence de Nicolas (Jean-Pierre Bacri), vieux complice d’Odile qui devient le confident de Simon et qui est surtout très hypocondriaque.

Ce film est pourtant bien plus que son idée de mise en scène, certes particulièrement ludique et enthousiasmante, à laquelle on tend trop souvent à le réduire. A l’image de ses personnages, le film d’Alain Resnais n’est pas ce qu’il semble être. Derrière une apparente légèreté qui emprunte au Boulevard et à la comédie musicale ou du moins à la comédie (en) »chantée », il débusque les fêlures que chacun dissimule derrière de l’assurance, une joie de vivre exagérée, de l’arrogance ou une timidité.

C’est un film en forme de trompe-l’œil qui commence dès la première scène : une ouverture sur une croix gammée, dans le bureau de Von Choltitz au téléphone avec Hitler qui lui ordonne de détruire Paris. Mais Paris ne disparaîtra pas et sera bien heureusement le terrain des chassés-croisés des personnages de « On connaît la chanson », et cette épisode était juste une manière de planter le décor, de nous faire regarder justement au-delà du décor, et de présenter le principe de ces extraits chantés. La mise en scène ne cessera d’ailleurs de jouer ainsi avec les apparences, comme lorsqu’Odile parle avec Nicolas, lors d’un dîner chez elle, et que son mari Claude est absent du cadre, tout comme il semble d’ailleurs constamment « absent », ailleurs.

Resnais joue habilement avec la mise en scène mais aussi avec les genres cinématographiques, faisant parfois une incursion dans la comédie romantique, comme lors de la rencontre entre Camille et Marc. L’appartement où ils se retrouvent est aussi glacial que la lumière est chaleureuse pour devenir presque irréelle mais là encore c’est une manière de jouer avec les apparences puisque Marc lui-même est d’une certaine manière irréel, fabriqué, jouant un personnage qu’il n’est pas.

Le scénario est signé Agnès Jaoui et Jean-Pierre Bacri et témoigne déjà de leur goût des autres et de leur regard à la fois acéré et tendre sur nos vanités, nos faiblesses, nos fêlures. Les dialogues sont ainsi des bijoux de précision et d’observation mais finalement même s’ils mettent l’accent sur les faiblesses de chacun, les personnages ne sont jamais regardés avec condescendance mais plutôt lucidité et indulgence. Une phrase parfois suffit à caractériser un personnage comme cette femme qui, en se présentant dit, « J’suis une collègue d’Odile. Mais un petit cran au-dessus. Mais ça ne nous empêche pas de bien nous entendre ! ». Tout est dit ! La volonté de se montrer sous son meilleur jour, conciliante, ouverte, indifférente aux hiérarchies et apparences…tout en démontrant le contraire. Ou comme lorsque Marc répète à deux reprises à d’autres sa réplique adressée à Simon dont il est visiblement très fier « Vous savez Simon, vous n’êtes pas seulement un auteur dramatique, mais vous êtes aussi un employé dramatique ! » marquant à la fois ainsi une certaine condescendance mais en même temps une certaine forme de manque de confiance, et amoindrissant le caractère a priori antipathique de son personnage.

Les personnages de « On connaît la chanson » sont avant tout seuls, enfermés dans leurs images, leurs solitudes, leur inaptitude à communiquer, et les chansons leur permettent souvent de révéler leurs vérités masquées, leurs vrais personnalités ou désirs, tout en ayant souvent un effet tendrement comique. De « J’aime les filles » avec Lambert Wilson au « Vertige de l’amour » avec André Dussolier (irrésistible ) en passant par le « Résiste » de Sabine Azéma. C’est aussi un moyen de comique de répétition dont est jalonné ce film : blague répétée par Lambert Wilson sur Simon, blague de la publicité pour la chicorée lorsque Nicolas montre la photo de sa famille et réitération de certains passages chantés comme « Avoir un bon copain ».

Chacun laissera tomber son masque, de fierté ou de gaieté feinte, dans le dernier acte où tous seront réunis, dans le cadre d’une fête qui, une fois les apparences dévoilées (même les choses comme l’appartement n’y échappent pas, même celui-ci se révèlera ne pas être ce qu’il semblait), ne laissera plus qu’un sol jonché de bouteilles et d’assiettes vides, débarrassé du souci des apparences, et du rangement (de tout et chacun dans une case) mais la scène se terminera une nouvelle fois par une nouvelle pirouette, toute l’élégance de Resnais étant là, dans cette dernière phrase qui nous laisse avec un sourire, et l’envie de saisir l’existence avec légèreté.

Rien n’est laissé au hasard, de l’interprétation (comme toujours chez Resnais remarquable direction d’acteurs et interprètes judicieusement choisis, de Dussolier en amoureux timide à Sabine Azéma en incorrigible optimiste en passant par Lambert Wilson, vaniteux et finalement pathétique et presque attendrissant) aux costumes comme les tenues rouges et flamboyantes de Sabine Azéma ou d’une tonalité plus neutre, voire fade, d’Agnès Jaoui.

« On connaît la chanson » a obtenu 7 César dont celui du meilleur film et du meilleur scénario original. C’est pour moi un des films les plus brillants et profonds qui soient malgré sa légèreté apparente, un mélange subtile –à l’image de la vie – de mélancolie et de légèreté, d’enchantement et de désenchantement, un film à la frontière des émotions et des genres qui témoigne de la grande élégance de son réalisateur, du regard tendre et incisif de ses auteurs et qui nous laisse avec un air à la fois joyeux et nostalgique dans la tête. Un film qui semble entrer dans les cadres et qui justement nous démontre que la vie est plus nuancée et que chacun est forcément plus complexe que la case à laquelle on souhaite le réduire, moins lisse et jovial que l’image « enchantée » qu’il veut se donner. Un film jubilatoire enchanté et enchanteur, empreint de toute la richesse, la beauté, la difficulté, la gravité et la légèreté de la vie. Un film tendrement drôle et joyeusement mélancolique à voir, entendre et revoir sans modération…même si nous connaissons déjà la chanson !

Dans le cadre du festival était également projeté « Cœurs », un film d’Alain Resnais de 2006. Le film choral était alors à la mode. Alain Resnais, cinéaste emblématique de la modernité, ne suit pas les modes mais les initie, encore. Malgré le temps, sa modernité n’a pas pris une ride et de ce point de vue du haut de ses 80 ans et quelques, mais surtout du haut de ses innombrables chefs d’œuvre (Hiroshima, mon amour, L’année dernière à Marienbad, Nuit et brouillard, On connaît la chanson, Smoking, no smoking, Je t’aime, je t’aime et tant d’autres), il reste le plus jeune des cinéastes. Coeurs est l’adaptation de Private fears in public places, une pièce de théâtre de l’auteur anglais Alain Ayckbourn dont Alain Resnais avait déjà adapté en 1993 une autre de ses œuvres, pour en faire Smoking, No smoking.

Ce film, choral donc, croise les destins de six « cœurs en hiver » dans le quartier de la Grande Bibliothèque, quartier froid, moderne et impersonnel, sous la neige du début à la fin du film. La neige, glaciale, évidemment. La neige qui incite à se presser, à ne pas voir, à ne pas se rencontrer, à fuir l’extérieur. C’est donc à l’intérieur qu’il faut chercher la chaleur. Normalement. A l’intérieur qu’on devrait se croiser donc. Alors, oui, on se croise mais on ne se rencontre pas vraiment.

C’est probablement d’On connaît la chanson que se rapproche le plus ce film, en particulier pour la solitude des personnages. Le dénouement est pourtant radicalement différent et avec les années qui séparent ces deux films la légèreté s’est un peu évaporée. Ainsi, dans On connaît la chanson les personnages chantent. Là, ils déchantent plutôt. Ils sont en quête surtout. En quête de désirs. De désir de vivre, surtout, aussi. Même dans un même lieu, même ensemble, ils sont constamment séparés : par un rideau de perle, par la neige, par une séparation au plafond, par une cloison en verre, par des couleurs contrastées, par des cœurs qui ne se comprennent plus et ne battent plus à l’unisson. Non, ces cœurs-là ne bondissent plus. Ils y aspirent pourtant.

Le coeur se serre plus qu’il ne bondit. A cause des amours évanouis. Des parents disparus. Du temps passé. Ils sont enfermés dans leur nostalgie, leurs regrets même si la fantaisie et la poésie affleurent constamment sans jamais exploser vraiment. La fantaisie est finalement recouverte par la neige, par l’apparence de l’innocence. L’apparence seulement. Chaque personnage est auréolé de mystère. Resnais a compris qu’on peut dire beaucoup plus dans les silences, dans l’implicite, dans l’étrange que dans un excès de paroles, l’explicite, le didactique. Que la normalité n’est qu’un masque et un vain mot.

Comme toujours chez Resnais les dialogues sont très et agréablement écrits. La mise en scène est particulièrement soignée : transitions magnifiquement réussies, contrastes sublimes et saisissants des couleurs chaudes et froides, jeu sur les apparences (encore elles). Rien d’étonnant à ce qu’il ait obtenu le Lion d’Argent du meilleur réalisateur à Venise.

De la mélancolie, Alain Resnais est passé à la tristesse. De l’amour il est passé à la tendresse. Celle d’un frère et d’une sœur qui, à la fin, se retrouvent, seuls, enlacés. Sur l’écran de télévision qu’ils regardent, s’inscrit alors le mot fin. Espérons qu’elle ne préfigure pas la croyance du réalisateur en celle du cinéma, peut-être sa disparition sur le petit écran du moins. Peut-être la fin des illusions du cinéaste.

En suivant les cœurs de ces personnages désenchantés, leurs « cœurs en hiver », Alain Resnais signe là un film particulièrement pessimiste, nostalgique, cruel parfois aussi. On en ressort tristes, nous aussi, tristes qu’il n’ait plus le cœur léger. Un film qui mérite néanmoins d’être vu. Pour ses acteurs magistraux et magistralement dirigés. Pour la voix de Claure Rich vociférant. Pour le vibrant monologue de Pierre Arditi. Pour le regard d’enfant pris en faute de Dussolier. Pour la grâce désenchantée d’Isabelle Carré. Pour la fantaisie sous-jacente de Sabine Azéma. Pour l’égarement de Lambert Wilson. Pour la voix chantante de Laura Morante soudainement aussi monotone que les appartements qu’elle visite. Pour et à cause de cette tristesse qui vous envahit insidieusement et ne vous quitte plus. Pour son esthétisme si singulier, si remarquablement soigné. Pour la sublime photographie d’Eric Gautier. Pour sa modernité, oui, encore et toujours. Parce que c’est une pierre de plus au magistral édifice qu’est l’œuvre d’Alain Resnais.

