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  • La palme d’or à PARASITE de Bong Joon-Ho (critique)

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    Le jury de ce Festival de Cannes 2019 a ce soir décerné la palme d’or (à l’unanimité !) au film « Parasite » de Bong Joon-Ho.

    Synopsis : Toute la famille de Ki-taek est au chômage, et s’intéresse fortement au train de vie de la richissime famille Park. Un jour, leur fils réussit à se faire recommander pour donner des cours particuliers d’anglais chez les Park. C’est le début d’un engrenage incontrôlable, dont personne ne sortira véritablement indemne...

    Il y a dix ans, avec son quatrième long-métrage, « Mother » Bong Joon-ho déjà nous envoûtait, nous intriguait, nous charmait, nous provoquait, nous inquiétait.  Déjà, la comédie déviait vers le thriller, progressivement, Bong Joon-ho instillant intelligemment de l'étrangeté menaçante dans des scènes quotidiennes alors à la tonalité décalée, par l'effet d'un savant sens du montage, de l'ellipse, du gros plan, du cadrage et par des plans d'une beauté redoutable. Bong Joon- ho entrelaçait tragédie du souvenir et bonheur de l'oubli, violence et amour inconditionnel, humour noir et folie, culpabilité suffocante et soleil. Film hybride, palpitant, étonnant, poignant qui n'épargnait ni les travers de la société coréenne ni les ombres et forfaits d'un inconditionnel amour maternel pour mieux encore en exalter la force renversante. Si je vous parle de « Mother » aujourd’hui c’est parce que dans son 7ème film, « Parasite » on retrouve cette habileté déconcertante du cinéaste à mêler les genres et à nous décontenancer.

    Cela commence dans un appartement spartiate, insalubre, situé en sous-sol. Seule une petite fenêtre en contrebas de la rue éclaire la pièce comme une lucarne sur le monde extérieur. Là où vit la famille de Ki-taek. Des chaussettes pendent. Le wifi ne fonctionne pas. Le père balaie brutalement un insecte de la main. A l’extérieur, des agents désinfectent la zone. Tout est dit. Ils vivent comme des cloportes. Des parasites. Nous voilà prévenus. A l’opposé, les Park vivent dans une immense maison à la décoration aseptisée, avec des tableaux bien rangés et d’immenses baies vitrées qui ouvrent sur un jardin parfaitement entretenu.

    « Un examen, c’est se frayer un chemin dans la jungle. », « Il faut que tu te fraies un chemin à travers l’examen et que tu le maitrises. Une seule chose compte, ta détermination. La détermination. », « Je respecte les gens qui ne dévient pas de la route », « Elle ressemble à un agneau mais à l’intérieur c’est un loup » .« Je n’aime pas les gens qui franchissent la ligne ». « Ils sentent pareil ». « Il fuirait et se cacherait comme un cafard ».

    Les dialogues nous annoncent d’emblée la couleur de sorte que le virage horrifique ne nous surprend pas vraiment lorsque la famille Ki-taek est parvenue à s’infiltrer dans la famille Park par un judicieux enchainement de mensonges et stratagèmes dignes d’un palpitant thriller.

    Et puis il y a cette ouverture obscure et intrigante dans la salle à manger qui semble mener vers un univers interlope et mystérieux et dont on se doute surtout qu’elle ne mène pas au paradis même si Bong Joon-Ho, là encore, nous surprend ingénieusement par ce revirement à mi-parcours. Je vous laisse le découvrir lequel.

    « L’argent est un bon fer à repasser. Il efface tous les plis » peut-on notamment attendre. Comme « Mother », « Parasite » est aussi une critique acerbe de la société coréenne, mais aussi une critique plus universelle de l’uberisation et la précarisation du travail.

    Chronique sociale, thriller, film d’horreur, comédie, film déroutant, drôle, violent, cruel, burlesque, film noir, « Parasite » est tout cela à la fois et plus encore. La virtuosité de la mise en scène est indéniable et épouse la folie de cette fable satirique sur les inégalités sociales. Comme si Hitchcock, Clouzot, Chabrol, Ozon s’étaient réunis pour écrire un film coréen. Bref, un film inclassable si ce n’est dans la « case » de la palme d’or que le jury vient de lui décerner.

  • Palmarès et remise de prix de la Cinéfondation 2019

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    C’est un évènement auquel j’assiste chaque année et qui, chaque année, permet de découvrir de grands cinéastes en devenir (nombreux sont ceux à être passés par la Cinéfondation et à recevoir aujourd’hui des prix éminents dans les plus grands festivals du monde). Quatre films figiraient au palmarès cette année et pour ma part quatre coups de cœur a fortiori le premier Prix "Mano a Mano" de Louise Courvoisier -dont nous avons pu admirer le talent des comédiens acrobates lors de la remise de prix- , qui porte les prémisses de ce qui pourrait être un passionnant long-métrage que nous avons hâte de découvrir. Elle filme les visages et les corps avec une rare acuité. Bravo aussi à Richard Van (2ème prix), Wisam Al Jafari (3ème prix ex-æquo) et Barbara Rupik (3ème Prix ex-æquo). Je vous reparlerai de ces films.

    La Cinéfondation dont c’était déjà la 22ème édition (créée en 1998 à l’initiative de Gilles Jacob) était présidée cette année par la réalisatrice Claire Denis.

  • Séance spéciale - « Ice on fire » de Leila Conners Petersen

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    Synopsis : Le film, Ice on Fire, avec Leonardo DiCaprio, pose la question suivante : allons-nous laisser le changement climatique détruire la civilisation ou allons-nous utiliser des technologies capables de l’inverser ? Ice on Fire propose des solutions inédites quant aux nombreuses façons de réduire le carbone, préservant ainsi la civilisation. Avec une cinématographie époustouflante, nous explorons le profond espoir de pouvoir nous détourner du bord du précipice. Le film présente une science arctique de méthane dans la glace. « Est-ce que le jeu est terminé ? Ou allons-nous l’emporter ? Nous avons la créativité, l'ingéniosité et la vision nécessaires pour inverser le changement climatique. » 11 ans après The 11th Hour, nous savons maintenant comment résoudre le problème du changement climatique.

    C’était l’évènement hier au Festival de Cannes, la projection en Séance spéciale de « Ice on fire », présenté par la réalisatrice et par son producteur et narrateur Leonardo Di Caprio.

    « Le changement climatique peut être inversé si nous agissons maintenant », affirme DiCaprio dans ce film produit par HBO et destiné à la télévision dans lequel Conners et DiCaprio sont en quête des solutions (qui, en plus, existent déjà !) pour réduire les émissions de gaz à effets de serre et enfin réellement inverser la tendance du réchauffement climatique parce que oui…non seulement réduire la tendance est possible mais l’inverser l’est aussi ! C’est le point optimiste de ce documentaire dont certaines images et réalités n’en demeurent pas moins effroyables comme celle de l’évaporation dans l’atmosphère du méthane contenu dans le permafrost (sols gelés en permanence), augmentant la pollution de l’air et la destruction de la couche d’ozone.

    Croatie, Islance, Alaska, Ecosse, nous voyageons dans le monde entier pour découvrir l’ampleur terrifiante des dégâts et des solutions qui, pourtant, bel et bien existent et dont on ne peut s’empêcher d’enrager à l’idée qu’elles tardent tant à être mises en œuvre d’autant qu’elles seraient aussi un atout économique selon le documentaire. Ces solutions seraient ainsi notamment des champs entiers de panneaux solaires, ou encore les cultures de varech, des machines qui filtreraient le dioxyde de carbone présent dans l’air.

    Pour des sujets aussi graves et urgents pour lesquels l’horloge tourne irrémédiablement, chaque voix compte mais il y en a qui, évidemment, portent plus que d’autres. C’est ce que nous pouvons espérer avec de documentaire pédagogique, édifiant, passionnant, et malgré tout porteur d’espoirs, qui dresse le tableau tragiquement réaliste mais aussi la liste de solutions inédites pour réduire les émissions de carbone : que cette voix porte jusqu’aux dirigeants inconscients pour qui la planète est devenue un jouet que l’on peut malmener à sa guise et sans se soucier des conséquences.

  • Critique de MATTHIAS ET MAXIME de Xavier Dolan (compétition officielle )

    cinéma, Xavier dolan, Matthias et Maxime, Festival de Cannes 2019, 72ème Festival de Cannes, Gabriel D’Almeida Freitas

    L’émotion était au rendez-vous ce 22 Mai 2019 à Cannes dans le Grand Théâtre Lumière, pendant le film, et a fortiori lorsque la lumière s’est rallumée.  Comme le veut la nouvelle tradition à la fin de chaque projection officielle, un micro a été tendu au réalisateur pour qu’il prononce quelques mots. En larmes, Xavier Dolan, s’est ainsi exprimé : « Je ne pense pas que je pourrai parler longuement car je suis très ému. Cela fait tout de même 10 ans que je débarquais à Cannes avec « J’ai tué ma mère » et depuis cela a été tellement enrichissant, tellement de rencontres, tellement de moments comme ceux-ci…et merci, c’est tout… ». En larmes, je l’étais aussi après ce film pétri de tendresse, d’émotions, de vérité, d’audace. Et de talent.

    Présenté en compétition du 72ème Festival de Cannes, ce huitième film de Xavier Dolan est aussi son sixième présenté à Cannes. Ce huitième film de Xavier Dolan est reparti de Cannes sans prix. Il aurait pourtant pu prétendre à plusieurs d’entre eux, à commencer par celui du scénario. Cannes et Xavier Dolan, c’est déjà une longue histoire jalonnée de récompenses. En 2009, il réalise et produit à seulement vingt ans son premier long-métrage, « J’ai tué ma mère » présenté à la Quinzaine des Réalisateurs où il suscite un incroyable engouement en repartant avec 3 prix.  Suivront « Les amours imaginaires » et « Laurence anyways » en compétition à Un Certain Regard en 2010 et 2012. En 2013, « Tom à la ferme » ne sera pas à Cannes mais il reçoit le Prix Fipresci à la Mostra de Venise. « Mommy » a reçu le Prix du Jury du Festival de Cannes en 2014 et le César du meilleur film étranger. « Juste la fin du monde » en compétition en 2016 a reçu le Grand Prix.

    Très prolifique, Xavier Dolan, quelques mois avant le Festival de Cannes sortait le magnifique « Ma vie avec John F. Donovan ». Un film intime et universel. Passionné et passionnant. Épique et personnel. Moderne et intemporel. Sensible et fougueux. Mélancolique et enivrant. Un film dans lequel la sincérité affleure, comme dans tous les films de Xavier Dolan d’ailleurs, et nous touche en plein cœur. Un long métrage qui nous dit que les rêves et les mensonges peuvent sauver (tuer parfois, aussi). Quel plus bel hommage encore au cinéma que cette nouvelle mise en abyme ? La forme épouse le fond et ceux qui n'y ont vu qu'esbroufe sous-estiment Dolan, les mensonges du personnage de Donovan s'illustrant ainsi magistralement dans cette flamboyance hypnotique. La correspondance est comme un miroir, un révélateur entre ces enfances. Ce sont donc des êtres qui se répondent et réfléchissent, les affres de l'un condamnées à l'ombre éclairant finalement la vie de l'autre. Ce film, comme les précédents de Dolan, brasse de multiples thèmes chers à l'auteur et recèle de nombreuses scènes d'anthologie poignantes et/ou électrisantes, une fois de plus : sous la pluie, dans une salle de bain ou lorsque la ville semble comme survolée par un super héros et vue par le prisme d'un enfant rêveur. Avec, comme toujours dans les films de Dolan, une BO remarquable au service de l'émotion.

    Changement d’univers avec « Matthias et Maxime ». Deux amis d’enfance, Matthias (Gabriel d’Almeida Freitas) et Maxime (Xavier Dolan) s’embrassent pour les besoins d’un court métrage amateur. Matthias a une brillante carrière d’avocat devant lui, des airs de gendre idéal. Maxime a une vie plus chaotique. Ils viennent de milieux différents et une profonde amitié les lie. Suite à ce baiser d’apparence anodine, un doute récurrent s’installe, confrontant les deux garçons à leurs préférences, bouleversant l'équilibre de leur cercle social et, bientôt, leurs existences. 

