Ok

En poursuivant votre navigation sur ce site, vous acceptez l'utilisation de cookies. Ces derniers assurent le bon fonctionnement de nos services. En savoir plus.

- Page 7

  • Ouverture du "Privilege", nouveau restaurant sur la Croisette, le 10 mai 2012

    privilege.jpg

    Je vous parlais récemment  de l'ouverture récente d'un nouveau restaurant à Cannes ...et en voici un autre qui ouvrira juste avant le festival, le 10 mai. Présentation:

    A la veille du 65eme festival international du Film, le nouveau restaurant « PRIVILEGE » va ouvrir ses portes, au numéro 84 du boulevard de la Croisette à Cannes (anciennement le Calliente) :

    HAPPY DRINK

    Ambiance Lounge et Mix tous les soirs. Dans un décor raffiné et cosy, où le mariage des matières nobles et naturelles est de mise, les clients pourront déguster différents cocktails à base de champagne et de fruits frais ou les classiques comme le Mojito, Sex on the beach ou la Pina Colada composés par un talentueux Barman sur les mixs d’un DJ qui animera chaque soirée jusqu’à 2H30 du matin.

     HAPPY FOOD

    L’art culinaire avec des accents d’Asie. La clientèle pourra savourer ici une cuisine semi gastronomique concoctée par un chef expérimenté et créatif.  Ainsi, vous pourrez  découvrir le tajine de poissons parfumés à l’huile d’Argan ou bien encore son Carré d’Agneau en chapelure verte, et sa tarte fine provençale et jus corsé.

    HAPPY FEW

    La pointe Croisette s’enrichit d’un nouveau lieu hautement festif et distingué qui  ravira une clientèle des plus exigeantes. Tous les soirs, une équipe expérimentée et dynamique sera  à votre service pour faire de votre soirée un moment d’exception et de saveurs autour d’un verre ou d’un dîner. Pendant la saison, un service voiturier est à disposition.

    Ouvert tous les soirs de 18 h 00 à 2 h 30 du matin

  • Les scénaristes à l'honneur au Festival de Cannes 2012

     A l’occasion du Festival de Cannes, LA  GUILDE française des scénaristes met en place trois rendez-vous autour des scénaristes avec le soutien de la  Région Ile de France et en partenariat avec la Commission du film d’Ile de France :

    1/ L’exposition photo « visages des scénaristes »

     23 scénaristes, à l’origine de récents succès du cinéma français, passent de l’ombre à la lumière grâce à une exposition de portraits photos, « Visages de Scénaristes ».

    LA GUILDE met ainsi en avant ces visages inconnus, dont l’imaginaire est essentiel dans le processus de création d’un film, et vous donne rendez-vous pour le vernissage de l’exposition « Visage de scénaristes » le samedi 19 mai à 17h, sur la plage du Miramar. (En pièce jointe l’invitation au vernissage)

    2/ Le Prix « JACQUES Prévert » du scénario

    Seul prix du scénario remis par des scénaristes à leurs pairs, la 5e édition du Prix Prévert sera présidée par Pascal Bonitzer.

    Les lauréats 2011 dans la catégorie scénario original et dans la catégorie adaptation seront annoncés le samedi 19 mai à 17h sur la plage du Miramar.

    3/ La table ronde : « Pour des scénarios de scénaristes, et des films de réalisateurs ? »

    LA GUILDE organise, avec la Région  Ile-de-France, une table ronde sur la plage du Miramar, le lundi 21 mai, de 10h à 12h.

    Animée par Olivier Gorce, scénariste et vice président cinéma de LA GUILDE, elle rassemblera scénaristes, réalisateurs et producteurs autour de l’avenir de la place du scénariste et du scénario dans la création d’un film. La  tradition de co-écriture entre scénariste et réalisateur est elle une fatalité ? Suffit-elle à couvrir tout le spectre, toute l'ambition narrative de la création cinématographique? Une nouvelle génération de scénaristes veut écrire seuls. Ils veulent aller au bout de leur imaginaire, de leur savoir, pour qu'ensuite un réalisateur s'empare de leur oeuvre, se l'approprie, la transcende par la mise en scène.