« Mad Max » de Georges Miller projeté hors compétition

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Certains l’attendaient en ouverture pour succéder au Biopic d’Olivier Dahan sur Grace Kelly qui fait l’ouverture du Festival de Cannes 2014, c’est néanmoins le lendemain de celle-ci que sera projeté « Mad Max » de Georges Miller, le 14 Mai 2015. C’est donc Tom Hardy qui incarnera le héros entré dans la légende sous les traits de Mel Gibson. Max Rockatansky, joué par Tom Hardy, va rencontrer l’impératrice Furiosa, interprétée par Charlize Theron, qui fuit une bande lancée à ses trousses…

Le film sortira dans le monde entier, le 14 Mai.

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Pour en savoir plus et pour tout ce qui concerne la Semaine de la Critique et la Quinzaine des Réalisateurs, retrouvez mes articles détaillés sur Inthemoodforcannes.com.

PROGRAMME DETAILLE DE CANNES CLASSICS


• Invité d’honneur : COSTA-GAVRAS

Palme d’or avec Missing en 1982, membre du Jury en 1976 (il récompensa Taxi Driver), Prix de la mise en scène avec Section spéciale en 1975, c’est en sa présence que sera projeté Z, Prix du Jury en 1969.
Z (1968, 2h07)
Présenté par KG Productions avec le soutien du CNC. Négatif original numérisé en 4K et restauré image par image en 2K par Eclair Group et par LE Diapason pour le son. Restauration et étalonnage supervisés par Costa-Gavras.

• Les documentaires sur le cinéma :

Hitchcock / Truffaut de Kent Jones (2015, 1h28)
Co-écrit par Kent Jones et Serge Toubiana. Produit par Artline Films, Cohen Media Group et Arte France.

Depardieu grandeur nature de Richard Melloul (2014, 1h)
Produit par Richard Melloul Productions et Productions Tony Comiti.

Steve McQueen : The Man & Le Mans de Gabriel Clarke et John McKenna (2015, 1h52)
Produit par John McKenna.

By Sidney Lumet de Nancy Buirski (2015, 1h43)
Produit par Augusta Films, co-produit par American Masters. Présenté par RatPac Documentary Films.

Harold and Lillian : a Hollywood Love Story de Daniel Raim (2015, 1h41)
Produit par Adama Films.

Rappelons que dans le cadre de l’hommage à Ingrid Bergman sera projeté :
Jag Är Ingrid (Je suis Ingrid/Ingrid Bergman, in Her Own Words) de Stig Björkman (2015, 1h54)
Produit par Stina Gardell/Mantaray Film.

Et enfin, à l’occasion de la célébration des soixante ans de la création de la Palme d’or :
La Légende de la Palme d’or (The Golden Palm’s Legend) d’Alexis Veller (2015, 1h10)
Produit par AV productions.

• Centenaire Orson Welles
Citizen Kane d’Orson Welles (1941, 1h59)
Une présentation de Warner Bros. Restauration 4k réalisée chez Warner Bros. Motion Picture Imagery par l’étalonneuse Janet Wilson, sous la supervision de Ned Price. Le négatif original n’existant plus, image reconstituée d’après trois interpositifs noirs et blancs à grain fin support nitrate. Son optique « RCA squeeze duplex format. »

The Third Man (Le Troisième homme) de Carol Reed (1949, 1h44)
Une présentation de Studiocanal. Marron, élément nitrate de 2ème génération (négatif original inexistant), numérisé en 4K et restauré image par image en 4K par Deluxe en Angleterre. Restauration supervisée par Studiocanal.

The Lady From Shanghai (La Dame de Shanghai)
d’Orson Welles (1948, 1h27)
Présenté par Park Circus. Restauration en 4K chez Colorworks à Sony Pictures. Le négatif d’origine en nitrate a été scanné en 4K chez Deluxe à Hollywood avant restauration numérique, un travail complété chez MTI Film à Los Angeles. Restauration sonore au Chase Audio chez Deluxe, étalonnage et DCP préparés par Colorworks.

Deux documentaires sur Orson Welles :

Orson Welles, Autopsie d’une légende d’Elisabeth Kapnist (2015, 56mn)
Produit par Phares et balises et Arte France.

This Is Orson Welles de Clara et Julia Kuperberg (2015, 53mn)
Produit par TCM Cinéma et Wichita Films.

• Une soirée Barbet Schroeder
More de Barbet Schroeder (1969, 1h57)
Restauration chez Digimage Classics, dans une filière 2K. Le laboratoire a travaillé d’après les négatifs originaux image et son. L’étalonnage a été supervisé par Barbet Schroeder.
Le film suivra la projection de Amnesia (2015, 1h36) en Séance spéciale.

• Hommage à Manoel de Oliveira
Grâce à la fille de Manoel de Oliveira, Adelaide Trepa, et à son petit-fils Manuel Casimiro, qui l’ont permis, en lien avec José Manuel Costa, directeur, et Rui Machado, sous-directeur, de la Cinemateca Portuguesa, le Festival de Cannes projettera son film posthume Visita ou Memórias e Confissões (1982, 1h08). Totalement inédit, il n’aura été montré qu’à la Cinemateca Portuguesa de Lisbonne et Porto, ville natale de Manoel de Oliveira.

• Lumière !
Après Georges Méliès dans la Grande Salle et à l’occasion de la célébration des 120 ans de la naissance du Cinématographe Lumière, projection d’un montage de films Lumière dans le Grand Théâtre… Lumière.
Une présentation de l’Institut Lumière, du Centre National du Cinéma et de la Cinémathèque française. Projection en DCP 4K. Restauration 4K conduite par Eclair Group, en collaboration avec l’Immagine Ritrovata.

• Copies restaurées

Rocco e i suoi fratelli (Rocco and His Brothers / Rocco et ses frères) de Luchino Visconti (1960, 2h57)
Une présentation de la Film Foundation. Une restauration de la Cineteca di Bologna à L’Immagine Ritrovata laboratory en association avec Titanus, TF1 Droits Audiovisuels et The Film Foundation. Restauration financée par Gucci et The Film Foundation.

Les Yeux brûlés de Laurent Roth (1986, 58mn)
Une présentation du CNC et de l’ECPAD en présence de Laurent Roth. Restauration numérique effectuée à partir de la numérisation en 2K des négatifs 35 mm et la numérisation des éléments originaux s’ils existaient encore pour les images d’archives. Restauration réalisée par le laboratoire du CNC à Bois d’Arcy.

Ascenseur pour l’échafaud de Louis Malle (1958, 1h33)
Restauration 2K présentée par Gaumont. Travaux image effectués par Eclair, son restauré par Diapason en partenariat avec Eclair.

La Noire de… (Black Girl) de Ousmane Sembène (1966, 1h05)
Restauré par The Film Foundation pour le World Cinema Project en collaboration avec le Sembène Estate, l’Institut national de l’audiovisuel, INA, les laboratoires Eclair et le Centre national du cinéma et de l’image animée, CNC.
Restauration menée à la Cineteca di Bologna/L’Immagine Ritrovata Laboratory.
Précédé du documentaire :
SEMBENE! de Samba Gadjigo et Jason Silverman (2015, 1h22).
Produit par Galle Ceddo Projects, Impact Partners, New Mexico Media Partners, SNE Partners.

Insiang de Lino Brocka (1976, 1h35)
Insiang  fut le premier long métrage philippin à être présenté à Cannes.
Restauré par The Film Foundation pour le World Cinema Project. Restauration Cineteca di Bologna/L’Immagine Ritrovata financée par le World Cinema Project de la Film Foundation et le Film Development Council des Philippines.

Sur (The South / Le Sud) de Fernando Solanas (1988, 2h03)
Présenté par Cinesur et Blaq Out en partenariat avec UniversCiné et l’INCAA. Restauration en haute définition réalisée par le laboratoire Cinecolor – Industrias Audiovisuales S.A, dirigée par Roberto Zambrino et supervisée par Fernando Solanas à l’occasion de la restauration de l’ensemble de ses films qui sortiront en coffret DVD (éditions Blaq Out).

Zangiku Monogatari (The Story of the Last Chrysanthemum / Le Conte du chrysanthème tardif) de Kenji Mizoguchi (1939, 2h23)
Une présentation du studio Shochiku. La restauration numérique, issue d’un transfert 4K (projection 2K), a été réalisée par Shochiku Co., Ltd.

Jingi Naki Tatakai (Battles Without Honor and Humanity aka Yakusa Paper / Combat sans code d’honneur) de Kinji Fukasaku (1973, 1h39)
Une présentation de TOEI COMPANY, LTD. Restauration numérique en 2K réalisée à partir du négatif original 35mm par TOEI LABO TECH. Distribution France : Wild Side Films.

Szegénylegények (The Round-Up / Les Sans espoir) de Miklós Jancsó (1965, 1h28)
Une présentation du Hungarian National Film Fund et du Hungarian National Digital Film Archive and Film Institute (MaNDA). En compétition au Festival de Cannes en 1966. Restauration 2K image et son par le Hungarian Filmlab à partir du négatif 35mm.

Les Ordres (Orderers) de Michel Brault (1974, 1h48)
Une présentation de « Éléphant, mémoire du cinéma québécois. » Numérisation haute définition à partir de trois sources: négatif original 35 mm couleur A et B, interpositif et internégatif 35 mm. Son restauré à partir d’un mix magnétique 35 mm trois pistes. Restauration dirigée par Marie-José Raymond, et étalonnage de Claude Fournier, en collaboration avec le réalisateur, Michel Brault, à Technicolor Montréal.

Panique de Julien Duvivier (1946, 1h31)
Présenté par TF1 DA. Le négatif original ayant disparu, restauration en 2K chez Digimage à partir du marron nitrate.

Xia Nu (俠女 / A Touch of Zen) de King Hu (1973, 3h)
Une présentation du Taiwan Film Institute. Premier film taïwanais au Festival de Cannes et premier film en langue mandarin à y être présenté. 40e anniversaire du Grand Prix de la Commission Supérieure Technique en 1975. Restauration numérique réalisée en 4K par L’Immagine Ritrovata à Bologne à partir du négatif. Le directeur de la photographie a supervisé l’étalonnage. Distributeur : Carlotta.

Dobro Pozhalovat, Ili Postoronnim Vkhod Vospreshchen (Welcome or No Trespassing) de Elem Klimov (1964, 1h14)
Une présentation de la Open World Foundation et de Mosfilm. Numérisation en 2K, restauration son et image de Mosfilm et Krupny Plan.

La Historia Oficial (The Official Story / L’Histoire officielle) de Luis Puenzo (1984, 1h50)
Une présentation de Historias Cinematográficas. Prix d’interprétation féminine ex-aequo au Festival de Cannes 1985 pour Norma Aleandro et Oscar du meilleur film en langue étrangère en 1986. Restauration en 4K à partir du négatif original. Réétalonnage mené par le réalisateur et le directeur de la photographie. Son numérisé à partir d’une restauration du support magnétique puis remixé en 5.1 avec de nouveaux effets et orchestrations additionnelles. Financement par le National Film Institute argentin (INCAA) et travail exécuté à Cinecolor Lab sous la supervision du réalisateur/producteur Luis Puenzo.