    Le film commence ainsi par une longue scène de soirée entre amis, bouillonnante, débordante de vie, soirée de joyeuse confusion lors de laquelle les plaisanteries fusent. Immédiatement notre attention est captée par le naturel de la scène. Subrepticement s’y glissent des regards fuyants, une sensation de non-dit, le sentiment impalpable qu’une dissonance va venir briser l’harmonie, que les silences qui ponctuent cette cacophonie sont peut-être annonciateurs d’un orage. Erika, la sœur d’un de leurs amis, Rivette, jeune fille survoltée veut réaliser un petit film pour son école. Il faut trouver deux remplaçants aux deux amis qui se sont désistés et qui devaient interpréter les rôles. Les remplaçants, ce seront donc Matthias et Maxime. La scène du baiser ne nous est alors pas montrée mais alors que Matthias, en couple avec Sarah, semble ne pas y avoir accordé d’importance, pour Maxime, plus rien ne semble pareil. A quelques jours de son départ pour deux ans pour l’Australie, la confusion est désormais celle des sentiments.

    Le plan du début, d’un panneau publicitaire, montrant une famille soi-disant parfaite;, annonçait d’emblée que ce schéma ne serait pas si facile à briser, que cela ne serait pas sans heurts et sans blessures.

    Un schéma qui, comme le cadre, ce cadre, semble  enfermer Matthias et Maxime. Malgré les plaisanteries qu’ils partagent, Matthias et Maxime semblent  soudain étrangers à eux-mêmes, seuls, ailleurs, dans une bulle chacun de leur côté puisque Dolan ensuite nous les fait suivre, les séparant, les montrant si fébriles chacun de leur côté. Ils sont distraits par ce désir irrépressible et inattendu dont Dolan filme magnifiquement les moindres vacillements. Matthias qui aime reprendre les fautes sémantiques des autres semble soudain sans voix, ne plus trouver les mots pour exprimer cette confusion des sentiments qu’il fuit.

    "J'ai toujours préféré la folie des passions à la sagesse de l'indifférence" disait Xavier Dolan citant Anatole France dans son discours, lyrique et émouvant, en recevant son Grand Prix pour "Juste la fin du monde". Avec "Matthias et Maxime", il prouve une nouvelle fois qu'il est le cinéaste des élans du cœur, qu'ils soient passionnés, amicaux, filiaux, à la fois fidèle à son univers si singulier et se réinventant sans cesse.

    Avec ce film dont le titre avec ces deux prénoms juxtaposés fait penser à ceux de Claude Sautet (cinéaste qu'il cite souvent et notamment "Un cœur en hiver", un de mes films préférés dont je vous parle souvent et dont je vous propose aussi la critique ici), - sans compter que le surnom de Maxime est Max, autre surnom indissociable du cinéma de Claude Sautet. Comme Claude Sautet, Xavier Dolan filme comme personne l'amitié, les regards éludés, la passion contenue, puis qui explose. Ardente. Sublime. Un film électrique comme cette scène alors que règne l’orage à l’extérieur (ou est-ce seulement dans mon imaginaire, en écrivant cette critique plus d'un mois après avoir vu le film). Comme cette  pluie qui, dans les films de Sautet, accélère et exacerbe l’expression des sentiments. Tant pis pour les haineux systématiques (qui lui donnent tort avant même de le voir ou l'entendre, qui ne supportent pas le talent a fortiori allié à l'enthousiasme et la jeunesse), Xavier Dolan est mon Claude Sautet des années 2000 et chacun de ses films m'envoûte et m'émeut autant. Infiniment.

    Comme Claude Sautet, Xavier Dolan a construit de magnifiques personnages, émouvants, attachants, vibrants de vie, à l’image de Maxime,  jeune homme en mal d’amour qui fuit sa mère et en même temps recherche son amour, un rôle de mère complexe et irascible qui incombe une nouvelle fois à Anne Dorval, à l’opposé de la mère de son ami Matthias, son autre famille.

     Sur la tombe de Claude Sautet est écrit "Garder le calme devant la dissonance". Dolan filme aussi la dissonance avec maestria.  Comme Claude Sautet, il filme ses beaux personnages, Matthias, Maxime et les autres, avec sensibilité et empathie, pour signer une "histoire simple", en apparence, si profonde en réalité, chaque seconde, même en apparence anodine, semble suspendue et contenir le désir impalpable qui remet tout en question.

    Dans une société du cynisme dans laquelle elles sont souvent méprisées, Xavier Dolan n’a pas pleur de laisser les émotions prendre le dessus et surtout de rester fidèle aux siennes, ou encore pour les souligner d'utiliser une chanson de l'Eurovision, qui sied parfaitement à l'émotion de la scène, dont le choix est déjà décrié par les pseudo-détenteurs du politiquement correct et du bon goût.

    Une fois de plus Xavier Dolan nous envoûte, électrise, bouleverse, déroute.  Il se fiche des modes, du politiquement correct, de la mesure, de la tiédeur et c’est ce qui rend ses films si singuliers, attachants, bouillonnants de vie, lyriques et intenses.  Surtout, qu’il continue à filmer les personnages en proie à des souffrances et des passions indicibles, qu'il continue à les soulever ces passions, à préférer leur folie à « la sagesse de l’indifférence », c’est si rare…  Qu’il continue à oser, à délaisser la demi-mesure, la frilosité ou la tiédeur, à se concentrer sur ceux qui voient ce que dissimulent le masque, la fantasmagorie, l’excès, la flamboyance et à ignorer ceux que cela aveugle et indiffère. Qu’il continue à toujours exalter ainsi la force de la passion et de l'imaginaire, et de faire de chacun de ses films une déclaration d'amour fou au cinéma, ce cinéma qui permet d'affronter les désillusions de l'existence et à chaque fois de prouver comme il le disait à Cannes que "tout est possible à qui rêve, ose, travaille et n’abandonne jamais ».

    La réussite doit beaucoup aux choix de Gabriel D’Almeida Freitas et Xavier Dolan dans les rôles respectifs de Matthias et Maxime, dans leurs différences (dans l’apparence, la manière de parler, bouger) qui semblent aussi les rendre complémentaires et dans le choix d'Anne Dorval, une nouvelle fois dans un rôle de "Mommy".

    Un film empreint de beaucoup de douceur et de tendresse, de passion aussi, d’audace visuelle et sonore, jalonné de ces scènes fortes indissociables des films de Dolan qui imprègnent notre mémoire comme ce plan final. Un moment suspendu. Un moment à retenir son souffle.  Et à continuer à vivre avec Matthias et Maxime dans nos imaginaires que Xavier Dolan sait tant titiller et enrichir. Un film enfiévré et mélancolique, électrique et nostalgique, porteur d’illusions et d’espoirs, comme une amitié amoureuse, ou comme un été qui s’achève, cet été qui s’achève.

    Il vous faudra patienter jusqu'au 16 octobre 2019 pour le découvrir en salles en France.

  • Compétition officielle - Critique de ONCe UPON A TIME IN...HOLLYWOOD de Quentin Tarantino

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    Synopsis : En 1969, la star de télévision Rick Dalton et le cascadeur Cliff Booth, sa doublure de longue date, poursuivent leurs carrières au sein d’une industrie qu’ils ne reconnaissent plus. 

    Ce n’est pas un scoop : Tarantino, cinéphile érudit, aime le cinéma. A la folie.  Et chacun de ses 9 films rend un vibrant hommage au 7ème art et à ceux qui le lui ont fait aimer ainsi, passionnément. Et pour cela, la fin (en prouver avec obstination film après film le pouvoir fabuleux) justifie les moyens (jongler avec la réalité à sa guise, en faisant fi des faits et de la morale -mais l’art doit-il être moral ou la liberté des uns s’arrête-t-elle là où commence celle des autres même en art, vous avez deux heures-, comme un enfant capricieux et attachant qui veut nous persuader que son fabuleux cinéma dispose du pouvoir magique de remonter le temps, de réécrire l’Histoire avec son histoire).

    C’est un cinéma de réminiscences qui joue avec nos souvenirs de cinéphile, ce qui, sans doute, explique les sentiments exaltés qu’il suscite. Ceux qui ont été bercés par ces genres cinématographiques avec lesquels il s’amuse brillamment (western, film de guerre, fable, farce, comédie, films spaghetti, séries B, films d’horreur) feront abstraction des faiblesses (le passionné n’est pas objectif et c’est bien parfois de se laisser éblouir et entraîner par la passion après tout, non ?). Les autres resteront de marbre et n’y verront qu’interminable logorrhée.

    J’aime follement le western, genre qui a bercé mon enfance et ma cinéphilie, et j’aurais aimé aimer ce film à la folie, comme cela avait été le cas avec Inglourious basterds inspiré d’un film italien réalisé par Enzo G.Castellari qui  rendait déjà hommage au genre (et aux films de John Ford, de Sergio Leone avec ce mélange de mélancolie, d’humour, de pesanteur, comme c’est aussi le cas dans ce neuvième film), tout comme Kill Bill et a fortiori Django unchainded. Django était en effet un personnage emblématique des westerns spaghettis et évidemment du film éponyme de Sergio Corbucci de 1966.

    Mais peut-être justement parce qu’il y a eu Inglourious basterds ce film-ci perd-il un peu de sa saveur puisqu’il en reprend les codes (un conte aux accents de western qui se termine comme une farce) et surtout la trouvaille du dénouement. Malgré cette déception relative, pourtant, ce film me revient comme un parfum entêtant, mélancolique et puissant.

    Comme les images de cette époque qu’il reconstitue, avec deux acteurs hors norme dont Tarantino sublime le talent et l’art.  « Once upon a time in… Hollywood » nous replonge en 1969, les néons s’allument sur les frontons des cinémas d’Hollywood comme ceux d’un manège qui nous embarque pour un tour dans le passé.

    C’est cela aussi le cinéma, un tour de magie fabuleux qui permet de réécrire la fin (cette fin de carrière qui fait peur aux personnages incarnés par Pitt et DiCaprio, cette fin inéluctable pour le spectateur qui connait l’histoire tragique de Sharon Tate, cette fin de carrière peut-être redoutée par Tarantino, et la fin du cinéma d’hier qu’il vénérait). Le cinéma qui donc défie la réalité, la fin, et la mort. Magique, décidément. Et rien que pour cette raison, cela vaut la peine de prendre un ticket pour se laisser conter cette histoire à condition d’avoir été et d’être restés des enfants cinéphiles avides d’illusions.

  • Critique de FRANKIE de Ira Sachs (compétition officielle)

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    Synopsis : Frankie (Isabelle Huppert), célèbre actrice française, se sait gravement malade. Elle décide de passer ses dernières vacances entourée de ses proches, à Sintra au Portugal.

     "Frankie" est un bijou de délicatesse et de sensibilité qui suspend le vol du temps, celui de la mort, omniprésente, omnisciente, dans une ville de Sintra devenue Jardin d'Eden. Un premier et un dernier plan qui se répondent et s'opposent, tragiquement lumineux. Un‪ film d'une douceur apparente émaillé de cruelles fulgurances, celles de la vie qui pour les autres continue quand pour Frankie elle s'en va. Je vous en parlerai plus en détails prochainement. Un énorme coup de coeur. Et peut-être un prix du scénario en perspective pour ce film à l'écriture ciselée et implacable. 