    Partout ailleurs dans la cinématographie mondiale, des réalisateurs mettent en scène des films qu'ils n'ont pas écrits. Sont-ils de moins bons cinéastes pour autant ? Les réalisateurs ont-ils besoin d'écrire leurs films pour se sentir pleinement légitimes? Ont-ils du mal à lire, à accepter, à s'immerger dans un scénario écrit par un autre auteur qu'eux? Ou bien est-ce plus difficile pour les producteurs de financer un développement sans le nom d'un réalisateur?

  • Présentation de "Vous n'avez encore rien vu" de Alain Resnais - Compétition officielle du Festival de Cannes 2012

    vous.jpg

    vous2.jpg

    Alain Resnais fait partie de ces cinéastes dont je ne manque aucun film et dont chaque film est une preuve d'inventivité, de jeunesse d'esprit et de talent incontestable. C'est donc avec beaucoup d'impatience que j'attends ce "Vous n'avez encore rien vu" (en salles le 26 septembre 2012) en compétition officielle, trois ans après la présentation des "Herbes folles" à Cannes. Cette même année, il avait reçu un prix exceptionnel pour l'ensemble de sa carrière et sa contribution à l'histoire du cinéma.

    Même si le film est officiellement inspiré de la pièce "Euridyce" de Jean Anouilh, il s'agit en réalité d'une adaptation très libre, qui pourrait davantage s'apparenter à un hommage (aussi au cinéma et au théâtre en général) avec un savant jeu de mises en abyme.

    Le film a été tourné dans les studios de Saint-Ouen, en Seine-Saint-Denis.

    « Vous n'avez encore rien » marque  la neuvième collaboration entre le cinéaste Alain Resnais et l'actrice Sabine Azéma.  André Dussolier et Pierre Arditi, quant à eux, ont respectivement sept et huit films tournés  sous la direction du cinéaste.

    Synopsis:

    Après sa mort, Antoine, homme de théâtre, fait convoquer chez lui tous ses amis comédiens ayant joué dans différentes versions de sa pièce Eurydice. Il a enregistré, avant de mourir, une déclaration dans laquelle il leur demande de visionner une captation des répétitions de cette pièce : une jeune troupe lui a en effet demandé l'autorisation de la monter et il a besoin de leur avis...

     

    Films présentés à Cannes par Alain Resnais

    • 2009 - LES HERBES FOLLES- En Compétition Réalisation
    • 2009 - LOIN DU VIETNAM- Cannes Classics Réalisation
    • 2002 - JE T'AIME JE T'AIME- Hommage Réalisation
    • 1980 - MON ONCLE D'AMÉRIQUE- En Compétition Réalisation
    • 1974 - STAVISKY- En Compétition Réalisation
    • 1968 - JE T'AIME, JE T'AIME- En Compétition Réalisation
    • 1959 - HIROSHIMA, MON AMOUR- En Compétition Réalisation
    • 1957 - TOUTE LA MÉMOIRE DU MONDE- En Compétition Réalisation, Montage
    • 1947 - PARIS 1900- En Compétition Scénario & Dialogues

    Le Palmarès de Alain Resnais à Cannes

    • 2009 - Prix exceptionnel pour l'ensemble de sa carrière et sa contribution à l'histoire du cinéma - LES HERBES FOLLES - Long métrage
    • 1980 - Prix de la Critique Internationale - F.I.P.R.E.S.C.I. - MON ONCLE D'AMÉRIQUE - Long métrage
    • 1980 - Grand Prix Spécial du Jury - MON ONCLE D'AMÉRIQUE - Long métrage

     

  • Brad Pitt au Festival de Cannes 2012: critiques de "Inglourious basterds" et "Babel"

    pitt et tarantino.jpg

    Quentin Tarantino et Mélanie Laurent.jpg

    (photos ci-dessous copyright inthemoodforcinema  )

    Je vous le disais dans mon article précèdent: Brad Pitt sera de retour à Cannes pour "Killing them soflty" de Andrew Dominik (pour qui il avait déjà interprété l'inoubliable Jesse James) après avoir déjà (notamment) présenté sur la Croisette deux films inoubliables: "Babel" de Alejandro Gonzalez Inarritu et "Inglourious basterds" de Quentin Tarantino. En attendant de vous livrer ici ma critique de "Killing them softly", retour en critiques sur ces deux grands films.