Marius de Alexander Korda (1931, 2h), scénario et dialogues de Marcel Pagnol
Restauration par la Compagnie méditerranéenne de film – MPC et La Cinémathèque française, avec le soutien du CNC, du Fonds Culturel Franco-Américain DGA-MPA-SACEM- WGAW, le concours d’ARTE France Unité Cinéma et des Archives Audiovisuelles de Monaco, avec la participation de la SOGEDA Monaco. La restauration 4K a été supervisée par Nicolas Pagnol et Hervé Pichard (La Cinémathèque française). Les travaux ont été réalisés par le laboratoire DIGIMAGE. L’étalonnage a été mené par Guillaume Schiffma

Et Cannes Classics au Cinéma de la Plage !

Ran d’Akira Kurosawa (1985, 2h42)
Négatif original numérisé en 4K et restauré image par image en 4K par Eclair. Restauration image, étalonnage et restauration son supervisés par STUDIOCANAL en collaboration avec Kadokawa (co-producteur japonais). Etalonnage validé par M. Ueda (chef opérateur), collaborateur de Akira Kurosawa sur le tournage du film.

Hibernatus d’Edouard Molinaro (1969, 1h40)
Restauration 2K présentée par Gaumont. Travaux image effectués par Eclair, son restauré par Diapason en partenariat avec Eclair.

Le Grand blond avec une chaussure noire d’Yves Robert (1972, 1h30)
Restauration 2K présentée par Gaumont. Travaux image effectués par Eclair, son restauré par Diapason en partenariat avec Eclair.

Jurassic Park 3D de Steven Spielberg (1993, 2h01)

Ivan Le terrible 1 et 2 de Sergueï Eisenstein (1944, 1h40 et 1945, 1h26)
Restauration numérique son et image effectuée par MOSFILM Cinema Concern sous la supervision de Karen Shakhnazarov.

The Terminator de James Cameron (1984, 1h48)
Metro-Goldwyn-Mayer Studios présentera le film avant la ressortie mondiale par Park Circus.

The Usual Suspects de Bryan Singer (1995, 1h46)
Metro-Goldwyn-Mayer Studios présentera le film en DCP pour la première fois, 20 ans après sa première projection au Festival de Cannes.

Hôtel du Nord de Marcel Carné (1938, 1h35)
Une restauration présentée par MK2 avec le soutien du CNC. Restauration image 2K (d’après un scan 4K du négatif image nitrate) faite par Digimage Classics.

Joe Hill de Bo Widerberg (1971, 1h50)
Restauration 2K présentée par Malavida Films et le Swedish Film Institute qui a mené le travail à partir d’un internégatif.

Par ailleurs, le Cinéma de la Plage présentera en avant-première mondiale Enragés de Eric Hannezo (2015, 1h40) avec Lambert Wilson, Guillaume Gouix et Virginie Ledoyen. En Séance spéciale.

Produit par Black Dynamite et JD Prod.

Critique  de « Rocco et ses frères  » de Luchino Visconti.

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Ce soir, à 20H45, sur Cine + Classic, ne manquez pas ce chef d’œuvre de Visconti. A cette occasion, retrouvez, ci-dessous, ma critique du film ainsi que, plus bas, celles de deux autres chefs d’œuvre de Visconti « Le Guépard » et « Ludwig ou le Crépuscule des Dieux ».

Synopsis : Après le décès de son mari, Rosaria Parondi (Katina Paxinou), mère de cinq fils, arrive à Milan accompagnée de quatre de ses garçons : Rocco (Alain Delon) Simone, (Renato Salvatori), Ciro (Max Cartier) et Luca (Rocco Vidolazzi), le benjamin.  C’est chez les beaux-parents de son cinquième fils, Vincenzo (Spyros Fokas) qu’ils débarquent. Ce dernier est ainsi fiancé à Ginetta (Claudia Cardinale). Une dispute éclate. Les Parondi se réfugient dans un logement social. C’est là que Simone fait la connaissance de Nadia (Annie Girardot), une prostituée rejetée par sa famille. Simone, devenu boxeur, tombe amoureux de Nadia. Puis, alors qu’elle est séparée de ce dernier depuis presque deux ans, elle rencontre Rocco par hasard. Une idylle va naitre entre eux. Simone ne va pas le supporter…

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Ce qui frappe d’abord, ce sont, au-delà de la diversité des styles (mêlant habilement Nouvelle Vague et néo-réalisme ici, un mouvement à l’origine duquel Visconti se trouve –« Ossessione » en 1942 est ainsi considéré comme le premier film néo-réaliste bien que les néoréalistes aient estimé avoir été trahis par ses films postérieurs qu’ils jugèrent très et trop classiques-),  les thématiques communes aux différents films de Visconti. Que ce soit à la cour de Bavière avec Ludwig, ou au palais Donnafigata avec le Prince Salina, c’est toujours d’un monde qui périclite et de solitude dont il est question mais aussi de grandes familles qui se désagrègent, d’êtres promis à des avenirs lugubres qui, de palais dorés en  logements insalubres, sont sans lumière et sans espoir.

Ce monde où les Parondi, famille de paysans, émigre est ici celui de l’Italie d’après-guerre, en pleine reconstruction et industrialisation, où règnent les inégalités sociales. Milan c’est ainsi la ville de Visconti et le titre a ainsi été choisi en hommage à un écrivain réaliste de l’Italie du Sud, Rocco Scotellaro.

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Avant d’être le portrait successif de cinq frères, « Rocco et ses frères » est donc celui de l’Italie d’après-guerre, une sombre peinture sociale avec pour cadre des logements aux formes carcérales et sans âme. Les cinq frères sont d’ailleurs chacun une illustration de cette peinture : entre ceux qui s’intègrent à la société (Vincenzo, Luca, Ciro) et ceux qu’elle étouffe et broie (Simone et Rocco). Une société injuste puisqu’elle va désagréger cette famille et puisque c’est le plus honnête et naïf qui en sera le martyr. Dans la dernière scène, Ciro fait ainsi l’éloge de Simone (pour qui Rocco se sacrifiera et qui n’en récoltera pourtant que reproches et malheurs) auprès de Luca, finalement d’une certaine manière désigné comme coupable à cause de sa « pitié dangereuse ».

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Nadia, elle, porte la trace indélébile de son passé. Son rire si triste résonne sans cesse comme un vibrant cri de désespoir. Elle est une sorte de double de « Rocco », n’ayant d’autre choix que de vendre son corps, Rocco qui est sa seule raison de vivre. L’un et l’autre, martyrs, devront se sacrifier. Rocco en boxant, en martyrisant son corps. Elle en vendant son corps (et le martyrisant déjà), puis, dans une scène aussi terrible que splendide, en se laissant poignarder, les bras en croix puis enserrant son meurtrier en une ultime et fatale étreinte.

Annie Girardot apporte toute sa candeur, sa lucidité, sa folie, son désespoir à cette Nadia, personnage à la fois fort et brisé qu’elle rend inoubliable par l’intensité et la subtilité de son jeu.

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Face à elle, Alain Delon illumine ce film sombre de sa beauté tragique et juvénile et montre ici toute la palette de son jeu, du jeune homme timide, fragile et naïf, aux attitudes et aux craintes d’enfant encore, à l’homme déterminé. Une palette d’autant plus impressionnante quand on sait que la même année (1960) sortait « Plein soleil » de René Clément, avec un rôle et un jeu si différents.

La réalisation de Visconti reprend le meilleur du néoréalisme et le meilleur de la Nouvelle Vague avec une utilisation particulièrement judicieuse des ellipses, du hors-champ, des transitions, créant ainsi des parallèles et des contrastes brillants et intenses.

Il ne faudrait pas non plus oublier la musique de Nino Rota qui résonne comme une complainte à la fois douce, cruelle et mélodieuse.

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« Rocco et ses frères » : encore un chef d’œuvre de Visconti qui prend le meilleur du pessimisme et d’une paradoxale légèreté de la Nouvelle Vague, mais aussi du néoréalisme qu’il a initié et qui porte déjà les jalons de ses grandes fresques futures. Un film d’une beauté et d’une lucidité poignantes, sombres et tragiques porté par de jeunes acteurs (Delon, Girardot, Salvatori…), un compositeur et un réalisateur déjà au sommet de leur art.

« Rocco et ses frères » a obtenu le lion d’argent à la Mostra de Venise 1960.

La Cinéfondation

Comme chaque année, l’Atelier de la Cinéfondation accueille sa onzième édition et invitera au Festival de Cannes 15 réalisateurs dont les projets de film ont été jugés particulièrement prometteurs.

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Les courts métrages sélectionnés

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Cannes n’est pas seulement le plus grand festival de cinéma au monde pour les longs métrages, c’est aussi une compétition de courts métrages et une magnifique vitrine pour ceux-ci.

Voici la sélection parmi laquelle le Jury de la Cinéfondation et des courts métrages, présidé par Abderrahmane Sissako, récompensera à la fois les meilleurs films de la Compétition des courts métrages et ceux de la Sélection Cinéfondation à l’issue de leurs délibérations.

LES COURTS MÉTRAGES EN COMPÉTITION :

Ely DAGHER WAVES ’98 14’ Liban, Qatar
       
Shane DANIELSEN THE GUESTS(Les invitées) 10’ Australie
       
Ziya DEMIREL SALI(Mardi) 12’ Turquie, France
       
Céline DEVAUX LE REPAS DOMINICAL 13’ France
       
Dan HODGSON LOVE IS BLIND 6’ Royaume-Uni
       
Basil KHALIL AVE MARIA 14’ Palestine, France, Allemagne
       
Jan ROOSENS, Raf ROOSENS COPAIN 14’ Belgique
       
Eva RILEY PATRIOT 14’ Royaume-Uni
       
Iair SAID PRESENTE IMPERFECTO(Présent Imparfait) 15’ Argentine
       

LA SÉLECTION CINÉFONDATION 2015

La Sélection Cinéfondation a choisi, pour sa 18e édition, 18 films (14 fictions et 4 animations) parmi les 1 600 qui ont été présentés cette année par des écoles de cinéma du monde entier. Seize pays venus de quatre continents y sont représentés.

Près d’un tiers des films sélectionnés proviennent d’écoles qui participent pour la toute première fois, et c’est aussi la première fois qu’une école espagnole voit l’un de ses films retenu en Sélection. On note également une forte présence de l’Europe cette année, avec 11 films sur les 18 sélectionnés.