    En attendant de vous en parler plus en détails ainsi que de la passionnante conférence de presse, quelques mots sur un autre chef-d'œuvre d'Ira Sachs, « Brooklyn village » :


    Une famille de Manhattan y hérite d’une maison dont le rez-de-chaussée est occupé par la boutique de Leonor, une couturière latino-américaine. Les relations sont d’abord très cordiales entre les deux familles, notamment grâce à l’insouciante amitié qui se noue entre Tony et Jake, les enfants des deux foyers qui ont le même âge. Mais le loyer de la boutique (fixé par un arrangement amical par le grand-père de Jake, son père venant d’en hériter à la mort de celui-ci) s’avère bien inférieur aux besoins des nouveaux arrivants. Les discussions d’adultes vont bientôt perturber la complicité entre voisins.
    Alors que beaucoup de films du Festival de Deauville 2016 réglaient ou exorcisaient les conflits par la violence ou l’excès, Ira Sachs fait ici preuve d’une rare bienveillance envers ses personnages qui y gagnent en profondeur, en intérêt, en crédibilité, en émotion. La seule violence est une grève de la parole que les deux enfants mettent en place pour protester contre les décisions d’adultes qu’ils réprouvent.

    Plutôt que d’opposer la pauvre couturière authentique aux voraces propriétaires qui ne cherchent qu’à s’enrichir et plutôt que de stigmatiser les seconds, Ira Sachs porte un regard plein d’humanité, de compréhension et d’indulgence sur chaque partie, les propriétaires ne vivant que sur un seul salaire, le père étant un comédien de théâtre désargenté.
    En vo le film s’intitule Little Men, et s’il désigne les enfants, ces « petits hommes » peuvent aussi désigner les adultes, tels qu’ils sont dans le regard de leurs enfants, ou tels que chaque adulte reste finalement à jamais, portant simplement le masque de l’adulte mais demeurant aussi perdu, écartelé, et parfois démuni devant les difficultés de l’existence. Sans doute s’agit-il des deux.
    Ajoutez à cela Theo Taplitz et Michael Barbieri, deux jeunes comédiens exceptionnels (magnifique scène ou l’un des deux s’exerce à la comédie pendant laquelle on retient son souffle) et vous obtiendrez un film pudique, délicat, sensible avec des personnages humains, pas des super-héros mais des êtres faillibles et attachants écrits avec une extrême délicatesse, nuancés comme la vie.

  • Palme d'or d'honneur d'Alain Delon, master class et projections de "Monsieur Klein" et "Le professeur" - Récit

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    « Ne me secouez pas, je suis plein de larmes » écrit Henri Calet dans Peau d’ours, son ultime roman inachevé, un roman qui touche tout particulièrement Alain Delon. Peut-être au fond est-ce là que réside la clef du mystère, la clef des émotions de cette journée aussi ?

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    De ce Festival de Cannes 2019, sans aucun doute la master class et la remise de la Palme d’or d’honneur à Alain Delon suivie de la projection de Monsieur Klein en resteront-elles pour moi des souvenirs indélébiles. De même que la projection du film Les plus belles années d’une vie de Claude Lelouch. Bien sûr, cette édition a d'ores et déjà connu de nombreux moments forts sur lesquels je reviendrai mais cette journée convoquait les émotions de l’enfance. Et qu’est-ce qui pourrait bien rivaliser avec les émotions de l’enfance ? Ces moments inestimables à regarder et commenter les films de Delon avec mon père. L’acteur de nos films préférés. Ceux que nous regardions inlassablement à chaque diffusion télévisée. Ceux qu’il m’enregistrait précautionneusement sur les cassettes VHS. Ceux à l’origine de ma passion dévorante pour le cinéma. Les Gabin aussi, le « patron » comme l’appelle Delon. Alors, tout naturellement, dans mon premier roman qui est un hommage au cinéma mais aussi à mon père, mon héros, c’est autour du Cercle rouge que l’intrigue tourne (qui se déroule aussi dans la suite Mélodie de l'hôtel Majestic à Cannes, ainsi nommée en référence à...Mélodie en sous-sol, film avec Alain Delon, suite dans laquelle a été prise la photo ci-dessous) et autour de cette fameuse citation : «Quand des hommes, même s'ils l'ignorent, doivent se retrouver un jour, tout peut arriver à chacun d'entre eux et ils peuvent suivre des chemins divergents. Au jour dit, inéluctablement, ils seront réunis dans le cercle rouge.»

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    Le 19 Mai 2019, j’avais donc rendez-vous avec les émotions de mon enfance, avec mes premiers élans passionnés pour le cinéma, avec le héros de Visconti, Clément, Deray, Verneuil, Losey, Giovanni, Melville, avec Tancrède, Roger Sartet, Robert Klein, Roch Siffredi, Gino sans oublier le glacial, élégant et solitaire Jef Costello. Comme un clin d'œil du destin, ce jour était aussi accessoirement celui de mon anniversaire.

    Comme souvent, c’est dans la salle Buñuel qu’avait lieu la master class. Dès 8H30 pour ce rendez-vous de 11H, il y avait déjà quelques cinéphiles qui ne voulaient pas manquer ce grand moment de cinéma et qui, peut-être, eux aussi, avaient rendez-vous avec leur enfance.

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    En attendant l’arrivée d’Alain Delon, je pensais à la projection de Plein soleil en copie restaurée en 2013 à l’occasion de laquelle Alain Delon était venu pour la dernière fois à Cannes. Alain Delon dit régulièrement de René Clément que c’est pour lui le plus grand réalisateur mais surtout le plus grand directeur d’acteurs au monde. Sa présence à l’occasion de la projection de Plein soleil à Cannes Classics était donc une évidence. L’acteur avait par ailleurs alors déjà tenu à ce qu’il ne s’agisse pas d’un hommage à Alain Delon mais d’un hommage à René Clément. Rappelons que Delon devait d’ailleurs au départ interpréter le rôle que Maurice Ronet jouera finalement et, malgré son jeune âge (24 ans alors), il avait réussi à convaincre Clément (et d’abord sa femme) de le faire changer de rôle.

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    Photo ci-dessus prise lors de la présentation de Plein soleil par Alain Delon lors de sa projection en copie restaurée dans le cadre du Festival de Cannes 2013.

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    En 2010, c’est une version restaurée du Guépard qu’il était venu présenter. Quelle étrange sensation ce fut alors de voir enfin sur grand écran ce film qui m’avait tant marquée dans mon enfance et vu tant de fois auparavant à la télévision, tout en observant ses acteurs au premier plan, juste devant moi, en chair et en os. Aussi fascinant et somptueux soit Le Guépard (et ce fameux soir il m'avait à nouveau et plus que jamais éblouie) mon regard ne pouvait s'empêcher de dévier vers Delon et Cardinale. Instant irréel où l'image de la réalité se superposait à celle de l'écran. Je ne pouvais m'empêcher d'essayer d'imaginer leurs pensées. Claudia Cardinale qui semblait littéralement transportée (mais avec gaieté) dans le film, tapant des mains, se tournant vers Alain Delon, lorsque des scènes, sans doute, lui rappelaient des souvenirs particuliers, riant aussi souvent, son rire se superposant même sur la célèbre cavalcade de celui d'Angelica dans la scène du dîner. Et Alain Delon, qui regardait l'écran avec tant de solennité, de nostalgie, de tristesse peut-être comme ailleurs, dans le passé, comme s'il voyait une ombre du passé ressurgie en pleine lumière, pensant, probablement, comme il le dit souvent, à ceux qui ont disparu : Reggiani, Lancaster, Visconti.... Delon et Cardinale plus humains sans doute que ces êtres d'une beauté irréelle sur l'écran et qu'ils ont incarnés mais aussi beaux et touchants. C'était d'autant plus troublant que la scène de la réalité semblait faire étrangement écho à celle du film qui raconte la déliquescence d'un monde, la nostalgie d'une époque. Comme si Delon était devenu le Prince Salina (incarné par Lancaster dans le film) qui regarde avec mélancolie une époque disparaître. J'avais l'impression de ressentir leurs émotions, ce qui, ajouté, à celle que me procure immanquablement ce film, a fait de cet instant un moment magique de vie et de cinéma entremêlés, bouleversant.  Je n'avais alors pas vu passer les trois heures que dure le film dont la beauté, la modernité, la richesse, la complexité mais aussi la vitalité, l'humour (c'était étonnant d'entendre ainsi la salle rire) me sont apparus plus que jamais éclatants et surtout inégalés. 47 ans après, quel film a pu rivaliser ? Quel film contient des plans séquences aussi voluptueux ? Des plans aussi somptueux ? On comprend aisément pourquoi le jury lui avait attribué la palme d'or 1963 à l'unanimité ! Et encore maintenant il me semble entendre la valse qui a sublimé Angelica et Tancrède, et d'en ressentir toute la somptuosité nostalgique. Cette phrase prononcée par Burt Lancaster dans Le Guépard pourrait ainsi peut-être être désormais prononcée par ceux qui ont joué à ses côtés : « Nous étions les Guépards, les lions, ceux qui les remplaceront seront les chacals, les hyènes, et tous, tant que nous sommes, guépards, lions, chacals ou brebis, nous continuerons à nous prendre pour le sel de la terre ».

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    Delon aura pourtant mis du temps à revenir à Cannes, après ne pas avoir été invité au 50ème anniversaire en 1997.  Il était venu pour la première fois en 1961 pour Quelle joie de vivre de René Clément, puis pour L’Eclipse de Michelangelo Antonioni en 1962 (Prix du jury), pour Le Guépard de Luchino Visconti, Palme d’or 1963 et en 1976 pour Monsieur Klein de Joseph Losey qui n’avait pas reçu l’accueil que ce chef-d’œuvre aurait mérité (ma critique en bas de cet article), le film qui fut d’ailleurs projeté après la remise de la Palme d’or d’honneur à Alain Delon ce 19 mai 2019.

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    « La joie, la fierté et le bonheur que nous avons d’avoir Alain Delon » a d’abord rappelé Thierry Frémaux avant l’entrée de celui dont il a dit ensuite que « l’expression monstre sacré » « on dirait qu’elle a été inventée pour lui ». « Il n’y a pas de grand acteur sans grand metteur en scène » a-t-il également ajouté. C’est en effet pour honorer ces grands metteurs en scène avec lesquels il a tournés que Delon a accepté l’invitation du Festival de Cannes. « Le festival veut lui montrer aujourd’hui qu’il lui est fidèle » a également précisé le Délégué général du Festival de Cannes.

     Et puis il est arrivé, le monstre sacré, éclipsant tout autour de lui, captant la lumière et l’attention comme il le fait partout, comme il le faisait déjà dans sa jeunesse, avant d’être devenu l'acteur mythique, avant même d'être connu. Parce que son aura, sa démarche étaient déjà là avant même qu’une caméra ne se pose dessus. La salle retenait son souffle, prête à assister à un grand moment de cinéma, de vie, nous ne savions plus bien. Avec son froncement de sourcils si caractéristique, il a jaugé la salle. « Ils ne sont pas nombreux, il n’y a que ça » a-t-il commenté en regardant l’assistance. Sans doute ses détracteurs auraient-ils pris pour arrogance ce qui n’était que la déception de celui venu parler de ceux qu’il aimait et dont il voulait  que leurs noms résonnent bien fort et parmi une foule nombreuse, une fois de plus. Mais de toute façon, de ses détracteurs, il n’y en avait heureusement pas dans cette assemblée. Dommage peut-être aussi d’ailleurs. Peut-être ce moment les aurait-il fait changer d’avis tant l’acteur s’y est montré passionnant et émouvant. Il a ensuite présenté celui qui allait animer la rencontre, Samuel Blumenfeld, par ces mots: « il a tout dit dans Le Monde, je n’ai plus rien à dire. » Samuel Blumenfeld est en effet l’auteur d’une série de formidables articles sur l’acteur publiés pendant l’été 2018.

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    Il semblait au tout début un peu contrarié d’être là, notre monstre sacré (plutôt tout simplement une manière pudique de masquer son émotion), et pourtant comme lorsque la caméra se met à tourner, lorsque son tour de parler vint, de parler de ces cinéastes et acteurs qu’il a tant aimés et admirés, il était le Alain Delon de notre enfance à nouveau, là, devant nous, captivés.