     

    Critique de "Babel" d'Alejandro Gonzalez Inarritu

    babel.jpg

    Ci-dessous ma critique publiée suite à la projection de ce film qui avait obtenu le prix de la mise en scène à Cannes, en 2006:

    En plein désert marocain, des enfants jouent avec un fusil que leur père vient d’acheter. Un coup de feu retentit et blesse une touriste américaine dans un bus qui passait sur la route, en contrebas. Les destins de cette femme (Cate Blanchett) et de son mari (Brad Pitt) dont le couple battait de l’aile, les destins des deux enfants responsables du coup de feu, le destin de la nourrice mexicaine des enfants du couple d’Américains, le destin d’une jeune Japonaise, en l’occurrence la fille de l’homme qui a donné le fusil à un Marocain qui l’a revendu au père des deux enfants : ces destins vont tous avoir une influence les uns sur les autres, des destins socialement et géographiquement si éloignés, mais si proches dans l’isolement et dans la douleur.

    Rares sont les films que je retourne voir, mais pour Babel vu au Festival de Cannes 2006 où il a obtenu le prix de la mise en scène et celui du jury œcuménique, c’était une vraie nécessité parce que Babel c’est plus qu’un film : une expérience. Ce film choral qui clôt le triptyque du cinéaste après Amours chiennes et 21 grammes fait partie de ces films après lesquels toute parole devient inutile et impossible, de ces films qui expriment tant dans un silence, dans un geste, qu’aucune parole ne pourrait mieux les résumer. De ces films qui vous hypnotisent et vous réveillent. De ces films qui vous aveuglent et vous éclairent. Donc le même choc, la même claque, le même bouleversement, quelques mois après, l’effervescence, la déraison et les excès cannois en moins. Malgré cela.

    Si la construction n’avait été qu’un vain exercice de style, qu’un prétexte à une démonstration stylistique ostentatoire, l’exercice aurait été alors particulièrement agaçant mais son intérêt provient justement du fait que cette construction ciselée illustre le propos du cinéaste, qu’elle traduit les vies fragmentées, l’incommunicabilité universelle.

    Le montage ne cherche pas à surprendre mais à appuyer le propos, à refléter un monde chaotique, brusque et impatient, des vies désorientées, des destins morcelés. En résulte un film riche, puissant où le spectateur est tenu en haleine du début à la fin, retenant son souffle, un souffle coupé par le basculement probable, soudain, du sublime dans la violence. Du sublime d’une danse à la violence d’un coup de feu. Du sublime d’une main sur une autre, de la blancheur d’un visage à la violence d’une balle perdue et d’une blessure rouge sang. Du sublime du silence et du calme à la violence du basculement dans le bruit, dans la fureur, dans la déraison.

     

    medium_P80601087315038.jpgUn film qui nous emmène sur trois continents sans jamais que notre attention ne soit relâchée, qui nous confronte à l’égoïsme, à notre égoïsme, qui nous jette notre aveuglement et notre surdité en pleine figure, ces figures et ces visages qu’il scrute et sublime d’ailleurs, qui nous jette notre indolence en pleine figure, aussi. Un instantané troublant et désorientant de notre époque troublée et désorientée. La scène de la discothèque est ainsi une des plus significatives, qui participe de cette expérience. La jeune Japonaise sourde et muette est aveuglée. Elle noie son désarroi dans ces lumières scintillantes, fascinantes et angoissantes. Des lumières aveuglantes: le paradoxe du monde, encore. Lumières qui nous englobent. Soudain aveuglés et sourds au monde qui nous entoure nous aussi.