Les trois Prix de la Cinéfondation seront remis lors d’une cérémonie précédant la projection des films primés le vendredi 22 mai, salle Buñuel.
LA SÉLECTION CINÉFONDATION :

Behzad AZADI KOSHTARGAH 24’ Art University of Tehran
Iran
       
Mateo BENDESKY EL SER MAGNÉTICO 17’ Universidad del Cine (FUC)
Argentine
       
Pippa BIANCO SHARE 11’ AFI’s Directing Workshop for Women
États-Unis
       
Simon CARTWRIGHT MANOMAN 11’ National Film and Television School
Royaume-Uni
       
Ian GARRIDO LÓPEZ VICTOR XX 20’ ESCAC
Espagne
       
Maria GUSKOVA VOZVRASHENIE ERKINA 28’ High Courses for Scriptwriters and Film Directors
Russie
       
Félix HAZEAUX
Thomas NITSCHE
Edward NOONAN
Franck PINA
Raphaëlle PLANTIER
LEONARDO 6’ MOPA (ex Supinfocom Arles)
France
       
Ignacio JURICIC MERILLÁN LOCAS PERDIDAS 28’ Carrera de Cine y TV Universidad de Chile
Chili
       
Sofie KAMPMARK TSUNAMI 7’ The Animation Workshop
Danemark
       
Tomáš KLEIN
Tomáš MERTA
RETRIEVER 23’ FAMU Prague
République Tchèque
       
Aurélien PEILLOUX LES CHERCHEURS 32’ La Fémis
France
       
Eliza PETKOVA ABWESEND 13’ Deutsche Film & Fernsehakademie (dffb)
Allemagne
       
Miki POLONSKI ASARA REHOVOT MEA ETSIM 25’ Minshar for Art
Israël
       
Maksim SHAVKIN 14 STEPS 37’ Moscow School of New Cinema
Russie
       
Héctor SILVA NÚÑEZ ANFIBIO 15’ EICTV
Cuba
       
Salla SORRI AINAHAN NE PALAA 17’ Aalto University, ELO Film School Helsinki
Finlande
       
Laura VANDEWYNCKEL HET PARADIJS 6’ RITS School of Arts Brussels
Belgique
       
Qiu YANG RI GUANG ZHI XIA 19’ The VCA, Film & TV School, Melbourne University
Australie

15:10 Écrit par Sandra Mézière dans IN THE MOOD FOR NEWS | Lien permanent | Commentaires (0) | |  del.icio.us | | Digg! Digg |  Facebook | | |  Imprimer | | Pin it! |

Le Festival de Cannes 2015 en direct ici et sur Inthemoodforfilmfestivals.com

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Plus que jamais, cette année, je serai "in the mood for Cannes", pour vous faire vivre cette 68ème édition du Festival de Cannes en direct, dès ce lundi 11 Mai et jusqu'à la clôture.

Je serai en effet plus que jamais cette année au cœur de l'événement et au cœur de nombreuses opérations exceptionnelles, cinématographiques et pas seulement avec, notamment, des dîners avec de grands chefs auxquels je suis conviée mais je vous en dirai plus prochainement à ce sujet.

Pour me suivre en direct, ce sera donc sur http://inthemoodforfilmfestivals.com rubrique "Cannes 2015".

Sur mon blog http://inthemoodforcannes.com, vous retrouverez aussi tous mes articles sur le Festival de Cannes.

Vous pourrez aussi me suivre sur les réseaux sociaux:

-sur mon compte twitter principal @moodforcinema

-sur mon compte entièrement consacré au Festival de Cannes @moodforcannes

-sur ma page Facebook entièrement consacrée au Festival de Cannes http://facebook.com/inthemoodforcannes

-sur mon compte instagram: @sandra_meziere

Retrouvez également mon article complet, en cliquant ici ou sur la photo ci-dessus, avec:

-le programme complet détaillé: de la compétition, de Cannes Classics etc

-mon édito

-mes attentes sur cette 68ème édition

-le compte rendu de la conférence de presse du festival

-de nombreuses informations sur ce Festival de Cannes 2015

Vous pouvez aussi toujours lire les 13 nouvelles de mon recueil sur le cinéma « Ombres parallèles » dont 4 se déroulent au Festival de Cannes, disponible dans toutes les librairies numériques (fnac, relay, Amazon etc) ou, ici, directement chez mon éditeur.

15:07 Écrit par Sandra Mézière dans IN THE MOOD FOR NEWS | Lien permanent | Commentaires (0) | |  del.icio.us | | Digg! Digg |  Facebook | | |  Imprimer | | Pin it! |

05/05/2015

La composition du jury de la caméra d'or du 68ème Festival de Cannes présidé par Sabine Azéma

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C’est l’actrice française Sabine Azéma, inénarrable notamment dans les films d’Alain Resnais et notamment récemment dans le formidable « Vous n’avez encore rien vu »( ma critique, ici) présenté à Cannes en compétition en 2012, qui présidera cette année le Jury de la Caméra d’or, en charge de désigner le meilleur premier film présenté à Cannes. Après Bong Joon-Ho, Gael García Bernal, Carlos Diegues et Nicole Garcia, c’est donc Sabine Azéma qui présidera ce jury.

Elle sera entourée de la réalisatrice Delphine Gleize, du comédien Melvil Poupaud, de Claude Garnier qui représente l’Association Française des directeurs de la photographie Cinématographique (AFC), Didier Huck, qui représente la Fédération des Industries du Cinéma, de l’Audiovisuel et du Multimédia (FICAM), Yann Gonzalez, qui représente la Société des Réalisateurs de Films (SRF) et Bernard Payen, qui représente le Syndicat Français de la Critique de Cinéma (SFCC).

La Caméra d’or, créée en 1978, est attribuée au meilleur premier film présenté en Sélection officielle (Compétition, Hors-Compétition et Un Certain Regard), à La Semaine de la Critique ou à la Quinzaine des Réalisateurs, ce qui représente en 2015 un total de 26 films. Ont déjà reçu la caméra d’or:
Jim Jarmusch, Mira Nair, Naomi Kawase, Bahman Ghobadi ou Steve McQueen. En 2014, c’est le film français tourbillonnant Party Girl, présenté en Sélection officielle Un Certain Regard, qui a été récompensé.

La Caméra d’or 2015 sera remise par la Présidente du Jury lors de la Cérémonie du Palmarès, dimanche 24 mai.

17:41 Écrit par Sandra Mézière dans JURYS 2015 | Lien permanent | Commentaires (0) | |  del.icio.us | | Digg! Digg |  Facebook | | |  Imprimer | | Pin it! |

02/05/2015

Film de clôture du 68ème Festival de Cannes : "La Glace et le ciel" de Luc Jacquet

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Le suspense a pris fin quant au film de clôture dont nous savions déjà suite au propos de Thierry Frémaux lors de la conférence de presse du festival qu’il aurait un lien avec l’environnement. Luc Jacquet, le réalisateur oscarisé de La Marche de l’empereur, présentera ainsi son quatrième long métrage, La Glace et le ciel en Clôture du 68e Festival de Cannes, dimanche 24 mai dans le Grand Théâtre Lumière du Palais des Festivals. Une projection dont la perspective me réjouit tout particulièrement puisque c’est LE film du Showeb qui avait attiré le plus mon attention.

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Dans ce documentaire, Luc Jacquet évoque les découvertes du scientifique Claude Lorius, parti en 1957 étudier les glaces de l’Antarctique, et qui, en 1965, s’est inquiété le premier du réchauffement climatique et de ses conséquences pour la planète. Aujourd’hui, âgé de 82 ans, il continue d’envisager l’avenir avec espoir : « Je crois que l’homme va se redresser. L’homme va trouver la solidarité qui mènera les gens qui vivent sur cette planète vers un autre type de comportement. »

« Cannes est une chance immense qui s’offre à ce film et ce qu’il raconte, a déclaré Luc Jacquet. Je suis heureux et impressionné, un peu comme le joueur de fifre des contes qui est reçu au palais. Montrer ce film dans le plus grand festival de cinéma au monde, c’est contribuer à ce défi gigantesque que doit relever au plus vite l’humanité pour pérenniser son avenir et celui de la planète. Mon langage, c’est le cinéma. En d’autres temps, j’aurais fait d’autres films. Mais je fais du cinéma d’acharnement, du cinéma politique, du cinéma qui n’a pas le choix. »

Luc Jacquet a voué toute son œuvre aux questions de l’environnement et de la nature : La Marche de l’empereur (2005), Le Renard et l’enfant (2007) et Il était une forêt (2013). Il a créé une ONG, Wild Touch, pour sensibiliser les plus jeunes au respect et à la préservation de la planète.

Le film préfigure ainsi la Conférence Climat qui se déroulera à Paris du 30 novembre au 11 décembre 2015.

Rappelons que la SCAM a décidé, avec le soutien du Festival de Cannes, de créer un prix du documentaire qui récompensera tous les films alignés en Sélection officielle et dans les sections parallèles.

10:13 Écrit par Sandra Mézière dans CLÔTURE 2015 | Lien permanent | Commentaires (0) | |  del.icio.us | | Digg! Digg |  Facebook | | |  Imprimer | | Pin it! |

01/05/2015

68ème Festival de Cannes : le programme de Cannes Classics 2015

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Chaque année, la sélection de Cannes Classics est toujours un ravissement pour les cinéphiles et, chaque année, entre deux séances de la compétition officielle, j’essaie d’en voir quelques séances. Y règne toujours une atmosphère particulière. Cette année ne devrait pas déroger à la règle puisque:

-Costa-Gavras en sera l’ invité d’honneur

– sera proposée une célébration croisée d’Ingrid Bergman et d’Orson Welles

– Ousmane Sembène le « père du cinéma africain » sera également à l’honneur

– Gaumont sera aussi à l’honneur

-mais encore…Hitchcock, Truffaut, des Argentins, des Russes, des Hongrois, des projections en plein air, Marcel Pagnol, Julien Duvivier, des documentaires sur le cinéma, des restaurations en provenance du monde entier, La Légende de la Palme d’or et les 120 ans du Cinématographe Lumière, bref de quoi faire tourner la tête des amoureux du cinéma.

Je vous laisse découvrir le programme ci-dessous et, en bonus, je vous propose ma critique de  « Rocco et ses frères » de Visconti, une projection de sa copie restaurée à ne pas manquer.

PROGRAMME DETAILLE DE CANNES CLASSICS


• Invité d’honneur : COSTA-GAVRAS

Palme d’or avec Missing en 1982, membre du Jury en 1976 (il récompensa Taxi Driver), Prix de la mise en scène avec Section spéciale en 1975, c’est en sa présence que sera projeté Z, Prix du Jury en 1969.
Z (1968, 2h07)
Présenté par KG Productions avec le soutien du CNC. Négatif original numérisé en 4K et restauré image par image en 2K par Eclair Group et par LE Diapason pour le son. Restauration et étalonnage supervisés par Costa-Gavras.

• Les documentaires sur le cinéma :

Hitchcock / Truffaut de Kent Jones (2015, 1h28)
Co-écrit par Kent Jones et Serge Toubiana. Produit par Artline Films, Cohen Media Group et Arte France.