     « Parle comme tu parles, écoute comme tu écoutes. Fais tout comme tu le fais. Sois toi. Ne joue pas. Vis. Cela m’a marqué toute ma vie. Ce départ avec Yves. Je n’ai jamais joué de ma vie dans tous les films que j’ai faits. Je vis mes rôles. Je ne joue pas. La différence essentielle entre un comédien ou un acteur… Il y a des comédiens absolument fabuleux comme Belmondo qui ont pris des cours. Et des gens comme moi. Et comme Lino… » a-t-il commencé à raconter.

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    « Ce sont les femmes qui m’ont aimé, qui m’ont fait faire ce métier, qui ont voulu que je le fasse et qui se sont battues pour que je le fasse » a-t-il également précisé.

    Des extraits de films ont ponctué la rencontre. A chaque fois, il se tournait vers l’écran pour les regarder. C’était émouvant, triste aussi, de penser à sa propre tristesse face à ces images qui le surplombaient et dont ils ne pouvaient détourner le regard. Des images du temps d’avant. Des images de ceux qui ne sont plus.

    Il s’est levé souvent après ces images d’extraits. L’émotion à chaque fois était là, palpable.

    A notamment été diffusé un extrait de Plein soleil lorsque Ripley endosse le rôle de Greenleaf.  "Vous n’étiez pas qu’une belle gueule. Ce que vous avez et que personne d’autre n’a, c’est votre manière de bouger. Cet espace tout à coup devient le vôtre. Dans chacun de vos gestes, de cette scène comme dans tous vos films, il y a une part de mystère" a ainsi commenté Samuel Blumenfeld.

    En réponse, Alain Delon a à nouveau tenu à mettre en valeur le réalisateur : "ça, c'est René Clément. René Clément me disait c'est ton décor. Là aussi René aussi me disait sois toi, vis comme tu vivrais dans ton décor. Tout ce que je fais c’est Clément qui me l’a demandé. C’est pour ça que je crois que j’avais un certain don".

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    Comme le soleil qui à la fois éblouit et brûle, dans Plein soleil, Ripley et Greenleaf sont l’un et l’autre aussi fascinants que dangereux. La caméra de Clément enferme dans son cadre ses personnages comme ils le sont dans leurs faux-semblants. Acte de naissance d’un mythe, thriller palpitant, personnage délicieusement ambigu, lumière d’été trompeusement belle aux faux accents d’éternité, Plein soleil est un chef d’œuvre du genre dans lequel la forme coïncide comme rarement avec le fond, les éléments étant la métaphore parfaite du personnage principal.  

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    Et puis il y a eu l’extrait de Rocco et ses frères, un extrait avec Annie Girardot. Alain Delon a essuyé une larme. Nous étions presque gênés que la lumière se fut rallumée, d’être là, avec lui dans ses souvenirs.  « Je n’étais pas venue ici pour chialer. C’est surtout cette scène merveilleuse avec Annie qui n’est plus là. Je l’aime. Elle m’aime. Et ce sacrifice que je fais, je le fais pour mon frère. Voir Annie comme elle est là, cela m’a tuée. Elle est magnifique. Cela m’a fait vraiment mal. »

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    « Vous incarnez le personnage tragique par excellence » a commenté Samuel Blumenfeld.

     Dans ce film, Nadia (Annie Girardot) porte la trace indélébile de son passé. Son rire si triste résonne sans cesse comme un vibrant cri de désespoir. Elle est une sorte de double de Rocco, n’ayant d’autre choix que de vendre son corps, Rocco qui est sa seule raison de vivre. L’un et l’autre, martyrs, devront se sacrifier. Rocco en boxant, en martyrisant son corps. Elle en vendant son corps (et le martyrisant déjà), puis, dans une scène aussi terrible que splendide, en le laissant poignarder, les bras en croix puis enserrant son meurtrier en une ultime et fatale étreinte. Annie Girardot apporte toute sa candeur, sa lucidité, sa folie, son désespoir à cette Nadia, personnage à la fois fort et brisé qu’elle rend inoubliable par l’intensité et la subtilité de son jeu. Que ce soit à la cour de Bavière avec Ludwig, ou au palais Donnafigata avec le Prince Salina, avec Visconti, c’est toujours d’un monde qui périclite et de solitude dont il est question mais aussi de grandes familles qui se désagrègent, d’être promis à des avenirs lugubres qui, de palais dorés en logements insalubres, sont sans lumière et sans espoir. Face à Annie Girardot, Alain Delon illumine ce film sombre de sa beauté tragique et juvénile et montre ici toute la palette de son jeu, du jeune homme timide, fragile et naïf, aux attitudes et aux craintes d’enfant encore, à l’homme déterminé. Une palette d’autant plus impressionnante quand on sait que la même année (1960) sortait Plein soleil de René Clément, avec un rôle et un jeu si différents. La réalisation de Visconti reprend le meilleur du néoréalisme et le meilleur de la Nouvelle Vague avec une utilisation particulièrement judicieuse des ellipses, du hors champ, des transitions, créant ainsi des parallèles et des contrastes brillants et intenses. Il ne faudrait pas non plus oublier la musique de Nino Rota qui résonne comme une complainte à la fois douce, cruelle et mélodieuse. Rocco et ses frères : encore un chef d’œuvre de Visconti qui prend le meilleur du pessimisme et d’une paradoxale légèreté de la Nouvelle Vague, mais aussi du néoréalisme qu’il a initié et qui porte déjà les jalons de ses grandes fresques futures. Un film d’une beauté et d’une lucidité poignantes, sombres et tragiques, porté par de jeunes acteurs (Delon, Girardot, Salvatori…), un compositeur et un réalisateur déjà au sommet de leur art.  Rocco et ses frères a obtenu le lion d’argent à la Mostra de Venise 1960.

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    L’émotion était encore au rendez-vous quand Alain Delon a raconté le choix de la fin de L’Insoumis qu’il avait choisi en hommage à Sterling Hayden et à la fin  Quand la ville dort de John Huston une mort au milieu des chevaux en hommage à cette scène.

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    Il était tout aussi passionnant de l’entendre raconter son acceptation de tourner dans Le Samouraï : « Je l’ai écrit pour vous. Cela s’appelle Le Samouraï. Melville commence à me raconter l’histoire. Et je l’arrête. Cela fait 5 minutes que vous racontez l’histoire et je n’ai pas dit un mot. Cela viendra plus tard a-t-il répondu. Ce n’est pas la peine d’aller plus loin. Je fais le film ».

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    Quelle émotion à nouveau quand il a raconté  la fameuse anecdote de Melville suite à l’incendie de ses studios Jenner si chers au cinéaste, en 1967. Les décors durent être reconstruits à la hâte dans les studios de Saint-Maurice.  « Elle est vraie et elle est belle » a  précisé Alain Delon en préambule de l’anecdote.  « Vous avez vu la première scène quand je vis seul avec mon piaf. » Il a ensuite raconté comment une radio l’avait appelé pour l’informer de l’incendie des studios. « Je prends ma voiture. Je fonce aux studios de Melville. Et je vois tout ce qui brûle. Melville avec son stetson, sa femme, sa secrétaire et qui voyait brûler sa vie. Je me mets à côté de lui pour qu’il voie que je suis là et je lui tiens la main. Et il regarde brûler sa vie, ses studios, ses films, ses lettres, ses bouquins. Tout brûlait. Et à un moment. (Il m’appelait toujours mon coco.) Et on regarde sa vie brûler et il me fait "Mon coco, notre oiseau, NOTRE oiseau…". Sa vie brûlait, sa carrière brulait, et il pensait à notre piaf qui était en train de brûler et rien d’autre. Mon coco, notre oiseau… » a-t-il raconté la voix coupée par l’émotion.

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    Evidemment, ce film ne serait sans doute pas devenu un chef-d’œuvre sans la présence d’Alain Delon (que Melville retrouvera pour Le Cercle rouge, en 1970, puis dans Un flic en 1972) qui parvient à rendre attachant ce personnage de tueur à gages froid, mystérieux, silencieux, élégant dont le regard, l’espace d’un instant face à la pianiste, exprime une forme de détresse, de gratitude, de regret, de mélancolie pour ensuite redevenir sec et brutal. N’en reste pourtant que l’image d’un loup solitaire impassible d’une tristesse déchirante, un personnage quasiment irréel (Melville s’amuse d’ailleurs avec la vraisemblance comme lorsqu’il tire sans vraiment dégainer) transformant l’archétype de son personnage en mythe, celui du fameux héros melvillien.  Avec ce film noir, polar exemplaire, Melville a inventé un genre, le film melvillien avec ses personnages solitaires ici portés à leur paroxysme, un style épuré d’une beauté rigoureuse et froide et surtout il a donné à Alain Delon l’un de ses rôles les plus marquants qui lui-même n'est finalement peut-être pas si éloigné de ce samouraï charismatique, mystérieux, élégant et mélancolique au regard bleu acier, brutal et d’une tristesse presque attendrissante, et dont le seul vrai ami est un oiseau. Rôle en tout cas essentiel dans sa carrière que celui de ce Jef Costello auquel Delon lui-même fera un clin d’œil dans Le Battant. Melville, Delon, Costello, trois noms devenus indissociables au-delà de la fiction.

     A propos de Romy Schneider dans La Piscine :

    « Il y a des anecdotes pas drôles dans ma vie.  Les producteurs me disent on voudrait faire le film avec Angie Dickinson.  Ils avaient pensé à une autre actrice aussi, Monica Vitti. Et puis, j’ai bien lu l’histoire et je ne sais pas pourquoi, je voyais Romy parce que je la connaissais bien. Je la savais en déroute. Je ne sais pas pourquoi. Je ne voyais pas quelqu’un d’autre. Comme j’avais le pouvoir dans la production. Au bout d’un moment j’ai dit vous m’emmerdez ou ce sera Romy Schneider ou il n’y aura pas le film. Et puis on a fait le film et alors les producteurs ont oublié leurs conneries. Cela a été un triomphe. Moi je ne peux pas le voir, je ne peux plus le voir. Et tout le monde m’a dit. Tu as eu raison. Je ne vois pas qui aurait pu être mieux que Romy dans le film.  Et elle devient la grande actrice française prise par Sautet etc. Et elle a fait une seconde carrière qui a été énorme. »

    Dans La Piscine aucun des 4 personnages n’est délaissé. La richesse de leurs psychologies, de la direction d’acteurs font que chacune de leurs notes est indispensable à la partition. La musique discrète et subtile de Michel Legrand renforce encore cette atmosphère trouble. Chacun des 4 acteurs est parfait dans son rôle : Delon dans celui de l’amoureux jaloux, fragile, hanté par de vieux démons, d’une sensualité à fleur de peau, mal dans sa peau même, Romy Schneider dans celui de la femme sublime séductrice dévouée, forte, provocante et maternelle, Jane Birkin dont c’est le premier film français dans celui de la fausse ingénue et Maurice Ronet dans celui de l’ « ami » séduisant et détestable, transpirant de suffisance et d’arrogance et la piscine, incandescente à souhait, véritable « acteur ».  Deray retrouvera ensuite Delon à 8 reprises notamment dans Borsalino, Flic story, Trois hommes à abattre mais La piscine reste un film à part dans la carrière du réalisateur qui mettra en scène surtout un cinéma de genre. Neuf ans après Plein soleil  de René Clément, La Piscine réunit donc de nouveau Ronet et Delon, les similitudes entres les personnages de ces deux films sont d’ailleurs nombreuses et le duel fonctionne de nouveau à merveille. Un film sensuel porté par des acteurs magistraux, aussi fascinants que cette eau bleutée fatale, un film qui se termine par une des plus belles preuves d’amour que le cinéma ait inventé.

    Ensuite a été évoqué Monsieur Klein et cette fameuse scène où Klein jauge un tableau amené par une homme juif obligé de le vendre.