    Le point de départ du film est donc le retentissement d'un coup de feu au Maroc, coup de feu déclenchant une série d'évènements qui ont des conséquences désastreuses ou salvatrices, selon les protagonistes impliqués. Peu à peu le puzzle se reconstitue brillamment, certaines vies se reconstruisent, d’autres sont détruites à jamais.

    Jamais il n’a été aussi matériellement facile de communiquer. Jamais la communication n’a été aussi compliquée, Jamais nous n’avons reçu autant d’informations et avons si mal su les décrypter. Jamais un film ne l’a aussi bien traduit. Chaque minute du film illustre cette incompréhension, parfois par un simple arrière plan, par une simple image qui se glisse dans une autre, par un regard qui répond à un autre, par une danse qui en rappelle une autre, du Japon au Mexique, l’une éloignant et l’autre rapprochant.

    Virtuosité des raccords aussi : un silence de la Japonaise muette qui répond à un cri de douleur de l’américaine, un ballon de volley qui rappelle une balle de fusil. Un monde qui se fait écho, qui crie, qui vocifère sa peur et sa violence et sa fébrilité, qui appelle à l’aide et qui ne s’entend pas comme la Japonaise n’entend plus, comme nous n’entendons plus à force que notre écoute soit tellement sollicitée, comme nous ne voyons plus à force que tant d’images nous soit transmises, sur un mode analogue, alors qu’elles sont si différentes. Des douleurs, des sons, des solitudes qui se font écho, d’un continent à l’autre, d’une vie à l’autre. Et les cordes de cette guitare qui résonnent comme un cri de douleur et de solitude.

    Véritable film gigogne, Babel nous montre un monde paranoïaque, paradoxalement plus ouvert sur l’extérieur fictivement si accessible et finalement plus égocentrique que jamais, monde paradoxalement mondialisé et individualiste. Le montage traduit magistralement cette angoisse, ces tremblements convulsifs d’un monde qui étouffe et balbutie, qui n’a jamais eu autant de moyens de s’exprimer et pour qui les mots deviennent vains. D’ailleurs chaque histoire s’achève par des gestes, des corps enlacés, touchés, touchés enfin. Touchés comme nous le sommes. Les mots n’ont plus aucun sens, les mots de ces langues différentes. Selon la Bible, Babel fut ainsi une célèbre tour construite par une humanité unie pour atteindre le paradis. Cette entreprise provoqua la colère de Dieu, qui pour les séparer, fit parler à chacun des hommes impliqués une langue différente, mettant ainsi fin au projet et répandant sur la Terre un peuple désorienté et incapable de communiquer.

     

    medium_P80601161052655.jpgC’est aussi un film de contrastes. Contrastes entre douleur et grâce, ou plutôt la grâce puis si subitement la douleur, puis la grâce à nouveau, parfois. Un coup de feu retentit et tout bascule. Le coup de feu du début ou celui en pleine liesse du mariage. Grâce si éphémère, si fragile, comme celle de l’innocence de ces enfants qu’ils soient japonais, américains, marocains, ou mexicains. Contrastes entre le rouge des vêtements de la femme mexicaine et les couleurs ocres du désert. Contrastes entres les lignes verticales de Tokyo et l’horizontalité du désert. Contrastes entre un jeu d’enfants et ses conséquences dramatiques. Contraste entre le corps dénudé et la ville habillée de lumière. Contraste entre le désert et la ville. Contrastes de la solitude dans le désert et de la foule de Tokyo. Contrastes de la foule et de la solitude dans la foule. Contrastes entre « toutes les télévisions [qui] en parlent » et ces cris qui s’évanouissent dans le désert. Contrastes d’un côté et de l’autre de la frontière. Contrastes d’un monde qui s’ouvre à la communication et se ferme à l’autre. Contrastes d’un monde surinformé mais incompréhensible, contrastes d’un monde qui voit sans regarder, qui interprète sans savoir ou comment, par le prisme du regard d’un monde apeuré, un jeu d’enfants devient l’acte terroriste de fondamentalistes ou comment ils estiment savoir de là-bas ce qu’ils ne comprennent pas ici.