Depardieu grandeur nature de Richard Melloul (2014, 1h)
Produit par Richard Melloul Productions et Productions Tony Comiti.

Steve McQueen : The Man & Le Mans de Gabriel Clarke et John McKenna (2015, 1h52)
Produit par John McKenna.

By Sidney Lumet de Nancy Buirski (2015, 1h43)
Produit par Augusta Films, co-produit par American Masters. Présenté par RatPac Documentary Films.

Harold and Lillian : a Hollywood Love Story de Daniel Raim (2015, 1h41)
Produit par Adama Films.

Rappelons que dans le cadre de l’hommage à Ingrid Bergman sera projeté :
Jag Är Ingrid (Je suis Ingrid/Ingrid Bergman, in Her Own Words) de Stig Björkman (2015, 1h54)
Produit par Stina Gardell/Mantaray Film.

Et enfin, à l’occasion de la célébration des soixante ans de la création de la Palme d’or :
La Légende de la Palme d’or (The Golden Palm’s Legend) d’Alexis Veller (2015, 1h10)
Produit par AV productions.

• Centenaire Orson Welles
Citizen Kane d’Orson Welles (1941, 1h59)
Une présentation de Warner Bros. Restauration 4k réalisée chez Warner Bros. Motion Picture Imagery par l’étalonneuse Janet Wilson, sous la supervision de Ned Price. Le négatif original n’existant plus, image reconstituée d’après trois interpositifs noirs et blancs à grain fin support nitrate. Son optique « RCA squeeze duplex format. »

The Third Man (Le Troisième homme) de Carol Reed (1949, 1h44)
Une présentation de Studiocanal. Marron, élément nitrate de 2ème génération (négatif original inexistant), numérisé en 4K et restauré image par image en 4K par Deluxe en Angleterre. Restauration supervisée par Studiocanal.

The Lady From Shanghai (La Dame de Shanghai)
d’Orson Welles (1948, 1h27)
Présenté par Park Circus. Restauration en 4K chez Colorworks à Sony Pictures. Le négatif d’origine en nitrate a été scanné en 4K chez Deluxe à Hollywood avant restauration numérique, un travail complété chez MTI Film à Los Angeles. Restauration sonore au Chase Audio chez Deluxe, étalonnage et DCP préparés par Colorworks.

Deux documentaires sur Orson Welles :

Orson Welles, Autopsie d’une légende d’Elisabeth Kapnist (2015, 56mn)
Produit par Phares et balises et Arte France.

This Is Orson Welles de Clara et Julia Kuperberg (2015, 53mn)
Produit par TCM Cinéma et Wichita Films.

• Une soirée Barbet Schroeder
More de Barbet Schroeder (1969, 1h57)
Restauration chez Digimage Classics, dans une filière 2K. Le laboratoire a travaillé d’après les négatifs originaux image et son. L’étalonnage a été supervisé par Barbet Schroeder.
Le film suivra la projection de Amnesia (2015, 1h36) en Séance spéciale.

• Hommage à Manoel de Oliveira
Grâce à la fille de Manoel de Oliveira, Adelaide Trepa, et à son petit-fils Manuel Casimiro, qui l’ont permis, en lien avec José Manuel Costa, directeur, et Rui Machado, sous-directeur, de la Cinemateca Portuguesa, le Festival de Cannes projettera son film posthume Visita ou Memórias e Confissões (1982, 1h08). Totalement inédit, il n’aura été montré qu’à la Cinemateca Portuguesa de Lisbonne et Porto, ville natale de Manoel de Oliveira.

• Lumière !
Après Georges Méliès dans la Grande Salle et à l’occasion de la célébration des 120 ans de la naissance du Cinématographe Lumière, projection d’un montage de films Lumière dans le Grand Théâtre… Lumière.
Une présentation de l’Institut Lumière, du Centre National du Cinéma et de la Cinémathèque française. Projection en DCP 4K. Restauration 4K conduite par Eclair Group, en collaboration avec l’Immagine Ritrovata.

• Copies restaurées

Rocco e i suoi fratelli (Rocco and His Brothers / Rocco et ses frères) de Luchino Visconti (1960, 2h57)
Une présentation de la Film Foundation. Une restauration de la Cineteca di Bologna à L’Immagine Ritrovata laboratory en association avec Titanus, TF1 Droits Audiovisuels et The Film Foundation. Restauration financée par Gucci et The Film Foundation.

Les Yeux brûlés de Laurent Roth (1986, 58mn)
Une présentation du CNC et de l’ECPAD en présence de Laurent Roth. Restauration numérique effectuée à partir de la numérisation en 2K des négatifs 35 mm et la numérisation des éléments originaux s’ils existaient encore pour les images d’archives. Restauration réalisée par le laboratoire du CNC à Bois d’Arcy.

Ascenseur pour l’échafaud de Louis Malle (1958, 1h33)
Restauration 2K présentée par Gaumont. Travaux image effectués par Eclair, son restauré par Diapason en partenariat avec Eclair.

La Noire de… (Black Girl) de Ousmane Sembène (1966, 1h05)
Restauré par The Film Foundation pour le World Cinema Project en collaboration avec le Sembène Estate, l’Institut national de l’audiovisuel, INA, les laboratoires Eclair et le Centre national du cinéma et de l’image animée, CNC.
Restauration menée à la Cineteca di Bologna/L’Immagine Ritrovata Laboratory.
Précédé du documentaire :
SEMBENE! de Samba Gadjigo et Jason Silverman (2015, 1h22).
Produit par Galle Ceddo Projects, Impact Partners, New Mexico Media Partners, SNE Partners.

Insiang de Lino Brocka (1976, 1h35)
Insiang  fut le premier long métrage philippin à être présenté à Cannes.
Restauré par The Film Foundation pour le World Cinema Project. Restauration Cineteca di Bologna/L’Immagine Ritrovata financée par le World Cinema Project de la Film Foundation et le Film Development Council des Philippines.

Sur (The South / Le Sud) de Fernando Solanas (1988, 2h03)
Présenté par Cinesur et Blaq Out en partenariat avec UniversCiné et l’INCAA. Restauration en haute définition réalisée par le laboratoire Cinecolor – Industrias Audiovisuales S.A, dirigée par Roberto Zambrino et supervisée par Fernando Solanas à l’occasion de la restauration de l’ensemble de ses films qui sortiront en coffret DVD (éditions Blaq Out).

Zangiku Monogatari (The Story of the Last Chrysanthemum / Le Conte du chrysanthème tardif) de Kenji Mizoguchi (1939, 2h23)
Une présentation du studio Shochiku. La restauration numérique, issue d’un transfert 4K (projection 2K), a été réalisée par Shochiku Co., Ltd.

Jingi Naki Tatakai (Battles Without Honor and Humanity aka Yakusa Paper / Combat sans code d’honneur) de Kinji Fukasaku (1973, 1h39)
Une présentation de TOEI COMPANY, LTD. Restauration numérique en 2K réalisée à partir du négatif original 35mm par TOEI LABO TECH. Distribution France : Wild Side Films.

Szegénylegények (The Round-Up / Les Sans espoir) de Miklós Jancsó (1965, 1h28)
Une présentation du Hungarian National Film Fund et du Hungarian National Digital Film Archive and Film Institute (MaNDA). En compétition au Festival de Cannes en 1966. Restauration 2K image et son par le Hungarian Filmlab à partir du négatif 35mm.

Les Ordres (Orderers) de Michel Brault (1974, 1h48)
Une présentation de « Éléphant, mémoire du cinéma québécois. » Numérisation haute définition à partir de trois sources: négatif original 35 mm couleur A et B, interpositif et internégatif 35 mm. Son restauré à partir d’un mix magnétique 35 mm trois pistes. Restauration dirigée par Marie-José Raymond, et étalonnage de Claude Fournier, en collaboration avec le réalisateur, Michel Brault, à Technicolor Montréal.

Panique de Julien Duvivier (1946, 1h31)
Présenté par TF1 DA. Le négatif original ayant disparu, restauration en 2K chez Digimage à partir du marron nitrate.

Xia Nu (俠女 / A Touch of Zen) de King Hu (1973, 3h)
Une présentation du Taiwan Film Institute. Premier film taïwanais au Festival de Cannes et premier film en langue mandarin à y être présenté. 40e anniversaire du Grand Prix de la Commission Supérieure Technique en 1975. Restauration numérique réalisée en 4K par L’Immagine Ritrovata à Bologne à partir du négatif. Le directeur de la photographie a supervisé l’étalonnage. Distributeur : Carlotta.

Dobro Pozhalovat, Ili Postoronnim Vkhod Vospreshchen (Welcome or No Trespassing) de Elem Klimov (1964, 1h14)
Une présentation de la Open World Foundation et de Mosfilm. Numérisation en 2K, restauration son et image de Mosfilm et Krupny Plan.

La Historia Oficial (The Official Story / L’Histoire officielle) de Luis Puenzo (1984, 1h50)
Une présentation de Historias Cinematográficas. Prix d’interprétation féminine ex-aequo au Festival de Cannes 1985 pour Norma Aleandro et Oscar du meilleur film en langue étrangère en 1986. Restauration en 4K à partir du négatif original. Réétalonnage mené par le réalisateur et le directeur de la photographie. Son numérisé à partir d’une restauration du support magnétique puis remixé en 5.1 avec de nouveaux effets et orchestrations additionnelles. Financement par le National Film Institute argentin (INCAA) et travail exécuté à Cinecolor Lab sous la supervision du réalisateur/producteur Luis Puenzo.

Marius de Alexander Korda (1931, 2h), scénario et dialogues de Marcel Pagnol
Restauration par la Compagnie méditerranéenne de film – MPC et La Cinémathèque française, avec le soutien du CNC, du Fonds Culturel Franco-Américain DGA-MPA-SACEM- WGAW, le concours d’ARTE France Unité Cinéma et des Archives Audiovisuelles de Monaco, avec la participation de la SOGEDA Monaco. La restauration 4K a été supervisée par Nicolas Pagnol et Hervé Pichard (La Cinémathèque française). Les travaux ont été réalisés par le laboratoire DIGIMAGE. L’étalonnage a été mené par Guillaume Schiffma

Et Cannes Classics au Cinéma de la Plage !

Ran d’Akira Kurosawa (1985, 2h42)
Négatif original numérisé en 4K et restauré image par image en 4K par Eclair. Restauration image, étalonnage et restauration son supervisés par STUDIOCANAL en collaboration avec Kadokawa (co-producteur japonais). Etalonnage validé par M. Ueda (chef opérateur), collaborateur de Akira Kurosawa sur le tournage du film.

Hibernatus d’Edouard Molinaro (1969, 1h40)
Restauration 2K présentée par Gaumont. Travaux image effectués par Eclair, son restauré par Diapason en partenariat avec Eclair.

Le Grand blond avec une chaussure noire d’Yves Robert (1972, 1h30)
Restauration 2K présentée par Gaumont. Travaux image effectués par Eclair, son restauré par Diapason en partenariat avec Eclair.