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    « Jouer dans ce film-là, vous étiez au sommet de votre notoriété, vous acceptez de jouer dans le film le plus risqué qui soit » a ainsi commenté Samuel Blumenfeld.  « Oui, c’est ça qui m’excite ». « Quand on vous voit, vous incarnez un marchand d’art qui achète à vil prix à des personnes juives alors que se prépare la fameuse rafle. Et votre personnage sera pris au piège de son identité, de son patronyme… ». « J’ai voulu faire ce personnage justement parce que c’était tout ce que je n’avais jamais fait, tout ce que je n’étais pas. Lonsdale au moment de la Rafle me court après. La fin n’était pas comme ça. La fin, il me rejoignait, m’arrêtait et m’enlevait de la rafle. C’est là que j’en ai parlé à Joseph et je lui ai dit, je ne veux pas ça, je veux aller jusqu’au bout. Je veux vivre comme le Robert Klein que je ne suis pas. Je veux faire la Rafle du Vel d’Hiv. Je suis emporté. Je sais où je vais. On va m’amener dans le métro, dans le train, et je veux cette fin-là. »

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    A propos du prix d’interprétation qui lui échappe alors, ce qui est d'ailleurs impossible à comprendre quand on revoit le film, et cette interprétation pour moi une des plus fortes qui soit non seulement de Delon mais aussi de l’histoire du cinéma:  « A l’époque, en face vous aviez un espagnol dont personne ne se souvient et en face Delon… C’est très difficile d’être là pendant 50 ans ou 60 ans et de demander qu’on vous aime encore » a ainsi commenté l’acteur.

    « Plusieurs décennies plus tard, vous êtes là avec Monsieur Klein en toute majesté. Comme Costello dans le Samouraï,  je ne perds jamais, jamais vraiment, vous voyez vous ne perdez jamais jamais vraiment. » « Oui et c’est grâce à eux. » a conclu Alain Delon en désignant la salle.

    Merci à Alain Delon pour cette heure trente à fleur de peau, pleine d’émotions et de sincérité, de nostalgie, de conscience et de recul aussi sur le mythe cinématographique qu'il incarne.

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    L’après-midi, dans cette même salle était projeté Le Professeur de Zurlini (cf ma critique ci-dessous).

    Après Jeanne Moreau, Woody Allen, Bernardo Bertolucci, Jane Fonda, Clint Eastwood, Jean-Paul Belmondo, Manoel de Oliveira, Agnès Varda et Jean-Pierre Léaud, le Festival de Cannes avait décidé d’attribuer le même soir une Palme d’or d’honneur à l’acteur. Ainsi avait été annoncé sa remise de sa palme d’or d’honneur avant le festival : "Il appartient tout entier au cinéma, à ses plus belles œuvres et à ses mythes : en 2019, le Festival de Cannes a décidé de décerner une Palme d’or d’Honneur à Alain Delon, afin d’honorer sa magnifique présence dans l’histoire du septième art. Après Jeanne Moreau, Woody Allen, Bernardo Bertolucci, Jane Fonda, Clint Eastwood, Jean-Paul Belmondo, Manoel de Oliveira, Agnès Varda et Jean-Pierre Léaud, le Festival de Cannes est heureux et fier que le légendaire comédien du Guépard de Luchino Visconti (Palme d’or 1963) ait accepté de recevoir les honneurs de la communauté mondiale" a ainsi annoncé le Festival de Cannes par communiqué de presse.  « Avec Pierre Lescure, nous sommes heureux qu’Alain Delon ait accepté d’être honoré par le Festival, déclare Thierry Frémaux, Délégué général. Il a pourtant longuement hésité, lui qui nous a longtemps refusé cette Palme d’or car il estimait ne devoir venir à Cannes que pour célébrer les metteurs en scène avec lesquels il a travaillé. »

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    Le soir, à nouveau, la salle était comble pour la remise de la Palme d’or d’honneur et la projection de Monsieur Klein. A l'entrée de la salle, le public s’est vu offrir  un badge avec le mot « star », rappelant celui qu’Alain Delon avait porté en montant les marches du Festival de Cannes en 2007.  Les qualificatifs me manquent tant ce moment fut poignant, d'une infinie tristesse aussi.  Les derniers souvenirs d'enfance ont laissé place à un fauve majestueux mais à terre, bouleversé (après avoir revu les images de ses films -que de grands moments de cinéma !- mais aussi, évidemment, des disparus qui peuplent ses souvenirs, n’était-ce pas une maladresse de les projeter sachant qu'il répète sans cesse ne plus pouvoir les regarder à l'écran ?). Un fauve qui annonçait se retirer de la scène. Pas seulement de la scène artistique. Son départ de cette scène, c'était un adieu déchirant aux feux de la rampe.

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     Quelques minutes plus tôt, il était arrivé sous les acclamations effrénées et émues  de la salle, des cinéphiles, beaucoup (trop ?) de politiques, et quelques rares personnalités du cinéma (Bertrand Tavernier, Pierre-William Glem, Pierre Lescure). Il était là, dans la rangée située dans le prolongement de la mienne. Tandis que Thierry Frémaux évoquait sa carrière, mon regard ne pouvait s’empêcher de dévier vers lui. Sa fille lui remettait les boutons de sa chemise. Leurs mains se caressaient et s’enlaçaient. Sans doute savait-il ce qu’il allait dire, ces mots poignants, définitifs. Peut-être espéraient-ils d’autres présences. Sans doute pensait-il à tous ses disparus.

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    Après avoir monté les marches sur la musique du Clan des Siciliens, il est monté sur scène après les mots de Thierry Frémaux : « De cette solitude vous avez la force mais vous conservez aussi une forme de tristesse. » « On sait que l’intolérance est de retour », « la race des seigneurs » ou encore citant Monsieur Klein et lui attribuant ses mots « la corruption me dégoûte la vertu me donne des frissons ». « Le Festival sera toujours du côté des artistes » a-t-il également tenu à dire ou encore reprenant les mots de François Morel employés à son sujet quelques jours plus tôt « Delon à Cannes c’est un loup indiscipliné qui sort de sa cage ». « Alain Delon a le droit de penser ce qu’il pense », avait aussi dit Thierry Frémaux quelques jours plus tôt, ajoutant qu’il est « compliqué de juger avec les lunettes d’aujourd’hui des choses qui se sont passées et dites il y a quelques années » suite à la pétition lui attribuant des propos « racistes, homophobes et misogynes », en réalité très anciens, tronqués et sortis de leur contexte.

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    Sa fille Anouchka des mains de laquelle il a reçu sa Palme d’or d’honneur lui a ensuite adressé un magnifique discours paraphrasant Borsalino « la chance ça n’existe pas » pour dire qu’au contraire il l’a eue cette chance, « la chance d’avoir une gueule, d’avoir ton talent et d’avoir tourné avec les plus grands   et le cinéma a eu la chance de t’avoir, un homme de principe, de conviction, entier, vrai, d’audace, un battant. Aujourd’hui, c’est moi qui suis fière de l’acteur et surtout fière de toi ».

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    A ses larmes que Thierry Frémaux a qualifiées « de bonheur », il a précisé qu’elles étaient « des larmes pas seulement de bonheur» ajoutant « Je n’ai jamais pleuré devant autant de personnes. » « Ce soir c’est un peu un hommage posthume, mais de mon vivant », a aussi commenté Alain Delon. « Ce dont je suis fier vraiment, c’est de ma carrière et cette palme d’or on me l’a offerte pour ma carrière, et rien d’autre. C’est pour cela que je suis heureux et content et satisfait. »

    « Maintenant je sais que ce qui est difficile, c’est de partir parce que je vais partir. Mais je ne partirai pas sans vous le dire et sans vous remercier. Parce que toute ma vie j’ai fait le mieux que je le pouvais. Cette projection m’a bouleversée, m’a montré des tas de choses mais j’ai fait un métier que j’ai choisi, dirigé par les plus grands, les meilleurs et parait-il je suis une star mais si je suis une star, et c’est pour ça que je veux vous remercier, c’est au public que je le dois et à personne d’autre. » Après la remise de sa palme d'or d'honneur, il est revenu au micro et a également terminé par ces mots, la voix étranglée par les sanglots « Avant de partir, je voudrais simplement vous dire que je pense à Mireille et à Romy ».  Alain Delon a ensuite quitté la salle pour que soit lancée la projection de Monsieur Klein (ma critique ci-dessous). Comme le plan final d’un film bouleversant. Le départ du héros.

     

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     A l’issue de la projection, Alain Delon est revenu au milieu du silence, suivi de quelques timides applaudissements. Comment ne pas être ému, emporté par ces mots d'un homme qui nous dit ainsi adieu et par le film, et quel film ? ! Comment ne pas établir de parallèle, et ne pas en être bouleversé davantage encore, entre Monsieur Klein qui se laisse emporter par la mort et Alain Delon qui nous annonçait avoir choisi la même proche destinée ? Mais oubliant cet adieu déchirant, oubliant d'applaudir, oubliant ce chef-d'œuvre du septième art qui résonne pourtant comme un avertissement sur des dangers qui nous menacent encore, comme si nous étions amnésiques et ne voulions pas nous souvenir de cette Histoire, déjà chacun parlait du dîner à venir, du film suivant ou de la fête à ne pas manquer, forcément celle où vous n'étiez pas. Une actualité et une émotion en chassent une autre. Et l'annihilent. Époque carnassière qui ne prend plus le temps et dévore tout. Même les héros de l'enfance. De mon enfance. Le mien n'est plus depuis 6 ans bientôt et sans doute lui aussi aurait-il été bouleversé comme je l'ai été par ce moment. J'aurais aimé que la salle applaudisse à tout rompre pour dire un dernier merci, pour dire ne partez pas, pour dire l'émotion du présent et de l'enfance, pour dire, jouez encore pour nous, parce que de grands rôles encore peuvent vous attendre...

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    Par une suite de hasards que Lelouch n’aurait osé inventer mais surtout d’amicales intentions, ce 19 mai, c’est Stéphane Dolivet, comédien et auteur de Alain Delon et moi, pièce de théâtre qu’il a écrite et qu’il a présentée entre 2007 et 2010 à Avignon et à Paris, et à Avignon off 2018, qui me remet ma place pour la remise de la palme d’or d’honneur. C’est avec la version inédite de son texte édité par Les Cygnes que je suis revenue de Cannes (merci à son auteur pour ce cadeau). Après ce qui précède, vous comprendrez forcément que ce texte m’ait ému. D’abord parce que ce n’est pas le regard d’un fan qui idolâtre aveuglément mais au contraire le regard d’un enfant qui devine puis voit l’homme, et l’enfant qu’il fut (et qu’il reste) derrière la star, son Zorro et son re-père. Celui à qui sa mère signe cette autorisation pour qu’il parte en Indochine, l’enfant délaissé, blessé. Cette auto-fiction entre rêve et réalité, cette réalité improbable qui fait dépasser la fiction et nous fait nous aussi nous dépasser, entrecoupée de souvenirs de films, raconte ce lien invisible entre les deux hommes, leurs rencontres cocasses parfois, émouvantes surtout, comme peut l’être un rêve d’enfance qui se matérialise. Il raconte ainsi comment il le croisa une première fois, comment il fut le premier à l’appeler Monsieur, comment en différents instants leurs routes se croisèrent.  Même à sa lecture, il me semblait entendre les voix, de Delon, ou de Gabin dans « Mélodie en sous-sol ». L’émotion affleure constamment dans ce portrait en miroir et culmine lors d’un épisode au cimetière suite à la mort de la mère de l’auteur (raconté là aussi avec pudeur et émotion) lors duquel apparaît comme une ombre protectrice, réelle ou imaginaire, le Zorro de son enfance, celui qui avait changé sa vie à l’âge de 5 ans et qui lui avait sans le savoir « fait le plus beau cadeau qu’on puisse faire à quelqu’un » : […] « l’espoir », « un rêve ».

     Et puis sans doute la raison pour laquelle ce livre m’a émue, pour laquelle cet acteur m’émeut tant aussi tient-elle dans ces lignes qui révèlent que le livre Peau d’Ours touche tant Alain Delon, un livre qui contient cette phrase qui ouvre cet article « Ne me secouez pas. Je suis plein de larmes ».