    medium_P80601693016905.jpgMais toutes ces dissociations et ces contrastes ne sont finalement là que pour mieux rapprocher. Contrastes de ces hommes qui parlent des langues différentes mais se comprennent d’un geste, d’une photo échangée (même si un billet méprisant, méprisable les séparera, à nouveau). Contrastes de ces êtres soudainement plongés dans la solitude qui leur permet finalement de se retrouver. Mais surtout, surtout, malgré les langues : la même violence, la même solitude, la même incommunicabilité, la même fébrilité, le même rouge et la même blancheur, la même magnificence et menace de la nuit au-dessus des villes, la même innocence meurtrie, le même sentiment d’oppression dans la foule et dans le désert.

    Loin d’être une démonstration stylistique, malgré sa virtuosité scénaristique et de mise en scène Babel est donc un édifice magistral tout entier au service d’un propos qui parvient à nous transmettre l’émotion que ses personnages réapprennent. Notons que malgré la pluralité de lieux, de langues, d'acteurs (professionnels mais souvent aussi non professionnels), par le talent de son metteur en scène, Babel ne perd jamais sa cohérence qui surgit, flagrante, bouleversante, évidente, au dénouement.

    La mise en scène est volontairement déstructurée pour refléter ce monde qu'il met en scène, un monde qui s'égare, medium_P80601398560603.jpget qui, au moindre geste , à la moindre seconde, au moindre soupçon, peut basculer dans la violence irraisonnée, un monde qui n'a jamais communiqué aussi vite et mal, un monde que l'on prend en pleine face, fascinés et horrifiés à la fois, un monde brillamment ausculté, décrit, par des cris et des silences aussi ; un monde qui nous aveugle, nous assourdit, un monde de différences si semblables, un monde d’après 11 septembre.

     

    Babel est un film douloureux et clairvoyant, intense, empreint de la fébrilité du monde qu’il parcourt et dépeint de sa lumière blafarde puis rougeoyante puis nocturne. Un film magnifique et éprouvant dont la mise en scène vertigineuse nous emporte dans sa frénésie d’images, de sons, de violences, de jugements hâtifs, et nous laisse avec ses silences, dans le silence d’un monde si bruyant. Le silence après le bruit, malgré le bruit, le silence de l’harmonie retrouvée, l’harmonie éphémère car il suffirait qu’un coup de feu retentisse pour que tout bascule, à nouveau. La beauté et la douleur pareillement indicibles. Babel, tour de beauté et de douleur. Le silence avant les applaudissements, retentissants, mérités. Si le propre de l’Art c’est de refléter son époque et de l’éclairer, aussi sombre soit-elle, alors Babel est un chef d’œuvre. Une expérience dont on ne peut ressortir indemne ! Mais silencieux, forcément.

    CRITIQUE D'"INGLOURIOUS BASTERDS" DE QUENTIN TARANTINO

     

    inglourious3.jpg

     

     

    Pitch : Dans la France occupée de 1940, Shosanna Dreyfus assiste à l’exécution de sa famille tombée entre les mains du colonel nazi Hans Landa ( Christoph Waltz). Shosanna (Mélanie Laurent) s’échappe de justesse et s’enfuit à Paris où elle se construit une nouvelle identité en devenant exploitante d’une salle de cinéma. Quelque part, ailleurs en Europe, le lieutenant Aldo Raine (Brad Pitt) forme un groupe de soldats juifs américains pour mener des actions punitives particulièrement sanglantes contre les nazis. « Les bâtards », nom sous lequel leurs ennemis vont apprendre à les connaître, se joignent à l’actrice allemande et agent secret Bridget von Hammersmark (Diane Krüger) pour tenter d’éliminer les dignitaires du troisième Reich. Leurs destins vont se jouer à l’entrer du cinéma où Shosanna est décidée à mettre à exécution une vengeance très personnelle.