Jurassic Park 3D de Steven Spielberg (1993, 2h01)

Ivan Le terrible 1 et 2 de Sergueï Eisenstein (1944, 1h40 et 1945, 1h26)
Restauration numérique son et image effectuée par MOSFILM Cinema Concern sous la supervision de Karen Shakhnazarov.

The Terminator de James Cameron (1984, 1h48)
Metro-Goldwyn-Mayer Studios présentera le film avant la ressortie mondiale par Park Circus.

The Usual Suspects de Bryan Singer (1995, 1h46)
Metro-Goldwyn-Mayer Studios présentera le film en DCP pour la première fois, 20 ans après sa première projection au Festival de Cannes.

Hôtel du Nord de Marcel Carné (1938, 1h35)
Une restauration présentée par MK2 avec le soutien du CNC. Restauration image 2K (d’après un scan 4K du négatif image nitrate) faite par Digimage Classics.

Joe Hill de Bo Widerberg (1971, 1h50)
Restauration 2K présentée par Malavida Films et le Swedish Film Institute qui a mené le travail à partir d’un internégatif.

Par ailleurs, le Cinéma de la Plage présentera en avant-première mondiale Enragés de Eric Hannezo (2015, 1h40) avec Lambert Wilson, Guillaume Gouix et Virginie Ledoyen. En Séance spéciale.

Produit par Black Dynamite et JD Prod.

Critique  de « Rocco et ses frères  » de Luchino Visconti.

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Ce soir, à 20H45, sur Cine + Classic, ne manquez pas ce chef d’œuvre de Visconti. A cette occasion, retrouvez, ci-dessous, ma critique du film ainsi que, plus bas, celles de deux autres chefs d’œuvre de Visconti « Le Guépard » et « Ludwig ou le Crépuscule des Dieux ».

Synopsis : Après le décès de son mari, Rosaria Parondi (Katina Paxinou), mère de cinq fils, arrive à Milan accompagnée de quatre de ses garçons : Rocco (Alain Delon) Simone, (Renato Salvatori), Ciro (Max Cartier) et Luca (Rocco Vidolazzi), le benjamin.  C’est chez les beaux-parents de son cinquième fils, Vincenzo (Spyros Fokas) qu’ils débarquent. Ce dernier est ainsi fiancé à Ginetta (Claudia Cardinale). Une dispute éclate. Les Parondi se réfugient dans un logement social. C’est là que Simone fait la connaissance de Nadia (Annie Girardot), une prostituée rejetée par sa famille. Simone, devenu boxeur, tombe amoureux de Nadia. Puis, alors qu’elle est séparée de ce dernier depuis presque deux ans, elle rencontre Rocco par hasard. Une idylle va naitre entre eux. Simone ne va pas le supporter…

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Ce qui frappe d’abord, ce sont, au-delà de la diversité des styles (mêlant habilement Nouvelle Vague et néo-réalisme ici, un mouvement à l’origine duquel Visconti se trouve –« Ossessione » en 1942 est ainsi considéré comme le premier film néo-réaliste bien que les néoréalistes aient estimé avoir été trahis par ses films postérieurs qu’ils jugèrent très et trop classiques-),  les thématiques communes aux différents films de Visconti. Que ce soit à la cour de Bavière avec Ludwig, ou au palais Donnafigata avec le Prince Salina, c’est toujours d’un monde qui périclite et de solitude dont il est question mais aussi de grandes familles qui se désagrègent, d’êtres promis à des avenirs lugubres qui, de palais dorés en  logements insalubres, sont sans lumière et sans espoir.

Ce monde où les Parondi, famille de paysans, émigre est ici celui de l’Italie d’après-guerre, en pleine reconstruction et industrialisation, où règnent les inégalités sociales. Milan c’est ainsi la ville de Visconti et le titre a ainsi été choisi en hommage à un écrivain réaliste de l’Italie du Sud, Rocco Scotellaro.

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Avant d’être le portrait successif de cinq frères, « Rocco et ses frères » est donc celui de l’Italie d’après-guerre, une sombre peinture sociale avec pour cadre des logements aux formes carcérales et sans âme. Les cinq frères sont d’ailleurs chacun une illustration de cette peinture : entre ceux qui s’intègrent à la société (Vincenzo, Luca, Ciro) et ceux qu’elle étouffe et broie (Simone et Rocco). Une société injuste puisqu’elle va désagréger cette famille et puisque c’est le plus honnête et naïf qui en sera le martyr. Dans la dernière scène, Ciro fait ainsi l’éloge de Simone (pour qui Rocco se sacrifiera et qui n’en récoltera pourtant que reproches et malheurs) auprès de Luca, finalement d’une certaine manière désigné comme coupable à cause de sa « pitié dangereuse ».

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Nadia, elle, porte la trace indélébile de son passé. Son rire si triste résonne sans cesse comme un vibrant cri de désespoir. Elle est une sorte de double de « Rocco », n’ayant d’autre choix que de vendre son corps, Rocco qui est sa seule raison de vivre. L’un et l’autre, martyrs, devront se sacrifier. Rocco en boxant, en martyrisant son corps. Elle en vendant son corps (et le martyrisant déjà), puis, dans une scène aussi terrible que splendide, en se laissant poignarder, les bras en croix puis enserrant son meurtrier en une ultime et fatale étreinte.

Annie Girardot apporte toute sa candeur, sa lucidité, sa folie, son désespoir à cette Nadia, personnage à la fois fort et brisé qu’elle rend inoubliable par l’intensité et la subtilité de son jeu.

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Face à elle, Alain Delon illumine ce film sombre de sa beauté tragique et juvénile et montre ici toute la palette de son jeu, du jeune homme timide, fragile et naïf, aux attitudes et aux craintes d’enfant encore, à l’homme déterminé. Une palette d’autant plus impressionnante quand on sait que la même année (1960) sortait « Plein soleil » de René Clément, avec un rôle et un jeu si différents.

La réalisation de Visconti reprend le meilleur du néoréalisme et le meilleur de la Nouvelle Vague avec une utilisation particulièrement judicieuse des ellipses, du hors-champ, des transitions, créant ainsi des parallèles et des contrastes brillants et intenses.

Il ne faudrait pas non plus oublier la musique de Nino Rota qui résonne comme une complainte à la fois douce, cruelle et mélodieuse.

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« Rocco et ses frères » : encore un chef d’œuvre de Visconti qui prend le meilleur du pessimisme et d’une paradoxale légèreté de la Nouvelle Vague, mais aussi du néoréalisme qu’il a initié et qui porte déjà les jalons de ses grandes fresques futures. Un film d’une beauté et d’une lucidité poignantes, sombres et tragiques porté par de jeunes acteurs (Delon, Girardot, Salvatori…), un compositeur et un réalisateur déjà au sommet de leur art.

« Rocco et ses frères » a obtenu le lion d’argent à la Mostra de Venise 1960.

19:07 Écrit par Sandra Mézière dans CANNES CLASSICS 2015 | Lien permanent | Commentaires (0) | |  del.icio.us | | Digg! Digg |  Facebook | | |  Imprimer | | Pin it! |

La PLAGE MAJESTIC 68 by ADR PROD

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Pendant le Festival de Cannes, toutes les plages sont privatisées avec plus ou moins de goût mais il est un lieu que j'apprécie tout particulièrement et plus que tout autre depuis des années, celui où il est le plus agréable de se relaxer entre deux séances ou de donner des rendez-vous professionnels, celui où ont lieu de nombreux press junkets et TV sets, où se trouvent un magnifique business lounge, un restaurant et où se déroulent les plus prestigieuses soirées du festival: la plage Majestic 68 (68 donc puisque celle-ci est chaque année baptisée en fonction de l'édition, l'édition 2015 étant le 68ème Festival de Cannes).

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Vous pourrez y profiter aussi bien d'un plateau de 1200 m2 que du ponton depuis lequel vous aurez la plus belle vue sur la Croisette, à couper le souffle, à la fois au cœur de l'agitation cannoise et à l'écart de la frénésie et du bruit.

Pour les professionnels et les plus grandes stars, la plage Majestic 68 est LE lieu incontournable.

Elle sera donc comme chaque année située sur la plage de l'hôtel Majestic Barrière et gérée par l'enthousiaste équipe d'ADR prod qui s'occupera aussi cette année de la plage de l'hôtel Barrière Gray d'Albion et de l'espace "Madame Monsieur Carlton Cannes". Des lieux qui, à n'en pas douter, cette année encore seront les plus élégants, agréables et prisées.

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18:25 Écrit par Sandra Mézière dans IN THE MOOD FOR NEWS | Lien permanent | Commentaires (0) | |  del.icio.us | | Digg! Digg |  Facebook | | |  Imprimer | | Pin it! |

28/04/2015

Le dispositif de Canal + pour le 68ème Festival de Cannes

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Le 16 Avril 2015,  le Festival de Cannes donnait sa conférence de presse d’annonce de sélection, (retrouvez mon compte rendu, ici), le même jour, Canal plus donnait également une conférence de presse pour expliciter son impressionnant dispositif cannois, une conférence à laquelle a succédé une passionnante rencontre avec le maître de cérémonie du Festival de Cannes 2015, Lambert Wilson.

Partenaire du Festival de Cannes depuis 22 ans, comme chaque année, Canal + se mettra au rythme de la Croisette du 13 au 24 Mai en proposant une couverture exclusive de l’actualité du festival.

Comme chaque année, Canal plus diffusera les cérémonies d’ouverture et de clôture avec, cette année, une volonté d’en faire de véritables spectacles. A l’occasion de la Cérémonie d’ouverture du 68ème Festival de Cannes, et pour célébrer les 120 ans du Cinéma, Benjamin Millepied, Directeur de la danse à l’Opéra de Paris, va ainsi chorégraphier la scène d’amour de VERTIGO (SUEURS FROIDES), chef-d’œuvre d’Alfred Hitchcock.  Ce ballet exceptionnel sera  créé pour Janie Taylor (New York City Ballet), Léonore Baulac (Opéra de Paris), Morgan Lugo (LA Dance Project) et 14 danseurs.
La cérémonie d’ouverture sera diffusé Mercredi 13 mai à 19H00, en clair et en direct sur CANAL+ Une cérémonie présentée par Lambert Wilson aux côtés des présidents de cette 68ème édition Joel et Ethan Coen et de leur jury.

La cérémonie de clôture sera diffusé le Dimanche 24 mai à 18H50, en clair et en direct sur CANAL+. La cérémonie de clôture innovera et aura pour vocation de revenir sur la quinzaine et de célébrer le cinéma de Cannes. Des morceaux de spectacle vivant et des magnétos seront diffusés lors de la cérémonie de clôture  pour recontextualiser les films primés.