    Alors, de Cannes, je suis repartie avec mon roman que je souhaitais offrir à Alain Delon et qui pourrait bientôt arriver finalement à destination mais c’est là une autre histoire. Et je suis repartie me disant que c’est là aussi un des pouvoirs magiques du cinéma, qui en recèle tant :  créer un fil(m) invisible entre les rêves et la réalité, entre les êtres, a fortiori lorsque ces êtres sont pleins de larmes.

    Je vous laisse avec les mots de Calet : « C’est sur la peau de mon cœur que l’on trouverait des rides. Je suis déjà un peu parti, absent. Faites comme si je n’étais pas là. Ma voix ne porte plus très loin. Mourir sans savoir ce qu’est la mort, ni la vie. Il faut se quitter déjà ? Ne me secouez pas. Je suis plein de larmes. »

    Critique de "Monsieur Klein" de Losey :

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    A chaque projection ce film me terrasse littéralement tant ce chef d'œuvre est bouleversant, polysémique, riche, brillant, nécessaire. Sans doute la démonstration cinématographique la plus brillante de l'ignominie ordinaire et de l'absurdité d'une guerre aujourd'hui encore partiellement insondables.  A chaque projection, je le vois et l'appréhende différemment.  Pour ceux qui ne le connaîtraient pas encore et que j'espère convaincre d'y remédier par cet article, récapitulons d'abord brièvement l'intrigue.

    Il s'agit de Robert Klein. Le Monsieur Klein du titre éponyme. Enfin un des deux Monsieur Klein du titre éponyme. Ce Monsieur Klein-là, interprété par Alain Delon, voit dans l'Occupation avant tout une occasion de s'enrichir et de racheter à bas prix des œuvres d'art à ceux qui doivent fuir ou se cacher, comme cet homme juif (Jean Bouise) à qui il rachète une œuvre du peintre hollandais Van Ostade. Le même jour, il reçoit le journal « Informations juives » adressé à son nom, un journal normalement uniquement délivré sur abonnement. Ces abonnements étant soumis à la préfecture et M.Klein allant lui-même signaler cette erreur, de victime, il devient suspect... Il commence alors à mener l'enquête et découvre que son homonyme a visiblement délibérément usé de la confusion entre leurs identités pour disparaître...

    La première scène, d'emblée, nous glace d'effroi par son caractère ignoble et humiliant pour celle qui la subit. Une femme entièrement nue est examinée comme un animal par un médecin et son assistante afin d'établir ou récuser sa judéité.  Y succède une scène dans laquelle, avec la même indifférence, M.Klein rachète un tableau à un juif obligé de s'en séparer. M.Klein examine l'œuvre avec plus de tact que l'était cette femme humiliée dans la scène précédente, réduite à un état inférieur à celui de chose mais il n'a pas plus d'égard pour son propriétaire que le médecin en avait envers cette femme même s'il respecte son souhait de ne pas donner son adresse, tout en ignorant peut-être la véritable raison de sa dissimulation affirmant ainsi avec une effroyable et sans doute inconsciente effronterie « bien souvent je préfèrerais ne pas acheter ».

    Au plan des dents de cette femme observées comme celles d'un animal s'oppose le plan de l'amie de M.Klein, Jeanine (Juliet Berto) qui se maquille les lèvres dans une salle de bain outrageusement luxueuse. A la froideur clinique du cabinet du médecin s'oppose le luxe tapageur de l'appartement de M.Klein qui y déambule avec arrogance et désinvolture, recevant ses invités dans une robe de chambre dorée. Il collectionne. Les œuvres d'art même s'il dit que c'est avant tout son travail. Les femmes aussi apparemment. Collectionner n'est-ce pas déjà une négation de l'identité, cruelle ironie du destin alors que lui-même n'aura ensuite de cesse de prouver et retrouver la sienne ?

    Cet homonyme veut-il lui sauver sa vie ? Le provoquer ? Se venger ? M.Klein se retrouve alors plongé en pleine absurdité kafkaïenne où son identité même est incertaine. Cette identité pour laquelle les Juifs sont persécutés, ce qui, jusque-là, l'indifférait prodigieusement et même l'arrangeait plutôt, ou en tout cas arrangeait ses affaires.

     Losey n'a pas son pareil pour utiliser des cadrages qui instaurent le malaise, instillent de l'étrangeté dans des scènes a priori banales dont l'atmosphère inquiétante est renforcée par une lumière grisâtre mettent en ombre des êtres fantomatiques, le tout exacerbé par une musique savamment dissonante...  Sa caméra surplombe ces scènes comme un démiurge démoniaque : celui qui manipule M.Klein ou celui qui dicte les lois ignominieuses de cette guerre absurde. La scène du château en est un exemple, il y retrouve une femme, apparemment la maîtresse de l'autre M.Klein (Jeanne Moreau, délicieusement inquiétante, troublante et mystérieuse) qui y avait rendez-vous. Et alors que M.Klein-Delon lui demande l'adresse de l'autre M.Klein, le manipulateur, sa maîtresse lui donne sa propre adresse, renforçant la confusion et la sensation d'absurdité.  Changement de scène. Nous ne voyons pas la réaction de M.Klein. Cette brillante ellipse ne fait que renforcer la sensation de malaise.

    Le malentendu (volontairement initié ou non) sur son identité va amener Klein à faire face à cette réalité qui l'indifférait. Démonstration par l'absurde auquel il est confronté de cette situation historique elle-même absurde dont il profitait jusqu'alors. Lui dont le père lui dit qu'il est « français et catholique depuis Louis XIV », lui qui se dit « un bon français qui croit dans les institutions ». M.Klein est donc certes un homme en quête d'identité mais surtout un homme qui va être amené à voir ce qu'il se refusait d'admettre et qui l'indifférait parce qu'il n'était pas personnellement touché : « je ne discute pas la loi mais elle ne me concerne pas ». Lui qui faisait partie de ces « Français trop polis ». Lui qui croyait que « la police française ne ferait jamais ça » mais qui clame surtout : « Je n'ai rien à voir avec tout ça. » Peu lui importait ce que faisait la police française tant que cela ne le concernait pas. La conscience succède à l'indifférence. Le vide succède à l'opulence. La solitude succède à la compagnie flatteuse de ses « amis ». Il se retrouve dans une situation aux frontières du fantastique à l'image de ce que vivent alors quotidiennement les Juifs. Le calvaire absurde d'un homme pour illustrer celui de millions d'autres.

    Et il faut le jeu tout en nuances de Delon, presque méconnaissable, perdu et s'enfonçant dans le gouffre insoluble de cette quête d'identité pour nous rendre ce personnage sympathique, ce vautour qui porte malheur et qui « transpercé d'une flèche, continue à voler ». Ce vautour auquel il est comparé et qui éprouve du remords, peut-être, enfin. Une scène dans un cabaret le laisse entendre. Un homme juif y est caricaturé comme cupide au point de voler la mort et faisant dire à son interprète : « je vais faire ce qu'il devrait faire, partir avant que vous me foutiez à la porte ». La salle rit aux éclats. La compagne de M.Klein, Jeanine, est choquée par ses applaudissements. Il réalise alors, apparemment, ce que cette scène avait d'insultante, bête et méprisante et ils finiront par partir. Dans une autre scène, il forcera la femme de son avocat à jouer l'International alors que le contenu de son appartement est saisi par la police, mais il faut davantage sans doute y voir là une volonté de se réapproprier l'espace et de se venger de celle-ci qu'un véritable esprit de résistance. Enfin, alors que tous ses objets sont saisis, il insistera pour garder le tableau de Van Ostade, son dernier compagnon d'infortune et peut-être la marque de son remords qui le rattache à cet autre qu'il avait tellement méprisé, voire nié et que la négation de sa propre identité le fait enfin considérer.

    Le jeu des autres acteurs, savamment trouble, laisse  ainsi entendre que chacun complote ou pourrait être complice de cette machination, le père de M.Klein (Louis Seigner) lui-même ne paraissant pas sincère quand il dit « ne pas connaître d'autre Robert Klein », de même que son avocat (Michael Lonsdale) ou la femme de celui-ci (Francine Bergé) qui auraient des raisons de se venger, son avocat le traitant même de « minus », parfaite incarnation des Français de cette époque au rôle trouble, à l'indifférence coupable, à la lâcheté méprisable, au silence hypocrite.

    Remords ? Conviction de supériorité ? Amour de liberté ? Volonté de partager le sort de ceux dont il épouse alors jusqu'au bout l'identité ? Homme égoïste poussé par la folie de la volonté de savoir ? Toujours est-il que, en juillet 1942, il se retrouve victime de la   Rafle du Vel d'Hiv avec 15000 autres juifs parisiens. Alors que son avocat possédait le certificat pouvant le sauver, il se laisse emporter dans le wagon en route pour Auschwitz avec, derrière lui, l'homme à qui il avait racheté le tableau et, dans sa tête, résonne alors le prix qu'il avait vulgairement marchandé pour son tableau. Scène édifiante, bouleversante, tragiquement cynique. Pour moi un des dénouements les plus poignants de l'histoire du cinéma. Celui qui, en tout cas, à chaque fois, invariablement, me bouleverse.

    La démonstration est glaciale, implacable. Celle de la perte et de la quête d'identité poussées à leur paroxysme. Celle de la cruauté dont il fut le complice peut-être inconscient et dont il est désormais la victime. Celle de l'inhumanité, de son effroyable absurdité. Celle de gens ordinaire qui ont agi plus par lâcheté, indifférence que conviction.

    Losey montre ainsi froidement et brillamment une triste réalité française de cette époque, un pan de l'Histoire et de la responsabilité française qu'on a longtemps préféré ignorer et même nier. Sans doute cela explique-t-il que « Monsieur Klein » soit reparti bredouille du Festival de Cannes 1976 pour lequel le film et Delon, respectivement pour la palme d'or et le prix d'interprétation, partaient pourtant favoris. En compensation, il reçut les César du meilleur film, de la meilleure réalisation et des meilleurs décors.

    Ironie là aussi de l'histoire (après celle de l'Histoire), on a reproché à Losey de faire, à l'image de Monsieur Klein, un profit malsain de l'art en utilisant cette histoire mais je crois que le film lui-même est une réponse à cette accusation (elle aussi) absurde.

    A la fois thriller sombre, dérangeant, fascinant, passionnant, quête de conscience et d'identité d'un homme, mise en ombres et en lumières des atrocités absurdes commises par le régime de Vichy et de l'inhumanité des " français ordinaires", implacable et saisissante démonstration de ce que fut la barbarie démente et ordinaire,  « Monsieur Klein » est un chef d'œuvre aux interprétations multiples que la brillante mise en scène de Losey sublime et dont elle fait résonner le sens et la révoltante et à jamais inconcevable tragédie ... des décennies après. A voir et à revoir. Pour ne jamais oublier.

     Critique -  LE PROFESSEUR de Valerio Zurlini (1972)

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    Nous sommes en 1972, Alain Delon vient de tourner des chefs-d'œuvre comme La Piscine ou Le Cercle rouge. Marcello Mastroianni n'étant pas disponible, Zurlini fait appel à Alain Delon qui répond positivement et avec enthousiasme décidant même de coproduire le film. Il demandera ainsi à Zurlini d'amputer le film de 20 minutes et de changer le titre pour un titre plus « delonien ».  Après Visconti et Antonioni, Zurlini s'ajoute donc à la liste des réalisateurs italiens à faire tourner Delon qui retrouve ici Lea Massari avec qui il avait tourné dans l'Insoumis en 1964.

    Delon incarne ici un jeune professeur de littérature nommé Daniel Dominici qui remplace un professeur malade au lycée de Rimini, lycée de riches et oisifs élèves. Il mène une vie d'infidélités assumées avec sa femme (Léa Massari) avec laquelle il vit « par désespoir plus que par habitude », qui seule semble comprendre sa blessure secrète, et il passe son temps à jouer et perdre aux cartes, et à boire.  C'est ce même sentiment de blessure qu'il décèle chez une de ses élèves de 19 ans, la mystérieuse et sombre Vanina (Sonia Petrova) dont il tombe amoureux.