    De ce film, très attendu et seul film américain de cette compétition officielle 2009 du Festival de Cannes, avant de l'y découvrir, je n’avais pas lu le pitch, tout juste vu la bande-annonce qui me faisait craindre une grandiloquence maladroite, un humour douteux, voire indécent sur un sujet délicat. Je redoutais, je pensais même détester ce film et ne m’attendais donc pas à ce que la première séquence (le film est divisé en 5 chapitres qui correspondent aux parcours de 5 personnages) me scotche littéralement à l’écran dès la première seconde, à ne plus pouvoir m’en détacher jusqu’à la dernière ligne du générique.

    L’un des premiers plans nous montre une hache dans un univers bucolique que la caméra de Tarantino caresse, effleure, esquisse et esquive : finalement ce simple plan pourrait résumer le ton de ce film, où la menace plane constamment, où le décalage est permanent, où toujours le spectateur est sur le qui-vive, la hache pouvant à chaque instant venir briser la sérénité. Cette première séquence dont nous ne savons jamais si nous devons en rire, ou en frissonner de plaisir (parce qu’elle est jubilatoire à l’image de tout ce film, une première séquence au sujet de laquelle je ne vous en dirai pas plus pour maintenir le suspense et la tension incroyables qui y règne) ou de peur, est sans nul doute une des plus réussies qu’il m’ait été donné de voir au cinéma.

    Chaque séquence au premier rang desquelles la première donc recèle d’ailleurs cette même ironie tragique et ce suspense hitchcockien, le tout avec des plans d’une beauté, d’une inventivité sidérantes, des plans qui sont ceux d’un grand cinéaste mais aussi d’un vrai cinéphile (je vous laisse notamment découvrir ce plan magnifique qui est un hommage à « La Prisonnière du désert » de John Ford, décidément -cf mon article précèdent- ) et d’un amoureux transi du cinéma. Rien que la multitude de références cinématographiques mériterait une deuxième vision tant l’admiration et la surprise lors de la première empêchent de toutes les distinguer.

    Oui, parce que « Inglourious Basterds » est aussi un western. « Inglourious Basterds » appartient en réalité à plusieurs genres… et à aucun : western, film de guerre, tragédie antique, fable, farce, comédie, film spaghetti aussi. En fait un film de Quentin Tarantino . (« Inglourious Basterds » est inspiré d’un film italien réalisé par Enzo G.Castellari). Un genre, un univers qui n’appartiennent qu’à lui seul et auxquels il parvient à nous faire adhérer, quels qu’en soient les excès, même celui de réécrire l’Histoire, même celui de se proclamer chef d’œuvre avec une audace et une effronterie incroyables. Cela commence ainsi comme un conte (« il était une fois »), se termine comme une farce.

    Avec quelle facilité il semble passer d’un ton à l’autre, nous faire passer d’une émotion à une autre, comme dans cette scène entre Mélanie Laurent et Daniel Brühl, dans la cabine de projection, une scène qui, en quelques secondes, impose un souffle tragique poignant, époustouflant, d’un rouge éblouissant. Une scène digne d’une tragédie antique.

    Il y a du Hitchcock dans ce film mais aussi du Chaplin pour le côté burlesque et poétique et du Sergio Leone pour la magnificence des plans, et pour cet humour ravageur, voire du Melville aussi pour la réalisation, Melville à qui un autre cinéaste (Johnnie To) de cette compétition 2009 se référait d’ailleurs. Voilà, en un endroit tenu secret, Tarantino, après les avoir fait kidnapper et fait croire à leurs disparitions au monde entier, a réuni Chaplin, Leone, et Hitchcock et même Melville et Ford, que l’on croyait morts depuis si longtemps et leur a fait réaliser ce film qui mêle avec brio poésie et sauvagerie, humour et tragédie.