Le Grand journal sera comme toujours à Cannes, en direct de la Croisette, chaque soir, à 19H10, pour toute la quinzaine. Chaque soir, Antoine de Caunes et l’équipe du Grand Journal recevront les stars de la Croisette mais aussi les talents de demain. Avec, également, comme toujours les Guignols de l’info en direct et en clair. Toute l’actualité du Grand Journal  sera centrée sur cinéma, un choix qui tient à cœur à l’équipe et non un choix d’audience, selon Antoine de Caunes. Cette année, l’objectif sera aussi pédagogique dans le traitement du festival sur Canal plus avec un ton toujours iconoclaste

Comme toujours, vous pourrez également regarder  » Les rencontres de cinéma » de Laurent Weil, les 10, 17, 24 Mai à 12H00 en clair sur Canal+.

Canal plus et Canal plus cinéma diffuseront toute la durée du festival des films ayant marqué la précédente édition: « Deux jours, une nuit » des frères Dardenne, « Grace de Monaco » d’Olivier Dahan, »Maps to the stars » de David Cronenberg, « Jimmy’s hall » de Ken Loach, « Dragons 2″ de Dean DeBlois, « Caricaturistes – Fantassins de la Démocratie » de Stéphanie Valloatto… La 67eme édition s’invitera donc dans la programmation des films sur Canal plus en plus des infos en direct sur la 68ème édition.

La belle idée de cette programmation 2015 est d’avoir demandé à Thierry Frémaux de venir en personne défendre ses choix de sélectionneur sur les antennes de Canal+Cinema. Il reviendra donc sur la sélection 2014 en la commentant avec passion.

Les critiques du Cercle évoqueront également les grandes tendances de la sélection 2015, le mardi 12 Mai à 12H00 sur Canal+Cinema et le lundi 25 Mai à 22H25 sur Canal+Cinema.

Le court métrage sera également à l’honneur avec « Mikrociné » le dimanche 17 Mai à 23H05 sur Canal+Cinema et le dimanche 24 Mai à 23H40 sur Canal+Cinema.

Cannes s’installe également sur Canalplus.fr/cannes. La discussion sur le compte @cinemacanalplus est déjà engagée avec #CANNES2015.

Enfin, comme chaque année, la live TV officielle du Festival de Cannes ouvre son antenne pendant toute la durée du festival à l’événement du 13 au 24 Mai. Coproduite par Canal +, Orange et le Festival de Cannes, la chaîne retransmet quotidiennement et en direct le parcours des films en sélection officielle. Chaque jour, au programme:  photocalls, interviews, conférences de presse et les montées des marches…

Canal plus a donc renouvelé et surtout renforcé son partenariat avec le Festival de Cannes avec notamment un dispositif auprès des marches.

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On retrouvera égalemen les désopilants « Casting(s) » avec Pierre Niney (au passage, ne le manquez pas dans l’excellent « Un homme idéal », actuellement à l’affiche, ma critique ici), pour la deuxième année consécutive, là aussi en clair, dans le Grand Journal. Parmi les invités prestigieux de la série, nous pourrons notamment retrouver Marion Cotillard et Isabelle Nanty.

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La conférence de presse a été suivie d’une passionnante rencontre avec Lambert Wilson qui avait déjà excellé dans son rôle de maître de cérémonie l’an passé. Avec humilité et enthousiasme, ce grand comédien qui est aussi très cinéphile, nous a parlé de son rôle au Festival de Cannes 2015 : « un honneur qui ne peut se refuser.  » L’acteur qui compte plus de 70 films français et internationaux à sa carrière a évoqué son rôle lors de l’édition 2014:

« Ouvrir et clore le Festival de Cannes est pour moi irrésistible. Il y a eu un moment de grâce l’an passé: la danse avec Kidman », « Ce qui m’avait frappé la première fois, c’est la profondeur de la salle.Mon réflexe d’acteur de scène était de ralentir mon débit. », « J’ai toujours eu un problème avec le direct. Cela m’a toujours impressionné. Le trac est venu pendant mon speech en identifiant un par un les membres du public car la salle était allumée ». « Il y aura des choses visuelles avec moi dans la clôture. » « Il y a une banalisation de la présence des êtres devant une caméra de télévision. » « Mon film des frères Coen préféré est « Fargo ».

En bonus, ci-dessous, retrouvez mon compte rendu de l’ouverture du Festival de Cannes 2014 et de la formidable prestation de Lambert Wilson et ma critique de « Grace de Monaco » d’Olivier Dahan, film qui sera diffusé le samedi 16 Mai à 20H50.

Arrivée à Cannes deux jours avant l’ouverture du festival, j’ai vu, peu à peu, l’irréalité cannoise tisser sa toile et hisser les voiles pour un ailleurs cinématographique, modifier l’apparence de la ville pour qu’elle ne respire bientôt plus qu’au rythme haletant de 24 images par seconde, pour m’envelopper dans ses voiles et m’embarquer pour un vol de 12 jours.  Quelques perturbations ne sont pas à exclure et si l’ailleurs vers lequel m’embarque cette irréalité sera peut-être aussi déroutant, à n’en pas douter, il sera surtout réjouissant. Parce que, oui, j’ose le clamer et l’affirmer et le revendiquer : cet enthousiasme qu’il est de bon ton ici de taire pour se vanter d’être blasé et las. Moi, je suis contente et fière, naïve que je suis, que les vicissitudes de l’existence (et je vous -r-assure : je n’ai pas été épargnée ces derniers mois) n’aient pas entamé mon enthousiasme ni ma passion pour le cinéma, même après 13 festivals de Cannes, a fortiori après 13 festivals de Cannes, même si ma lucidité se fait plus vive, même plus cruelle parfois.

Cruel : le public face auquel s’est retrouver Lambert Wilson, maître de cérémonie de l’ouverture de cette 67ème édition du Festival de Cannes, l’était indubitablement. J’en tremblais pour lui. Tant d’élégance, de charisme et d’intelligence doivent susciter plus d’une jalousie et plus d’un se gausserait sans doute d’un faux pas, d’une hésitation, d’une absence. Il ne leur donnera pas ce plaisir. Il a su mêler avec brio, humour, élégance, reconnaissance envers ce festival qui lui a fait cet honneur de lui confier de rôle délicat, mais aussi envers son père et ses pairs (et c’est un exploit quand justement être blasé est de rigueur), avec même un zeste d’impertinence (magnifique danse avec Nicole Kidman comme un écho à la magie du tourbillon de la vie de Jeanne Moreau et Vanessa Paradis) mais aussi hommage au(x) cinéma(s).

Même si j’ai senti l’émotion s’emparer de lui, surjouant un peu et arpentant la scène, sans doute pour la masquer, il n’a pas démérité, s’inquiétant aussi à juste titre de « l’évaporation de la mémoire du cinéma » alors que « nous n’avons jamais été autant abreuvés de contenu ». Un tel flux et flot d’images hypnotiques qui broient l’information au lieu de la mettre en lumière. Mais le cinéma, heureusement, est là pour cela…Combien de fois, c’est vrai, me suis-je heurtée à des murs en parlant de ma passion pour le cinéma de Carné, Melville ou même Sautet comme si tout cela avait été englouti dans ce flot d’images carnassières.

 « Luchino, Federico, Roberto, Vittorio, Maurice, Ingmar, Orson,  Michelangelo prenez bien soin d’Alain Resnais », ainsi Lambert Wilson a-t-il joliment rendu hommage à Alain Resnais qui lui a donné de si beaux rôles comme dans « On connaît la chanson » ou récemment dans le sublime « Vous n’avez encore rien vu« . Oui, bien sûr, cher Lambert Wilson, nous nous souvenons de ceux dont vous avez cité les prénoms, de tels maîtres du 7ème art que citer leurs prénoms suffit d’ailleurs à les identifier mais vous avez raison, il faut être vigilant. Cannes l’est, nous aide avec Cannes Classics notamment, véritable écrin pour les classiques du 7ème art et pas seulement puisque cette année, et c’est la surprise de dernière minute : le film de clôture sera « Pour une poignée de dollars » de Sergio Leone présenté par Tarantino, un moment qui s’annonce jubilatoire et que je ne manquerai pas de vous relater ici.

 Quand s’est élancée la musique de la « Leçon de piano » avec sur l’écran, ce mélange d’âpreté gracieuse et de poésie qui caractérise le cinéma de Jane Campion, j’ai senti l’émotion s’emparer de moi. Le mystère et le miracle du cinéma. Ce en quoi et ce à quoi je veux croire ardemment et intensément pendant ces douze jours pour ne pas faire mentir cette très belle citation de Desnos rappelée par Lambert Wilson :  « ce que nous demandons au cinéma c’est ce que l’amour et la vie nous refusent : le mystère et le miracle. Place au miracle. » Peut-être celui qui faisait croire à Lambert Wilson, enfant que la palme était «  comme un grand arbre qui recouvrait d’or ceux qui passaient sous ses branches ». Le miracle de l’imaginaire.

Jane Campion  a, à son tour, rendu hommage à ce festival qui a couronné de la palme d’or sa « Leçon de Piano » : Ces images m’ont bouleversée. Je dois beaucoup, énormément à ce festival. Ma carrière n’aurait pas été possible sans Cannes. J’aime ce festival. Je le connais bien. Ça fait 28 ans que je viens ».

Et puis il y a eu ces extraits de films dont certains m’ont déjà fait frissonner, tout comme, immanquablement, chaque année, la douce réminiscence suscitée par la musique de « Aquarium » de Saint-Saëns qui ponctue les montées des marches.

Alfonso Cuaron et Chiara Mastroianni ont ensuite déclaré ouverte cette 67ème édition avant la projection du film d’ouverture avant que Lambert Wilson ne fasse chanter à la salle, un peu glaciale, un joyeux anniversaire à Tim Roth (Prince Rainier dans le film d’ouverture)  et à Sofia Coppola (membre du jury).

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A la conférence de presse d’annonce de sélection du festival, le 17 Avril, Thierry Frémaux avait ainsi défini ce qui constitue Cannes et sa magie : le glamour, les auteurs, la presse, les professionnels. Il est désormais de coutume que le film d’ouverture contribue au glamour de Cannes. « Grace de Monaco » d’Olivier Dahan n’a pas dérogé à la règle même si la famille princière monégasque sans doute initialement espérée sur les marches a boudé la cérémonie ayant désavoué le film en raison des libertés prises avec la réalité, leur (ir)réalité (on les comprend, l’image du Prince Rainier est ici celle d’un homme autoritaire, parfois même humiliant avec son épouse ne l’ayant épousé que par intérêt même si la deuxième partie du film efface cette image peu flatteuse).