    Dès les premiers plans, ce film tranche avec les films habituels dans lesquels joue Alain Delon. D'abord par son atmosphère. Celle de la ville italienne de Rimini hors saison, déserte, brumeuse, maussade, oppressante, au bord d'une mer plus glaçante que chaleureuse. Le désespoir se lit sur les visages et s'insinue dans les rues désertes et brumeuses, et la tragédie semble menacer de s'abattre à tout instant, à nouveau, là où chacun semble traîner ses blessures enfouies. Ensuite dans le rythme où se mêlent ennui, langueur, oisiveté, mélancolie. Enfin et surtout dans le personnage incarné par Alain Delon. Mal rasé, ombrageux, usé, vêtu d'un long manteau beige informe et sans âge qu'il traîne nonchalamment et ne quitte jamais comme son mal-être, c'est un professeur peu soucieux des convenances qui propose des cigarettes à ses élèves en classe et leur demande de raconter leur vie en dissertation pendant qu'il s'absente de la classe. Et qui surtout leur parle de poésie, de littérature (de Pétrarque, de Goethe, de Manzoni, et de Stendhal à qui le prénom de Vanina fait évidemment penser) qu'il aime plus que son métier, plus que la vie aussi semble-t-il. Amoureux de poésie dans laquelle il noie ses chagrins, ses secrètes fêlures et sa mélancolie et dont le visage d'ange inquiet de Vanina lui semble être le reflet. Elle sera d'ailleurs la seule à traiter le sujet de Manzoni sur le vice et la vertu qu'elle pourrait lui avoir inspiré.

    Dans cette ville grisâtre de Rimini, c'est aussi un portrait sans concession de la société italienne du début des années 1970 dépravée, cruelle, même perverse. Cette froideur et cette obscurité se retrouvent dans la réalisation qui reflète la face sombre et l'accablement des personnages.

    Si cette atmosphère est essentiellement suffocante, (une atmosphère exacerbée par une musique qui résonne comme un cri angoissé) les dernières minutes lors desquelles la vérité des visages et des sentiments (de ses origines aristocrates aussi qu'il avait dissimulées) de Dominici éclatent, lors desquelles Daniel trouve dans la mort "La prima notte di quiete" (vers de Goethe qu'il cite et qui fait référence à la première nuit de quiétude parce qu'elle est sans rêve) sont d'une force poignante.

    Avec ce rôle intériorisé, Delon, une nouvelle fois bluffant, joue un personnage désespéré, loin de ses personnages plus habituels à la beauté arrogante et à l'arrogance désinvolte, dans une société elle-même sans espoir, une prestation saisissante d'une impressionnante justesse et crédibilité qui rend bouleversant ce film douloureux qui nous accompagne longtemps après le générique comme un air pesant et mélancolique.

  • Critique de UNE VIE CACHEE de Terrence Malick (compétition officielle)

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    « Une vie cachée » de Terrence Malick était aujourd'hui présenté en compétition, 8 ans après la palme d’or de Terrence Malick pour « The tree of life ».

    Dans ce film inspiré de faits réels, Franz Jägerstätter, paysan autrichien, refuse de se battre aux côtés des nazis. Reconnu coupable de trahison par le régime hitlérien, il est passible de la peine capitale. Mais porté par sa foi inébranlable et son amour pour sa femme, Fani, et ses enfants, Franz reste un homme libre.

    Une vie cachée raconte l'histoire de ce héros qui vit dans le Tyrol autrichien, au milieu d’une nature que la caméra tourbillonnante de Malick effleure et caresse délicatement, amoureusement, une nature idyllique où vivent Franz et sa famille. C’est le parcours christique de cet homme follement courageux que nous raconte Malick, filmant ce parcours avec le lyrisme qui le caractérise par d’amples travellings et des contre-plongées inspirées.

    C’est fascinant, beau et envoûtant, comme un poème tragique, comme un éloge funèbre. Son lyrisme grandiloquent rend le plus vibrant et flamboyant des hommages à ce fiévreux résistant. Enfiévré de son amour pour sa femme, porté par leurs souvenirs communs. De sa foi. De son combat qu’il sait juste et que seuls dieu et son épouse semblent pouvoir comprendre et accompagner.

    Un film méditatif sidérant d’éclat et de force. Une symphonie visuelle captivante portée par une musique poignante et lyrique qui rend un hommage bouleversant à cet homme qui trouve la lumière en combattant l’obscurantisme et dont la fin à la fois tragique, poignante et sublime nous laisse KO.

  • Les Hirondelles de Kaboul » de Zabou Breitman et Eléa Gobbé-Mévellec (Un Certain Regard – Critique)

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    Synopsis :

    Été 1998, Kaboul en ruines est occupée par les talibans. Mohsen et Zunaira sont jeunes, ils s’aiment profondément. En dépit de la violence et de la misère quotidienne, ils veulent croire en l’avenir. Un geste insensé de Mohsen va faire basculer leurs vies. Le geste d’un homme doux et sensible que la folie des criminels sanglants contamine par l’enfermement physique et intellectuel qu’ils lui imposent.

     Zabou Breitman met en scène pour la première fois un film d'animation avec cette adaptation du remarquable roman de Yasmina Khadra. Elle a ainsi coréalisé le film avec Eléa Gobbé-Mévellec, dessinatrice d'animation (« Ernest et Célestine » notamment à son actif comme dessinatrice, c’est ici sa première réalisation de long-métrage).

    Si l’animation permet non seulement de prendre une distance relative avec l’âpreté de certaines situations et la violence aveugle des Talibans, cela donne aussi plus de force au propos du film, accentuant le contraste entre la beauté (des images, de l’amour qui unit certains personnages) et la violence effroyable (des sons, des gestes, des silences imposés aussi).

    Une attention toute particulière a été portée au jeu des comédiens (qui ont réellement joué en costume leurs scènes et qui ont été ensuite dessinés avec une ressemblance avec ceux qui les interprètent), ce qui la aussi exacerbe la force du propos tant tout résonne paradoxalement avec réalisme.

    Ce film bouleversant, édifiant, d’une rare sensibilité et délicatesse, est un plaidoyer poignant contre l’intolérance et l’obscurantisme. Une œuvre rendue universelle par le dessin qui renforce la facilité d’identification à ces personnages que la folie des hommes essaie de broyer et qui résistent malgré tout, et malgré leur propre folie qui menace face à cette situation effroyablement absurde et inique. Une œuvre de résistance, d’espoir, d’amour, une œuvre bouleversante d’une force inouïe portée par la musique de Alexis Rault, cette musique justement interdite mais qui, alors, résonne dans les cœurs meurtris et bâillonnés avec plus de puissance encore. Un grand film d’animation. Un grand film tout simplement.

  • Critique de "Les plus belles années d'une vie" de Claude Lelouch et conférence de presse du film

     

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    Il pleuvait ce soir-là à Cannes. Inlassablement. Mais il pleuvait gaiement. Parce que c’était joyeux de monter les marches pour retrouver 53 ans après Anne Gauthier et Jean-Louis Duroc dans la ville et le festival qui ont vu et fait éclore leur incroyable destin avec la Palme d’or 1966, suivie des Oscars du meilleur film étranger et du meilleur scénario parmi tant d’autres récompenses et alors que Claude Lelouch n’avait que 29 ans. Oui, c’était joyeux. Même sous une pluie intarissable. Comme dans un film de Sautet, après tout. Intarissable comme mes larmes d’émotion dès les premières minutes du film. L’émotion d’être là. L’émotion d’avoir rendez-vous avec mes premiers élans cinématographiques. L’émotion d’entendre les notes de musique de Francis Lai, notes mythiques d’un film mythique dans une salle elle aussi devenue mythique. Rendez-vous avec la mythologie du cinéma. L’émotion communicative de l’équipe du film. L’émotion d’une partie du public du Grand Théâtre Lumière. L’émotion dès les premières minutes, lors de ces plans sur le visage de Jean-Louis Duroc / Trintignant. L'émotion autant de retrouver le personnage de Jean-Louis Duroc que de retrouver Jean-Louis Trintignant au cinéma. Et quel Jean-Louis Trintignant !

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    Avant d’en revenir à cette émotion, d’abord le synopsis. Désormais, l’ancien pilote de course Jean-Louis Duroc (Jean-Louis Trintignant) vit dans une maison médicalisée, le bien nommé « Domaine de l’orgueil » (il n’y a que Lelouch pour oser nommer ainsi une maison de retraite et pas les Acacias, les Rosiers, ou les Peupliers, mais c’est ce qu’on aime, non, cette audace romanesque ?) et il se perd un peu sur les chemins de sa mémoire. Pour l’aider, son fils va retrouver celle que son père n’a pas su garder mais qu’il évoque sans cesse, Anne Gauthier (Anouk Aimée), le « meilleur souvenir » de Jean-Louis qui a pourtant pour habitude de « tout oublier ».  Anne va alors accepter de revoir Jean-Louis et reprendre leur histoire où ils l'avaient laissée.

    Pour Jean-Louis qui a beaucoup couru, sur les circuits et « après les femmes », cette résidence médicalisée n’est pas vraiment l’idéal. Peu importe, il y a le rêve justement pour s’évader.  Les souvenirs. Tout ce qui permet de faire s’entremêler présent et passé, rêve et réalité parce que « jamais personne n’est mort d’une overdose de rêves ». « Qu’est-ce qu’on ne ferait pas par amour ! » dit-il ainsi à Anne. Et par amour pour elle, il en a fait : des kilomètres, des déclarations, des coups de fil  après avoir prononcé de sa voix inimitable le fameux « Montmartre 1540 » qu’il est si émouvant de l’entendre à nouveau prononcer ici. La mémoire, du superflu du moins, s’est envolée mais il est toujours là le coureur, celui qui dit « il faut prendre des risques quand on est amoureux ».

    On aurait pu craindre que ce film soit la suite de trop, celui qui nous aurait fait penser qu’il fallait rester avec les souvenirs intacts, celui qui nous aurait laissés mélancoliques avec l’idée que le temps dévore tout, que même les personnages et leurs amours qu’on croyait éternelles s’abiment. C’est tout le contraire. Certes, le temps dévore tout mais Anne et Jean-Louis sont si lumineux, si justes, qu’on oublierait presque qu’ils n’ont plus l’âge qu’ils avaient il y a 53 ans. « Depuis la nuit des temps, la seule chose qui n’a pas bougé, c’est l’amour », entend-on Anne dire à sa fille.  Et, soudain, par la magie du cinéma, cela semble si vrai. Lorsqu'ils se retrouvent pour la première fois, notre cœur de cinéphile bat à tout rompre. C'est plut palpitant qu'une course-poursuite à toute allure dans un James Bond, c'est juste, c'est tendre, c'est drôle, c'est émouvant, et nostalgique, juste un peu. C'est un film en soi. C'est tout ce que sont Les plus belles années d'une vie.

    Tourner le film dans l’ordre en quelques jours était un un défi et au lieu de donner une impression d'inachevé ou d'imprécision, cela fait au contraire davantage surgir ces fragments de vérité qu’affectionne Claude Lelouch.

    En préambule figure une citation de Victor Hugo : « Les plus belles années d’une vie sont celles qu’on n’a pas encore vécues », des paroles que chante ici Nicole Croisille dont il est aussi si émouvant de retrouver la voix, indissociable de l’histoire d’Anne Gauthier et Jean-Louis Duroc.

    Cela débute donc dans le fameux Domaine de l’Orgueil. Les résidents participent à un jeu destiné à tester leurs mémoires des évènements et des dates. La caméra se rapproche du visage de Jean-Louis Trintignant en fauteuil roulant. Derrière lui se trouve son fils Antoine (incarné par Antoine Sire comme le petit Antoine d’Un homme et une femme tout comme d’ailleurs la petite Françoise est toujours incarnée par Saoud Amidou, quel plaisir là aussi de les retrouver ! ). Et puis au fur et à mesure comme pour Jean-Louis, tout cela ne devient plus pour nous qu’un brouhaha sans intérêt. Nous ne voyons plus que ce visage passionnant sur lequel passent tant d'expressions, tant de films, tant d'évènements, tant de souvenirs. Quel beau moment de cinéma ! Quel hommage à ce sublime acteur ! Quelles émotions, encore, déjà.