    Et puis, il y a en effet le cinéma. Le cinéma auquel ce film est un hommage permanent, une déclaration d’amour passionnée, un hymne vibrant à tel point que c’est le cinéma qui, ici, va sauver le monde, réécrire la page la plus tragique de l’Histoire, mais Tarantino peut bien se permettre : on pardonne tout au talent lorsqu’il est aussi flagrant. Plus qu’un hommage au cinéma c’est même une leçon de cinéma, même dans les dialogues : « J’ai toujours préféré Linder à Chaplin. Si ce n’est que Linder n’a jamais fait un film aussi bon que « Le Kid ». Le grand moment de la poursuite du « Kid ». Superbe . » Le cinéma qui ravage, qui submerge, qui éblouit, qui enflamme (au propre comme au figuré, ici). Comment ne pas aimer un film dont l’art sort vainqueur, dans lequel l’art vainc la guerre, dans lequel le cinéma sauve le monde ?

    Comment ne pas non plus évoquer les acteurs : Mélanie Laurent, Brad Pitt, Diane Krüger, Christoph Waltz, Daniel Brühl y sont magistraux, leur jeu trouble et troublant procure à toutes les scènes et à tous les dialogues (particulièrement réussis) un double sens, jouant en permanence avec le spectateur et son attente. Mélanie Laurent qui a ici le rôle principal excelle dans ce genre, de même que Daniel Brühl et Brad Pitt qui, depuis « L’assassinat de Jesse James par le lâche Robert Ford », le chef d’œuvre d’Andrew Dominik ne cesse de prendre de l’épaisseur et nous surprendre.

    Que dire de la BO incroyable qui, comme toujours chez Tarantino, apporte un supplément de folie, d’âme, de poésie, de lyrisme et nous achève…

    Quentin Tarantino avec ce septième long-métrage a signé un film audacieux, brillant, insolent, tragique, comique, lyrique, exaltant, décalé, fascinant, irrésistible, cynique, ludique, jubilatoire, dantesque, magistral. Une leçon et une déclaration d’amour fou et d’un fou magnifique, au cinéma. Ce n’est pas que du cinéma d’ailleurs : c’est un opéra baroque et rock. C’est une chevauchée fantastique. C’est un ouragan d’émotions. C’est une explosion visuelle et un ravissement permanent et qui font passer ces 2H40 pour une seconde !

    « Inglourious Basters » était le film le plus attendu de ce festival 2009. A juste titre. Rappelons enfin que Christop Waltz remporta le prix d'interprétation.

     

    inglourious5.jpg
    inglourious7.jpg
    inglourious8.jpg
    inglourious9.jpg
     
     
  • Présentation de "Killing them softly" de Andrew Dominik (compétition officielle du Festival de Cannes 2012)

    killing1.jpg

    killing2.jpg

    killing3.jpg

    killing4.jpg

    Avec "Killing them soflty", le néozélandais (de naissance du moins puisque lui et sa famille se sont installés en Australie alors qu'il n'avait que 2 ans), Andrew Dominik  fait son entrée à Cannes, qui plus est en compétition, pour ce qui est seulement son troisième film après "Chopper" et le mémorable "L'assassinat de Jesse James par le lâche Robert Ford". Avant de vous présenter "Killing them softly", je ne peux pas ne pas vous parler en quelques mots de son précèdent film, un de mes plus grands chocs cinématographiques du Festival du Cinéma Américain de Deauville où l'équipe l'avait présenté en avant-première en 2007 ( mes photos ci-dessous).

    df55464252685c866d58ed171fc457f7.jpg 

     

    7c7de2f013bcdb8869a39d606ce744db.jpg

     

     

     

    b58e394c7efb4d0ad722355e4f5cc617.jpg

     