Lorsqu’elle épouse le Prince Rainier en 1956, Grace Kelly est alors une immense star de cinéma, promise à une carrière extraordinaire. Six ans plus tard, alors que son couple rencontre de sérieuses difficultés, Alfred Hitchcock lui propose de revenir à Hollywood, pour incarner Marnie dans son prochain film (un rôle finalement dévolu à Tippi Hedren). Mais c’est aussi le moment ou la France menace d’annexer Monaco, ce petit pays dont elle est maintenant la Princesse. Grace est déchirée. Il lui faudra choisir entre la flamme artistique qui la consume encore ou devenir définitivement : Son Altesse Sérénissime, la Princesse Grace de Monaco.

Il est vrai que pour l’ouverture, ce film était une judicieuse idée. D’abord, parce que c’est à Cannes que se sont rencontrés Rainier et celle qui allait devenir la Princesse Grace mais aussi parce que le film commence par un plan séquence (qui n’est pas sans rappeler celui de l’annonce de la mort de Cerdan dans « La Môme », d’une certaine manière l’un et l’autre signifient la mort pour la protagoniste puisque quitter l’écran, c’est entrer dans une sorte de prison et de tombeau pour Grace) qui mène Grace de l’écran à sa loge, de l’image sur papier glacée à sa réalité, d’une route qui la conduit vers tous les possibles à une autre qui la conduit à l’enfermement puis la mort. Malgré son visage qui ressemble à un masque de cire intemporel, Nicole Kidman parvient à surprendre  et émouvoir, même à éblouir…mais le problème est que le réalisateur lui-même semble avoir été ébloui par les ors de Monaco, par son actrice, oubliant de donner de l’âme à son film très simpliste, et dichotomique même. Grace est ici une actrice fragile, une femme intelligente, prisonnière de son statut, de Monaco, de sa prison dorée. Une actrice qui va sacrifier sa carrière pour le rôle de sa vie : Princesse Grace de Monaco. C’est tout ce que s’évertue à démontrer Olivier Dahan. C’est joli, mignon mais cela manque cruellement de chair et d’âme. Cela semble être d’ailleurs le seul rôle qui compte pour Dahan qui oublie un peu trop de diriger les seconds rôles à moins qu’ils ne les dirigent délibérément dans la caricature.

Malheureusement, cette Princesse Grace possède donc les mêmes défauts que « La Môme » ( notamment ces gros plans qui cherchent à forcer l’émotion, sous-estimant peut-être l’intelligence du spectateur et forçant souvent le trait, notamment dans ses citations d’Hitchcock – feu d’artifice rappelant celui de « La Main au collet », espionnage dans les coursives du palais où est « enchaînée » la Princesse, chignon  rappelant celui de « Vertigo » etc. – mais surtout d’un montage improbable et décousu.

En restent : une actrice étincelante, de jolis décors et costumes, une judicieuse et glamour mise en abyme   pour une ouverture et une citation d’ouverture à méditer : « L’idée que ma vie puisse être un conte de fée est déjà en soi un conte de fée. ». Libre à vous de juger cela ridicule mais ça le sera toujours moins que ces journalistes qui ont jugé sans doute très spirituel de siffler la projection ou de rire à gorge déployée pour surjouer leur mépris et bien signifier à quel point ils n’étaient pas dupes.

Un film léger mais glamour, idéal pour une ouverture et donner le coup d’envoi d’un festival glamour ET cinéphile.   Je vous laisse avec une autre citation pour vous faire oublier la précédente, extraite de « Bright star » de Jane Campion, des vers du poète John Keats, et qui, dans le film, faisaient écho  aux papillons qui envahissent la chambre du personnage féminin, Fanny :

« Je rêve que nous sommes des papillons

N’ayant à vivre que trois jours d’été.

Avec vous ils seraient plus plaisants

Que cinquante années d’une vie ordinaire »

16:59 Écrit par Sandra Mézière dans CANAL + | Lien permanent | Commentaires (1) | |  del.icio.us | | Digg! Digg |  Facebook | | |  Imprimer | | Pin it! |

La Quinzaine des Réalisateurs 2015 : le programme

 

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C’est le cinéaste français Philippe Garrel qui ouvrira la Quinzaine des réalisateurs 2015 avec « L'Ombre des femmes. » En sélection figurent également notamment Desplechin avec « Trois souvenirs de ma jeunesse. », le très attendu « Les Cowboys » de Thomas Bidegain avec François Damiens, « Le Tout Nouveau Testament » de Jaco Van Dormael…

Le Carrosse d'Or sera remis à Jia Zhangke, avec la projection de « Platform », suivie d'une Masterclass au Théâtre Croisette le 14 mai 2015.

LONGS METRAGES (17)

A Perfect Day de Fernando León de Aranoa /1h46

Première mondiale

 

Allende mi abuelo Allende de Marcia Tambutti /1h37

Première mondiale – premier film

 

As mil e uma noites (Les Mille et une nuits) de Miguel Gomes

Première mondiale

 

Volume 1, o inquieto (l’inquiet) – 2h05

 

Volume 2, o desolado (le désolé) – 2h11

 

Volume 3, o encantado (l’enchanté) – 2h05

 

Les Cowboys de Thomas Bidegain /1h54

Première mondiale – premier film

 

Dope de Rick Famuyiwa / 1h45

Première internationale – film de clôture

 

El abrazo de la serpiente de Ciro Guerra / 2h05

Première mondiale

 

Fatima de Philippe Faucon / 1h18

Première mondiale

 

Gokudo daisenso (Yakuza Apocalypse : The Great War of the Underworld) de Takashi Miike / 1h55

Première mondiale – séance spéciale

 

Green Room de Jeremy Saulnier /1h34

Première mondiale

 

Much Loved de Nabil Ayouch / 1h45

Première mondiale

 

Mustang de Deniz Gamze Ergüven / 1h40

Première mondiale – premier film

 

L’Ombre des femmes de Philippe Garrel / 1h10

Première mondiale – film d’ouverture

Précédé d’un court métrage inédit de Philippe Garrel de 1968, Actua 1

 

Peace to Us in Our Dreams de Sharunas Bartas / 1h42

Première mondiale

 

Songs My Brothers Taught Me de Chloé Zhao / 1h34

Première internationale – premier film

 

Efterskalv (The Here After) de Magnus von Horn / 1h42

Première mondiale – premier film

 

Le Tout Nouveau Testament de Jaco Van Dormael / 1h43

Première mondiale

 

Trois souvenirs de ma jeunesse de Arnaud Desplechin / 2h

Première mondiale

 

 

>>>COURTS MÉTRAGES (11)

Bleu Tonnerre de Jean-Marc E. Roy & Philippe David Gagné / 21 min

Première internationale

 

Calme ta joie de Emmanuel Laskar / 24 min

Première mondiale

 

El pasado roto de Martín Morgenfeld & Sebastián Schjaer / 17 min

Première mondiale

 

Kung Fury de David Sandberg / 30 min

Première mondiale

 

Pitchoune de Reda Kateb / 23 min

Première mondiale

 

Provas, Exorcismos de Susana Nobre / 25 min

Première mondiale

 

Pueblo de Elena Lopez Riera / 30 min

Première mondiale

 

Quelques secondes de Nora El Hourch / 16 min

Première mondiale

 

Quintal de André Novais Oliveira / 18 min

Première mondiale

 

Rate Me de Fyzal Boulifa / 15 min

Première mondiale

 

The Exquisite Corpus de Peter Tscherkassky / 18 min

Première mondiale

15:25 Écrit par Sandra Mézière dans QUINZAINE DES REALISATEURS 2015 | Lien permanent | Commentaires (0) | |  del.icio.us | | Digg! Digg |  Facebook | | |  Imprimer | | Pin it! |

Programme de la 54ème Semaine de la Critique

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Après l’annonce de la sélection officielle du Festival de Cannes (retrouvez mon article, ici), vient l’heure de l’annonce de la programmation des sélections parallèles.

La 54ème Semaine de la Critique qui se déroulera du 14 au 22 Mai a dévoilé sa programmation constituée uniquement de premiers et deuxièmes films. Onze longs métrages et dix courts-métrages figurent au programme de cette année. Cette année, l’affiche provient du film « Respire  » de Mélanie Laurent, un des meilleurs films de l’année 2014 que je vous recommande vivement et dont vous pouvez retrouver ma critique, ici.

En ouverture sera projeté le film « Les Anarchistes » de Elie Wajeman, avec Tahar Rahim et Adèle Exarchopoulos, l’histoire d’un brigadier qui infiltre un groupe d’anarchistes à Paris à la fin du 19ème siècle.

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« Les Deux Amis », le premier long-métrage de Louis Garrel (dans lequel il joue également) qui s’inspire des « Caprices de Marianne » de Musset, un film co-écrit avec Christophe Honoré, figure également parmi les films sélectionnés.

Un premier film français figure également parmi les films en compétition : « Ni le ciel ni la terre » de Clément Cogitore, un film Jérémie Rénier et Kevin Azaïs qui se déroule en pleine guerre d’Afghanistan.

C’est également un film français « La vie grand » de Mathieu Vadepied qui fera la clôture du festival.

FILM D’OUVERTURE
LES ANARCHISTES Elie Wajeman (France)

 

FILM DE CLÔTURE
LA VIE EN GRAND Mathieu Vadepied (France)

SÉANCE SPÉCIALE
COIN LOCKER GIRL HAN Jun-hee (Corée du Sud)
LES DEUX AMIS Louis Garrel (France)

 
LONGS MÉTRAGES EN COMPÉTITION
DÉGRADÉ Arab & Tarzan Nasser (Palestine, France, Qatar)
KRISHA Trey Edward Shults (États-Unis)
MEDITERRANEA Jonas Carpignano (Italie, France, États-Unis, Allemagne, Qatar)
NI LE CIEL NI LA TERRE Clément Cogitore (France, Belgique)
PAULINA Santiago Mitre (Argentine Brésil, France)
SLEEPING GIANT Andrew Cividino (Canada)
LA TIERRA Y LA SOMBRA (LA TERRE ET L’OMBRE) César Augusto Acevedo (Colombie, France, Pays-Bas, Chili, Brésil)
COURTS ET MOYENS MÉTRAGES EN COMPÉTITION
ALLES WIRD GUT (EVERYTHING WILL BE OKAY) Patrick Vollrath (Allemagne)
BOYS Isabella Carbonell (Suède)
COMMAND ACTION João Paulo Miranda (Brésil)
LA FIN DU DRAGON Marina Diaby (France)
THE FOX EXPLOITS THE TIGER’S MIGHT Lucky Kuswandi (Indonésie)
JEUNESSE DES LOUPS-GAROUS Yann Delattre (France)
LOVE COMES LATER Sonejuhi Sinha (États-Unis)
RAMONA Andrei Cretulescu (Roumanie)
TOO COOL FOR SCHOOL Kevin Phillips (Etats-Unis)VARICELLA Fulvio Risuleo (Italie)
 

13:49 Écrit par Sandra Mézière dans SEMAINE DE LA CRITIQUE 2015 | Lien permanent | Commentaires (0) | |  del.icio.us | | Digg! Digg |  Facebook | | |  Imprimer | | Pin it! |