    « Je me suis embarqué sur ce film comme dans cette voiture que j’ai conduite à l’époque de mon court métrage C’était un rendez-vous, comme une métaphore de l’existence. Foncer dans la vie comme j’avais foncé dans Paris en 1976. Griller les feux, prendre tous les risques avec ces dangers à travers lesquels on passe… ou pas. » a ainsi déclaré Claude Lelouch. Utiliser les images de ce court-métrage est d’ailleurs une des nombreuses magnifiques idées de ce film. Lelouch reprend aussi de nombreuses images de Un homme et une femme, toujours à bon escient. Souvenez-vous…

    Anne (Anouk Aimée), scripte, inconsolable depuis la mort de son mari cascadeur Pierre (Pierre Barouh), rencontre à Deauville, en allant chercher sa fille à la pension, un coureur automobile, Jean (Jean-Louis Trintignant), dont la femme s'est suicidée par désespoir. Jean raccompagne Anne à Paris. Tous deux sont endeuillés, et tous deux ont un enfant. C'est l'histoire d'un homme et d'une femme qui s'aiment, se repoussent, se retrouvent et s'aiment encore...

    Ce film, Claude Lelouch l’a, comme souvent, réalisé après un échec. Ainsi le 13 septembre 1965, désespéré, il roule alors vers Deauville où il arrive la nuit, épuisé. Réveillé le matin par le soleil, il voit une femme depuis sa voiture, elle marche sur la plage avec un enfant et un chien. Sa « curiosité est alors plus grande que la tristesse ». Il commence à imaginer ce que peut faire cette femme sur cette plage, avec son enfant, à cette heure matinale. Cela donnera Un homme et une femme, la rencontre de deux solitudes blessées qui prouve que les plus belles histoires sont les plus simples et que la marque du talent est de les rendre singulières et extraordinaires.

    Il est impossible désormais de dissocier Deauville du film de Claude Lelouch qui a tant fait pour sa réputation (Deauville d’ailleurs à nouveau magnifiquement filmée dans Les plus belles années d’une vie), Un homme et une femme ayant créé la légende du réalisateur tout comme cela a contribué à celle de la ville de Deauville, et notamment sa réputation de ville romantique à tel point que, pendant le Festival du Cinéma Américain 2006, a été inaugurée une place Claude Lelouch, en sa présence et celle d'Anouk Aimée. J'étais présente ce jour-là et l'émotion et la foule étaient au rendez-vous.

    J'ai vu ce film un grand nombre de fois et, à chaque fois, avec le même plaisir, la même émotion, le même sentiment de modernité pour un film qui date de 1966, étonnant pour un cinéaste dont beaucoup de critiques ont si souvent raillé le classicisme. Cette modernité est bien sûr liée à la méthode Claude Lelouch d'ailleurs en partie la conséquence de contraintes techniques et budgétaires. Ainsi, Lelouch n'ayant pas assez d'argent pour tourner en couleurs tournera les extérieurs en couleurs et les intérieurs en noir et blanc. Le montage et les alternances de noir et blanc et de couleurs jouent alors habilement avec les méandres du temps et de la mémoire émotive, entre le présent et le bonheur passé qui ressurgit sans cesse.

    Je ne sais pas si « le cinéma c'est mieux que la vie » mais en tout cas Claude Lelouch fait partie de ceux dont les films et surtout Un homme et une femme nous la font aimer. Rares sont les films qui donnent à ce point la sensation de voir une histoire d'amour naître et vibrer sous nos yeux, d'en ressentir -partager, presque- le moindre battement de cœur ou le moindre frémissement de ses protagonistes, comme si la caméra scrutait les visages et les âmes. Par une main qui frôle une épaule si subtilement filmée. Par le plan d'un regard qui s'évade et s'égare. Par un sourire qui s'esquisse. Par des mots hésitants ou murmurés. Par la musique éternelle de Francis Lai (enregistrée avant le film) qui nous chavire le cœur. Par une photographie aux accents picturaux qui sublime Deauville filmée avec une lumière nimbée de mélancolie, des paysages qui cristallisent les sentiments de Jean-Louis et d'Anne, fragile et paradoxalement impériale, magistralement (dirigée et) interprétée par Anouk Aimée. Rares sont les films qui procurent cette impression de spontanéité, de vérité presque. Les fameux « instants de vérité » de Lelouch.

    Et puis il y a le charme incomparable du couple Anouk Aimée/ Jean-Louis Trintignant, le charme de leurs voix, notamment quand Jean-Louis Trintignant prononce « Montmartre 1540 ». Le charme et la maladresse des premiers instants cruciaux d'une histoire d'amour quand le moindre geste, la moindre parole peuvent tout briser. Et puis ces plans fixes, de Jean-Louis dans sa Ford Mustang (véritable personnage du film), notamment lorsqu'il prépare ce qu'il dira à Anne après avoir reçu son télégramme. Et puis ces plans qui encerclent les visages et en capturent la moindre émotion. Ce plan de cet homme avec son chien qui marche dans la brume et qui fait penser à Giacometti (pour Jean-Louis). Tant d'autres encore...

    Avec Un homme et une femme, Claude Lelouch a signé une histoire intemporelle, universelle avec un ton très personnel et poétique. Alors pour reprendre l'interrogation de Jean-Louis dans le film, citant Giacometti « Qu'est-ce que vous choisiriez : l'art ou la vie », Lelouch n'a certainement pas choisi, ayant réussi a insufflé de l'art dans la vie de ses personnages et de la vie dans son art. Voilà c'est de l'art qui transpire la vie.


    Alors que Claude Lelouch a tourné sans avoir de distributeur, sans même savoir si son film sortirait un jour, il obtint toutes les récompenses précitées et aujourd'hui encore de nombreux touristes viennent à Deauville grâce à Un homme et une femme, le film, mais aussi sa musique mondialement célèbre. Vingt ans après, Claude Lelouch tourna une suite Un homme et une femme, 20 ans déjà réunissant à nouveau les deux protagonistes. Et 53 ans après Un homme et une femme, nous avons  ainsi eu le plaisir de retrouver ces personnages mythiques dans Les plus belles années d'une vie.

    Ce film qui aurait pu être morose est au contraire plein de vie même si et justement même parce qu’on y entend à plusieurs reprises « La mort, c’est l’impôt de la vie. »  La vie est là, tout le temps. Eblouissante. Quand Anne et Jean-Louis s’évadent en voiture et que le soleil insolent perce à travers les feuilles.  Quand Jean-Louis crie fougueusement à Anne « Embrassez-moi ». Quand les femmes regardent Jean-Louis, ou que Jean-Louis regarde les femmes de sa vie. Avec tant de tendresse. La tendresse, ce film en regorge. L’humour aussi. Lors de multiples clins d’œil au film de 1966 comme lorsque Jean-Louis roule sur les planches et s’étonne que ce soit interdit et qu’un policier lui rétorque que c’est interdit « depuis 50 ans, depuis qu’un crétin a roulé ici avec sa Ford Mustang. »

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    Quelle justesse lorsqu’il dit « Je me souviens d’elle comme si c’était hier » ou lorsqu’elle dit « On est toujours beaux quand on est amoureux ». Cela aurait pu être mièvre. Par le talent de ces deux immenses acteurs et de Lelouch c’est infiniment beau et émouvant. Et ce visage de Trintignant quand soudain il s'illumine par la force des souvenirs de son grand amour, comme transfiguré, jeune, si jeune soudain. Et la majesté d'Anouk Aimée, sa grâce quand elle remet sa mèche de cheveux. Il faut dire aussi qu’ils sont si amoureusement filmés. Et que d'intensité poétique et poignante lorsqu'ils sont l'un avec l'autre comme si le cinéma (et/ou l'amour) abolissai(en)t les frontières du temps et de la mémoire. Encore un des pouvoirs magiques du cinéma auxquels ce film est aussi un hommage.

    Et puis, évidemment, il y a la musique, toujours si importante dans les films de Lelouch, a fortiori dans Un homme et une femme. La musique originale est signée Francis Lai et Calogero et les chansons originales sont interprétées par Nicole Croisille et Calogero sur des paroles de Didier Barbelivien.

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    Cette fois, Les plus belles années d’une vie était présenté hors compétition, contrairement à Un homme et une femme qui avait été présenté en compétition. Et s’il avait été en compétition, quel sort lui aurait réservé le jury ? 

    Vous l’aurez compris, je vous recommande vivement ce film si lumineux, tendrement drôle (d'une infinie tendresse), émouvant, joyeusement nostalgique, gaiement mélancolique, optimiste, hymne à la vie, à l’amour, hommage au cinéma, sublimé par la beauté si lumineuse de Trintignant et Aimée. Comme le Domaine de l'orgueil, si bien nommée.

    Je vous laisse imaginer l’émotion qui a envahi la salle lors du générique de fin, de cette dernière image sur Deauville, qui m’a envahie en tout cas. Un beau moment de vie et de cinéma entremêlés  et il me semble encore entendre le fameux « Chabadabada »  que le public du Grand Théâtre Lumière a repris en chœur résonner dans ma tête (rendez-vous sur mon compte instagram @sandra_meziere pour en voir un extrait),  comme cette pensée que « Les plus belles années d’une vie sont celles qu’on n’a pas encore vécues ». Un air entêtant, joyeusement mélancolique, comme Deauville aussi amoureusement filmée, à nouveau.

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    CONFERENCE DE PRESSE

    Quelques citations et quelques photos de la conférence de presse cannoise à laquelle j’ai eu le plaisir d’assister.

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    Claude Lelouch a ainsi rappelé que le film a été « tourné dans l’ordre en quelques jours. » « C’est le film qui m’a fait le plus peur. On ne pourra pas faire le film si les miracles ne sont pas au rendez-vous ». « La rencontre entre Anne et Jean-Louis, les 19 minutes ont été tournées dans la journée. Le soir en rentrant, j’ai dit on a déjà au moins un bon court-métrage. »

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    - A propos d’Un homme et une femme  :  « C’est difficile d’expliquer les miracles. En 1H30, on est passés de l’ombre à la lumière. Le public s’est approprié cette histoire. », « Encore une fois, le hasard a eu beaucoup de talent dans ma vie ». « J’ai vu dans ses yeux des choses qui m’ont interpellé, un sourire incroyable et je lui ai fait un pitch rapide. Il a Alzheimer. La seule personne dont il se souvient, c’est toi. ». « Il a fallu un millier de miracles. » « Il a fallu un alignement de planètes pour qu’on soit tous là aujourd’hui ». « C’était un rendez-vous » : c’est le film dont je suis le plus fier et dont j’ai le plus honte. J’ai grillé 18 feux rouges. Je me suis souvent comporté comme un petit voyou et si je n’avais pas été un voyou je n’aurais pas fait 50 films ». « Francis Lai n’a pas eu le temps de voir le film. »  « Pour moi les minutes sont des années, j’ai envie de réussir le sprint de ma vie. », « Les nouvelles technologies du cinéma sont formidables ». « Avec les plus belles années, j’ai voulu rendre hommage au cinéma d’hier et d’aujourd’hui », « Le plus grand scénariste du monde c’est la vie et je travaille avec ce scénariste et le plus grand scénariste de ma vie, c’est ma femme. »

    Bellucci : « C’était la première fois que j’étais dirigée comme ça. » A propos de l’Union Européenne et des Européennes pour lesquelles elle tient à voter : « Seul on va vite, ensemble on va plus loin ». Denicourt : « C’était un rêve car Jean-Louis Trintignant est un de mes acteurs préférés. »

    Antoine Sire  « Un cadeau incroyable »,  « Je suis acteur tous les 53 ans ».

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