    D’abord il est difficile de définir ce film qui reprend certes les codes du western mais qui les détourne majestueusement. Tout comme le titre nous donne une fausse piste. Evidemment il s’agit bien de l’assassinat de Jesse James par le lâche Robert Ford. Mais au final, peut-on parler d’assassinat ? Ou d’une bête traquée qui, lasse ou provocante, défie la mort ? Peut-on parler de lâcheté à propos de Robert Ford ? Ce titre, finalement très brillant et loin d’être anodin, évacue d’emblée ce que nous savons déjà parce que l’intérêt est ailleurs. Et si ce film renouvelle le genre, c’est parce qu’il instille la psychologie, aux antipodes du manichéisme habituellement érigé en principe du western. Les héros sont aussi vulnérables. Ils ne sont pas invincibles. C’est en effet un duel psychologique palpitant. Une lutte entre deux hommes. Une lutte interne pour chacun d’eux aussi. Robert Ford partagé entre sa vénération pour Jesse James et son désir de gloire de cet homme érigé en héros qu’il vénère autant qu’il désirerait prendre sa place. Entre l’adoration et la haine. Entre l’innocence, l’arrogance et l’ambition. Finalement si proches et peut-être si indissociables. Qui peut mieux haïr que celui qui a le plus adulé? La passion est versatile dans ses excès. Jesse James est en proie à ses démons. Robert Ford idolâtre Jesse James. Jesse James lui demande un jour s’il veut « être lui » ou « être comme lui ». La passion, elle aussi, elle surtout, a des raisons que la raison ne connaît pas.

     Quelques plans font songer à « La prisonnière du désert » et pourtant ce film ne ressemble à aucun autre. La course des nuages que le réalisateur filme à l’envie et par lequel débute le film nous fait d’abord craindre un film caricatural. Il annonce simplement la poésie de ce film imprégné d’une lumière crépusculaire. Les interprétations parfaites et même impressionnantes de Brad Pitt et Casey Affleck ajoutent à l’intensité de ce film magistral. Notre respiration est suspendue. Tout peut basculer d’un instant à l’autre. Le doute s’immisce dans les esprits. Le lion peut rugir à tout instant. Un regard qui se brouille. Une agitation inhabituelle. Rien ne lui échappe. C’est d’une intensité hitchcockienne. Voilà, c’est un western hitchcockien, un western d’auteur. Rien n’est superflu.

     Ce film est l’histoire d’une légende qu’en interprète une autre. Un film d’une grande modernité qui renouvelle le genre. Un western qui s’appréhende comme un thriller psychologique. Une œuvre sombrement poétique et mélancolique, lyrique. Un voyage dans des âmes tourmentées et complexes. Un grand film d’une rare richesse psychologique et d’une grande beauté formelle. Qui nous parle d’un monde qui a fait d’un criminel un héros. Qui nous parle aussi du nôtre. Qui fabrique des légendes. Des lions en cage, celle de leur âme, celle que leur fabriquent ceux qui les traquent, impitoyablement, inlassablement. Un conte de fée des temps modernes. Un film unique qui donne finalement l’impression d’avoir accompagné la course des nuages dans leur voyage sombrement poétique d’une beauté et d’une profondeur indicibles et tellement magique. (Retrouvez mon article complet et le récit de la conférence de presse deauvillaise en cliquant ici).

    Cette fois-ci, il ne s'agira cependant pas d'un western mais d'un film qui se rapproche davantage du premier film du cinéaste "Chopper" (le portrait d'un tueur australien de dealers).

     Killing Them Softly est ainsi une adaptation du roman « Cogan's Trade » de George V. Higgins.

    Synopsis : Jackie Cogan, un homme de main, est chargé d’enquêter sur un vol qui s’est déroulé lors d’un tournoi de poker organisé par la Mafia.

    Ce film sera aussi l’occasion d’une montée des marches prestigieuses et le retour de Brad Pitt à Cannes qui, entre « Babel » et « Inglourious basterds » pour lesquels il était venu à Cannes, fait toujours preuve de choix judicieux, souvent audacieux (voir article suivant).